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Nace

Steve Di Giorgio

 

 

 

 

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Claudio Monteverdi

(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera.

Hijo de un médico de Cremona, se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.

Monteverdi

Tras seguir a su señor en la campaña contra los turcos en Austria y Hungría, y visitar Flandes, viajes éstos que le permitieron conocer otras escuelas musicales ajenas a la italiana, fue nombrado maestro de capilla de Mantua en 1601, con la función de proveer toda la música necesaria para los actos laicos y religiosos de la corte.

Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. El reto era importante para un compositor educado en la tradición polifónica que hasta aquel momento había destacado en la composición de madrigales a varias voces, pues se trataba de crear una obra según el patrón que Jacopo Peri y Giulio Caccini; ambos músicos de la Camerata Fiorentina, habían establecido en su Euridice, una obra en un nuevo estilo, el llamado stile rappresentativo, caracterizado por el empleo de una sola voz que declama sobre un somero fondo instrumental. Una pieza dramático-musical, en fin, en que a cada personaje le correspondía una sola voz.

Esto, que hoy puede parecer pueril, en la época suponía un cambio de mentalidad radical: el abandono de la polifonía, del entramado armónico de distintas voces, por el cultivo de una única línea melódica, la monodia acompañada. El resultado fue La favola d’Orfeo, composición con la que Monteverdi no sólo superó el modelo de Peri y Caccini, sino que sentó las bases de la ópera tal como hoy la conocemos.

El éxito fue inmediato y motivó nuevos encargos, como L’Arianna, ópera escrita para los esponsales de Francisco de Gonzaga y Margarita de Saboya, de la que sólo subsiste un estremecedor Lamento. La muerte en 1612 de su protector Vincenzo Gonzaga motivó que el músico trocara Mantua por Venecia, donde permaneció hasta su muerte. Maestro de capilla de la catedral de San Marcos, compuso la magistral colección Madrigali guerrieri et amorosi. Las composiciones religiosas ocupan un lugar destacado en su quehacer durante esta larga etapa. También las óperas: en 1637, cuando el compositor contaba ya setenta años, abrieron sus puertas en Venecia los primeros teatros públicos de ópera y, lógicamente, se solicitaron a Monteverdi nuevas obras.

Desde que el músico escribiera Orfeo, el espectáculo había evolucionado considerablemente: de la riqueza vocal e instrumental de las primeras óperas se había pasado a un tipo de obras en las que la orquesta quedaba reducida a un pequeño conjunto de cuerdas y bajo continuo, sin coro; además, la distinción entre recitativo y arioso se había acentuado. A pesar de estas diferencias, Monteverdi supo adaptarse a las nuevas circunstancias con éxito: las dos óperas que han llegado hasta nosotros, Il ritorno d’Ulisse in patria y L’incoronazione di Poppea, son dos obras maestras del teatro lírico, de incontestable modernidad.

 

Nace

 Brian Eno

 

Nació el 15 de mayo de 1948 en el Phyllis Memorial Hospital de Woodbridge, Suffolk, Gran Bretaña.

Hijo de los católicos William Eno y María Buslot, nacida en Bélgica y a quien su esposo conoció durante la Segunda Guerra Mundial. Su progenitora ya tenía una hija, y con William tendrían dos hijos más, Arlette y Roger.

Cursó estudios en colegios de monjas y los Hermanos Perdidos De La Salle entre 1953 y 1964. En el año 1964 se matricula en la Art School for foundation studies.


Muestra interés por la música experimental y el arte de vanguardia de Cornelius Cardew y John Cage. En 1966 se matricula en la Winchester School of Art, studies Fine Arts (pintura y escultura). En 1968 escribe y publica el manual teórico Music for Non-Musicians.

Se traslada a Londres, donde toca con la Scratch Orchestra, dirigida por Cornelius Cardew, y The Portsmouth Sinfonia. Se convierte en uno de los primeros músicos que usan el sintetizador, aunque él se describe como no-músico.

Fue miembro fundador de Roxy Music, formación que abandonó en 1973 para comenzar su carrera a solas con Here Come the Warm Jets. Logra reconocimientos con sus propios álbumes y además colabora con John Cale, Nico, Robert Fripp y The Band ‘James’. Los experimentos de Brian Eno con la música ambient empezaron a tomar forma en 1975 con la edición de Discreet Music 1, una pieza de 30 minutos conformada por la superposición cíclica de dos melodías de diferente duración.

Compone y toca Low Heroes y Lodger junto a David Bowie. En 1994, colabora en Mamouna Bryan Ferry’s. Después produce a U2 The Joshua Tree, Unforgettable Fire, Zooropa y Achtung Baby. Trabaja para otros artistas como Luciano Pavarotti y Howie B. en Passengers grabado para Island Records (1995). Regresó en junio de 2005 con Another Day on Earth, su primer álbum destacado desde Wrong Way Up con John Cale. Con Warp Records lanzó a finales de 2010, Small Craft on a Milk Sea, en asociación con Leo Abrahams y Jon Hopkins. El álbum incluyó cinco adaptaciones de canciones que Eno escribió para The Lovely Bones.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Nace

Hillel Slovak

 

En 1977 Hillel comenzó a ir a la Fairfax High School, junto con Jack Irons, Michael Balzary y Anthony Kiedis. Hillel y Jack Irons se volvieron los mejores amigos a través del amor que compartían hacia la música; todo lo que hacían era escuchar música. Kiss y Led Zeppelin fueron sus principales influencias. Jack tocaba la batería y Hillel la guitarra eléctrica. Desde que era muy joven, a Hillel le llamó la atención la música de Jimi Hendrix, y se volvió su principal ídolo.

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Conoció a un guitarrista chileno, Alain Johannes en Fairfax. Hillel tenía la idea de comenzar una banda junto a Alain, Jack, su amigo Tom Strassman en el bajo. La banda se llamó «Chain Reaction». Al terminar el año, Chain Reaction cambió su nombre a » Anthym».

Tom Strassman abandonó Anthym en 1979. Slovak, Irons y Johannes pensaron que sería bueno que Michael Balzary lo remplazara. Este no sabía tocar el bajo, pero tenía la actitud que ellos buscaban. Alain comenzó a enseñarle a Balzary a tocar el bajo, y después de solo unos meses, Michael quien cambió su nombre a Mike B The Flea o solo Flea, estaba listo para estar con la banda. Anthony Kiedis era el fan número uno de Anthym y siempre daba un discurso antes del concierto de Anthym.

Anthony y Hillel se hicieron los mejores amigos. En 1980 Hillel se graduó de Fairfax High, así como también Alain y Jack quienes decidieron ir a la universidad, aunque Anthym permanecería unido. En 1981 Anthym cambió su nombre a What Is This?. El propietario de un bar, Gary Allen, le pidió a Anthony que hiciera un show junto con la banda. En abril, Anthony, Flea, Hillel y Jack debutaron en el Rhythm Lounge bajo el nombre de «Tony Flow And The Miraculously Majestic Masters Of Mayhem». Su actuación fue tan buena que les pidieron que tocaran de nuevo la noche siguiente, y así siguieron en otros clubs.

Decidieron cambiar su nombre a Red Hot Chili Peppers. En 1983 a los Red Hot Chili Peppers les ofrecieron un contrato para grabar un disco con EMI. Pero Hillel y Jack habían firmado con la disquera rival de EMI, con su grupo What is this?. Hillel y Jack decidieron dejar a los RHCP y preocuparse por What is this?. Hillel regresó con los RHCP en 1984. Comenzó a experimentar con varias drogas, y eventualmente se volvió un adicto a la heroína.

En 1985 los Red Hot Chili Peppers graban su segundo álbum, Freaky Styley, el cual fue producido por la leyenda del funk, George Clinton. Jack Irons regresó con los RHCP para el tour de Freaky Styley.

En 1987, los RHCP lanzaron su tercer álbum, The Uplift Mofo Party Plan. Este fue un álbum con notables solos de guitarra de Hillel. En abril, los problemas de drogas de Hillel se volvieron más serios, así que Kiedis, Flea y Irons consideraron la posibilidad de que abandonara la banda, pero finalmente la amistad siempre prevaleció.

A principios de 1988 se hizo la primera recopilación de los RHCP, The Abbey Road EP.

El 25 de junio de 1988, Hillel Slovak murió de una sobredosis de h

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eroína en su departamento de Los Angeles. Después de 4 años de serio abuso de drogas por parte de Hillel, su cuerpo ya no pudo resistir más. Esto sucedió mientras la banda trabajaba para su cuarto álbum, el cual iba a ser llamado Rockin Freakapotamus. La banda ya había grabado varias canciones como Point Boy, Blues for Meister, Magic Johnson. El álbum nunca se realizó.

Los miembros de la banda reaccionaron de maneras distintas por la muerte de Hillel. Flea, quien no había pasado mucho tiempo con Hillel un año previo a su abuso, sintió que pudo haber salvado a su amigo. Anthony, quien ya había tomado heroína, tomó la muerte de Hillel como un suceso muy fuerte y subsecuentemente le ayudó a que dejara las drogas. Tras esto, Anthony decidió ir a vivir un tiempo a México. Jack, quien era el que tenía más años de conocer a Hillel no pudo manejar el hecho de haberlo perdido. Este tuvo que ser hospitalizado después de tener severos colapsos nerviosos.

 

 

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Nace

 Albert Hammond Jr

 

 

 

Nace

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Billie Holiday

(Eleanora Fagan; Filadelfia, 1915 – Nueva York, 1959) Cantante de jazz estadounidense. Huérfana desde temprana edad, su vida estuvo marcada por el infortunio: violada a los diez años, con doce empezó a prostituirse, hecho por el cual estuvo cuatro meses en prisión.

Su suerte cambió a partir de su participación en un casting para un puesto de bailarina en el Pod’s & Jerry’s, donde, tras un estrepitoso fracaso, el pianista del local la invitó a cantar, lo cual permitió que el crítico y productor John Hammond descubriese en ella unas extraordinarias cualidades vocales, a pesar de su nula formación musical.

Hammond logró que la joven grabase su primer disco junto al mítico clarinetista Benny Goodman cuando la cantante tenía dieciocho años. Tras esta grabación, le llegó a Holiday una época de grandes éxitos, durante la cual actuó con artistas de la talla de Teddy Wilson, Lester Young, con quien realizó algunas de sus mejores grabaciones, William Count Basie o Artie Shaw.

Su particular timbre de voz y su libertad rítmica hicieron de ella una de las cantantes más personales e influyentes del mundo del jazz. Sin embargo, Holiday no supo asimilar el éxito: consumidora habitual de drogas y alcohol, poco a poco entró en un proceso de decadencia artística, al que se sumó una desafortunada vida sentimental que la condujo a una profunda depresión.

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Durante este período de decadencia siguió actuando, acompañada por músicos mediocres, grabó su peor repertorio y fue consumiendo el merecido crédito que había obtenido en su primera época. Sin embargo, a mediados de la década de 1950 consiguió rehacer su carrera, aunque su persistente adicción a los estupefacientes acabó finalmente con ella en 1959, a causa de una sobredosis de heroína. En 1956 había aparecido su autobiografía, Lady Sings the Blues.

 

Nace

Ravi Shankar

Compositor y sitarista indio

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Nació el 7 de abril de 1920, ciudad santa de Varanasi junto al Gangesen (India), en el seno de una familia de brahmanes, la casta más alta en la sociedad hindú.

Su padre fue maestro del violín, Shankar se inicia en el aprendizaje de ese instrumento cuando tenía 5 años.

En su infancia bailó en la compañía de su hermano, el bailarín y coreógrafo Uday Shankar.

En 1936 comenzó estudios de sitar, instrumento tradicional indio, bajo la dirección de Ustad Allaudin Khan. La gran influencia que éste desarrollo sobre él se puede apreciar en su estilo inventivo y en sus ritmos asimétricos y poco frecuentes.

Durante su trabajo en la All-India Radio, compuso numerosas melodías para la radio y para películas como, Pather Panchali (El lamento del sendero, 1955, Stayajit Ray) y Gandhi (1981, Richard Attenborough). Además escribió ballets basados en textos del escritor y filósofo indio Rabindranath Tagore.

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Sus giras por Europa y Estados Unidos entre 1956 y 1957 contribuyeron a despertar el interés por la música india en Occidente. En la década de 1960 Shankar introdujo en la música india al grupo británico The Beatles y actuó con el violinista británico Yehudi Menuhin. Ravi Shankar fue considerado como uno de los más queridos embajadores musicales de India y un fenómeno singular en los mundos de música clásica de este y el oeste.

Como compositor ha escrito dos conciertos para citarra y orquesta, música para el virtuoso de la flauta Jean-Pierre Rampal, y música para Hosan Yamamoto, master del Shakuhachi. Shankar ha colaborado con Philip Glass (Passages), y George Harrison produjo y participó en dos de sus álbumes (Shankar Family & Friends y Festival of India). Miembro del United Nations International Rostrum of composers. En 1976 comenzó su colaboración con el guitarrista John McLaughlin, con el que fundó el grupo Shakti. Es el padre de la cantante estadounidense Norah Jones y la sitarista Anoushka Shankar.


Protagonizó la película «Raga«, centrada en su vida y en 1978 publicó el libro autobiográfico «My life, my music«.

Su primer matrimonio con la hija de su maestro Ustad Allauddin Khan, Annapurna, terminó en divorcio en 1982 tras años de separación en los que mantuvo relaciones sentimentales con Kamala Chakravarty y también con Sue Jones, madre de la que sería su hija Norah Jones. En 1989 se casa con Sukanya Rajan con la que vivió  entre San Diego y Nueva Delhi.

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Ravi Shankar falleció el 11 de diciembre de 2012, a los 92 años, en un hospital de San Diego, Estados Unidos, donde había sido ingresado para someterse a una operación. Había sufrido problemas cardíacos y respiratorios por lo que se sometió a una cirugía para reemplazar una válvula del corazón en el hospital donde falleció. A pesar de sus dolencias continuó actuando durante y realizó su último concierto el 4 de noviembre en Long Beach, en el condado de Los Ángeles.

 

 

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Nace

Gary More

Nació el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del Norte.

Aficionado a la guitarra con no más de siete años, mientras acudía al salón de baile que regentaba su padre, no era mayor de edad cuando comenzó su carrera profesional al entrar a formar parte deSkid Row, grupo en el que el guitarrista conoció a Phil Lynott, futuro líder y hacedor de Thin Lizzy, agrupación de la que formó parte reemplazando al guitarrista Eric Bell.

Grabó tres discos con la banda y dejó su huella en el tema Still in Love with you, una de las baladas más emotivas de la banda.

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En 1973 hizo su debut como solista con «Grinding Stone«.

Fue músico de sesión durante algunos años y se unió al proyecto de fusión Colosseum II en 1975. En 1977 reaparece en Thin Lizzy y graban «Black Rose«.

Durante una gira por los EEUU en 1979, decidió abandonarla nuevamente y crea G-Force con los que lanza «Parisienne Walkaways» del disco «Back in the Streets«. Con «After the War» incluyó notablemente ritmos y melodías de origen celta, después aparece «Still got the Blues«, donde combina el blues tradicional con toques de hard rock y metal. Consiguió un éxito masivo tanto en ventas como en opiniones de la crítica. Con el «After Hours» consolida su reputación como bluesman al compartir piezas con B.B: King y Albert Collins. En 1994 grabó con Jack Bruce y Ginger Baker (ex miembros de Cream) en un proyecto paralelo llamado BBM.

Gary Moore fue hallado muerto en la habitación de un hotel de Estepona, Málaga, Costa del Sol, en España, el 6 de febrero de 2011.

 

 

Nace

Michel Camilo

Nació el 4 de abril de 1954 en Santo Domingo, República Dominicana.

Compuso su primera canción a los cinco años.

Cursó estudios durante trece años en el Conservatorio Nacional, donde obtuvo el título de Licenciado en Música y a los dieciséis años se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de su país.

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Michel Camilo se inició tocando el acordeón que cambió por el piano cuando contaba dieciséis años.

Virtuoso del piano, aderezando sus interpretaciones con ritmos caribeños, acompañados de un velocísimo estilo, a veces espontáneo, con el que conforma un universo de plenitud rítmica.

En 1979, viajó a Nueva York, donde continuó sus estudios en las Escuelas de Música Mannes y Julliard.

Su «Why Not?» interpretada por Manhattan Transfer llegó a ser un éxito.

Hizo su debut en el Carnegie Hall en 1985 con su trío, y en 1986 en los festivales europeos. Desde entonces se ha convertido en una figura prominente actuando regularmente en USA, el Caribe, Japón y la escena jazz europea. Actuó junto a Paquito D’Rivera’s band durante tres años. Junto a Tomatito, el guitarrista de Camarón de la Isla, graba Spain.

En el 2010 la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) le otorgó el titulo Honoris causa por su excelente trayectoria musical.

Recibió el Premio Grammy al mejor álbum de jazz en 2000, 2004, 2013, 2017.

 

 

Muere

Tio Lalo Parra

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Eduardo Parra Sandoval, «Tío Lalo», hermano de Violeta, Nicanor, Hilda, Roberto, Lautaro, Elba, y Oscar la Gran familia Parra.

Nació en Chillán el 29 de Junio de 1918, autor, compositor e intérprete y guitarrista de los buenos.

A los siete años y junto a sus hermanos Hilda, Violeta y Roberto se hacen pioneros del canto popular callejero, donde los trenes, calles y mercados se convierten en sus primeros escenarios; los pasajeros y transeúntes a su vez se convierten en el público que hace suyo el folclore urbano, en voces y guitarras de estos niños cantores.

A los quince años y ya en Santiago, canta en restaurantes y quintas de recreo.A los 20 años, forma el dúo «Hermanos Parra» dando inicio a sus primeras grabaciones para el sello RCA Víctor, entre las que se destacan: «Los Marcianos» y «Como te poní». Desde ese momento el «dúo Parra»realiza giras por todo chile y posterior mente viajan a Bolivia, Perú , Argentina y Ecuador, transformándose en embajadores de la música tradicional Chilena.

De regreso a Chile, junto a su esposa Clara, se presentan en boites y quintas de recreo, de primer nivel.

En 1957, Eduardo Parra enviuda y parte junto a sus hijos Francisco y Clarita a la Argentina por siete años, insertando en la música y cultura de ese país.

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Cabe señalar el destacado trabajo del tío Lalo en el circo Chileno. Tanto le apasiona esta experiencia que por seis años asume el cargo de presidente del sindicato circense de Chile.

Entre los años 1965 y 1966, realiza nuevas grabaciones para el sello IRT. junto a Lautaro Parra y Ena Troncoso, formando el grupo «Los Viejos Parras», con éxitos como: «18 Cuecas para el Dieciocho», «Las Cuecas del Señor Corales».

En 1970, junto a su hija Clarita Parra, graba dos LP: «Las Cuecas Choras del Hombre Nuevo» y «Las Cuecas de Hogar Dulce Hogar».

Desde esa época hasta la muerte del tío Roberto Parra, forman un dúo único y verdaderamente extraordinario, tanto en la música como en lo personal. Realizan giras dentro y fuera del país, recorriendo peñas, colegios, universidades, que con sus estilos tan especiales del cantar y tocar la guitarra cautivaron a todo el público en general.

1991, nuevamente junto a Clarita, graba «Las Cuecas de la Negra Ester», basadas en la obra de su hermano Roberto, todas de su autoría.

1994 escribe un libro, para la editorial Zig-Zag, sobre la vida de Violeta Parra y las cartas de la suerte del tío Parra, ambas sin editar.

1995 graba un disco compacto junto al grupo Los Tres y Angel Parra en donde se destaca: «Mi chica y yo», «El Chute Alberto», «Chiquillo de la Orilla y la Ronda».

 

 

 

fuente :scd

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Nace

Sergéi Rachmaninov

(Serguéi Vasilievich Rachmaninoff o Rachmaninov; Oneg, Rusia, 1873 – Beverly Hills, Estados Unidos, 1943) Compositor, pianista y director de orquesta ruso, nacionalizado estadounidense. Aunque conocido a nivel mundial por el Concierto para piano núm. 2, Sergéi Rachmaninov ha sido relegado por algunos historiadores al papel de simple epígono del romanticismo y, en particular, de Piotr Ilich Chaikovski, compositor por el que siempre profesó una profunda admiración. Sin embargo, ello no es obstáculo para que la música del autor de las Danzas sinfónicas sea una de las más apreciadas por intérpretes y público, por su singular inspiración melódica y su emocionada expresividad.

Rachmaninov

Hijo de una familia de terratenientes, debió su temprana afición musical a su padre y a su abuelo, uno y otro competentes músicos aficionados. A pesar de sus extraordinarias dotes para la interpretación al piano, la composición fue desde el principio el verdadero objetivo del joven Rachmaninov.

No obstante, su carrera en este campo estuvo a punto de verse truncada prematuramente por el fracaso del estreno, en 1897, de su Sinfonía núm. 1. Este revés sumió al compositor en una profunda crisis creativa, sólo superada a raíz del Concierto para piano núm. 2, cuyo éxito supuso para él el reconocimiento mundial.

La revolución soviética puso fin a esta etapa, provocando su salida, junto a su familia, de Rusia. Suiza primero y, a partir de 1935, Estados Unidos, se convirtieron en su nuevo lugar de residencia. Si en su patria había dirigido sus principales esfuerzos a la creación, en su condición de exiliado se vio obligado a dedicarse sobre todo al piano para poder subsistir.

La carrera de virtuoso pianista que llevó a cabo desde entonces, junto a la profunda añoranza de su país, fueron dos de las causas que provocaron el notable descenso del número de obras escritas entre 1917 y 1943, el año de su muerte: sólo seis nuevas composiciones vieron la luz en ese lapso de tiempo, cuando en los años anteriores lo habían hecho casi cuarenta.

 

 

 

Nace

Gustavo Nápoli

Gustavo Fabián Nápoli nacido el 1 de abril de 1967 en Buenos Aires, Argentina. Es el cantante, guitarrista y compositor de la banda de hard rock La Renga.
Formada en sus principios con Raúl Dilelio en la guitarra, Gabriel Iglesias al bajo y Jorge Iglesias en la batería.

Su primera banda la formo con compañeros de la secundaria, dicha banda se llamo «Origen»,luego de la disolución de esta banda,conocio a Locura Dilelio y forma la banda «Cólera».
Sus inicios en la Música Chizzo (Gustavo Nápoli) cuenta sus primeros pasos en la música: «Nos juntábamos con algunos compañeros de la secundario a tocar todos los fines de semana. Un día, de pasada al colegio, conocí a un grupo de pibes que se juntaba en la esquina de la calle Homero y Garzón a tocar la guitarra, de esos encuentros surgió el primer proyecto que se llamó Origen. Después de esa banda vinieron otros encuentros con unos amigos de la nocturna donde tocábamos un tipo de música a la que llamamos «Industrial». Unos de esos días, un amigo mío, me alcanzó un demo de rock de un tal Raúl de Mataderos, al toque me lo presentó y armamos Cólera. Pasó el tiempo, ese grupo también se disolvió y luego llegó esa noche de año nuevo donde nos unió con Tete y Tanque…» Locura (Raúl Dilelio) explica que Cólera llegó a su fin cuando a Chizzo le tocó hacer el servicio militar, obligatorio en esa época. «Al salir de la colimba yo le presenté al Tete y comenzamos a buscar bateristas, el golpe del Tanque y nos gustaba…», anticipa así Locura la integración de los dos músicos y hermanos a la banda que por entonces no tenía nombre. Tete (Gabriel Iglesias) recuerda su iniciación como músico: «Tocaba con los pibes del barrio, con mi hermano, por ejemplo, pero nunca habíamos formado una banda así que saliera a tocar en recitales. Yo conocí a Raúl porque vivíamos muy cerca, en una época me distancié de él porque me fui a tocar con unos muchachos de Parque Patricios, pero después de un par de años me llamó porque necesitaba un bajista y así empecé a juntarme para tocar con él y con Gustavo.» Tanque (Jorge Iglesias) no olvida su transición entre Nepal y lo que sería La Renga: «Les hacía la gamba para que no queden parados sin baterista…también recuerdo que los shows de Nepaleran cada vez más quilombos y encima no aparecía ni una minita (risas), llegué a un punto a partir del cual tenía que tomar una decisión porque ensayaba todos los días con los dos grupos, más el laburo, ya no daba más…El ambiente de Nepal era re heavy comparado con el de La Renga que era re familiar , por suerte me decidí; me costó pasar del heavy a full con el rocanrol, pero después me acostumbré y acá estoy…»

 

Un día como hoy, 27 de Marzo

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Nacimientos

• 1416: Antonio Squarcialupi, organista italiano.
• 1851: Ruperto Chapí, compositor español.
• 1851: Vincent d’Indy, compositor y profesor de música francés.
• 1862: Francisco Alió, compositor español.
• 1892: Ferde Grofé, compositor y director de orquesta estadounidense.
• 1901: Enrique Santos Discépolo, poeta, compositor, actor y autor teatral argentino.
• 1909: Ben Webster, saxofonista de jazz estadounidense.
• 1914: Robert Lockwood Jr., guitarrista de blues estadounidense.
• 1924: Sarah Vaughan, cantante estadounidense.
• 1927: Mstislav Rostropóvich, violonchelista soviético.
• 1950: Tony Banks, teclista y compositor británico de Genesis.
• 1959: Andrew Farriss, músico australiano de INXS.
• 1961: Tak Matsumoto, guitarrista japonés de B’z.
• 1963: Charly Alberti, músico argentino de Soda Stereo.
• 1963: Xuxa, presentadora de televisión, cantante y actriz brasileña.
• 1969: Keith Flint, cantante británico de The Prodigy.
• 1970: Mariah Carey, cantante, compositora y productora musical estadounidense.
• 1975: Fergie, cantante estadounidense de Black Eyed Peas.
• 1981: JJ Lin, cantante y actor singapurense.
• 1988: Jessie J, cantante britanica.
• 1989: Kia Luby, actriz y cantante australiana.

Fallecimientos

• 1987: Cláudio Santoro, compositor brasileño.
• 2005: Rigo Tovar, músico mexicano. (n. 1946).
• 2012: Gian Franco Pagliaro, cantautor italiano (n. 1941).

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Nace

Ben Webster

Benjamín Francis Webster, conocido en el mundo del jazz como,  Ben Webster, y apodado  «El rana», por sus ojos saltones, nació en la muy jazzistica ciudad de Kansas City, cuna de magníficos saxofonistas, entre ellos la del gran,  Charlie Parker. Fue un 27 de marzo de 1909 y su carrera musical comenzó a tomar relieve en la cuerda de saxos de la orquesta del maestro  Duke Ellington, en los tiempos del  Cotton Club, de Harlem. El  «Duke», compuso agradecido a su saxofonista, un tema emblemático que acompaño a  Ben Webster,  durante toda su carrera. Estamos hablando de  «In a Mellotone», una pieza hecha  a la medida de nuestro músico y que le acompañaría durante toda su carrera.

Ben Webster, estudió varios instrumentos: primero violín, después piano y clarinete. Su primer trabajo fue precisamente el de pianista en un cine mudo en Texas. Su afición por el saxo la adquirió de Bud Johnson, el famoso saxofonista de Dallas. Tocó el saxo contralto en orquestas bastantes conocidas como la de W.H. Young, padre del gran Lester Young, donde estuvo tres meses. En 1931 trabajó acompañando a la cantante, Blanche Calloway, hermana del famoso director de orquesta, Cab calloway, y desde finales de ese año, hasta principios de 1933, formó parte de una de las mejores orquestas del Medio Oeste, la de Bennie Moten, cuyo pianista era por entonces, el maestro, Count Basie. Tras su fructífera experiencia con Moten, Ben Webster empezó a ser solicitado por las bigbands mas conocidas, y así en 1933, Andy Kirk, lo llamó para ocupar la cabecera de su sección de saxos, luego fue Fletcher Henderson quien se fijó en él, y en 1934, trabajó con Benny Carter. En cada una de ellas, la presencia de Ben Webster coincidió con el periodo de mas esplendor de esa orquestas.

Tras su paso por el atril de Benny Carter, tocó durante mas de un año con la orquesta de Cab Calloway, con el que grabó entre la primavera de 1936 y el verano de  1937, dieciséis temas. La segunda mitad de la década de los treinta fue en ese sentido, un periodo donde Ben Webster se hizo un lugar propio en la escena jazzistica americana y consiguió ser uno de los grandes saxos tenores del momento. Su ultimo trabajo en esa década fue tocar en el grupo de Teddy Wilson, donde le tocó acompañar en mas de una grabación a la cantante, Billie Holiday. El gran momento de su vida llegó en 1940 cuando entró a formar parte de la histórica orquesta de Duke Ellington. Su ingreso coincidió en el tiempo con la tambien incorporación del bajista, Jimmy Blanton. Entre 1940 y 1943, uno de los grandes momentos de la orquesta de Ellington, Webster fue un pilar indiscutible en la sección de saxos, sin duda la mejor de toda la historia del jazz, junto a Johnny Hodges, o Russell Procope. Temas como «Satín Doll» y sobre todo «In a Mellowtone» fueron escritos por Duke Ellington y Billy Strayhorn, para mayor gloria de su saxofonista tenor.

Cuando tras la II Guerra Mundial comenzó el ocaso de las Big-Bands, muchos músicos tuvieron que buscarse con mas o menos fortuna su lugar en la música de jazz como solistas, bien formando su propio grupo mas o menos estable o bien como sideman acompañando a otros músicos. A nuestro protagonista le vino bien la disgregación de las grandes orquestas del swing y en solitario consiguió los éxitos que dentro de la orquesta de Ellington quedaban de alguna forma camuflados. La peregrinación de Ben Webster cuando en 1943 dejó la orquesta de Ellington, comenzó con el grupo de Sidney Catlett a principios de 1944, Joh Kirby (julio de 1944); Stuff Smith (1945) y con Henry «Red» Allen desde noviembre de 1948, hasta septiembre de 1949. A partir de ahí, el productor Norman Granz, le liberó de sus problemas económicos cuando lo embarcó en la aventura del «Jazz at the Philharmonic» donde permaneció vinculado hasta 1959. Convertido en trotamundos, en 1964 emigró a Europa afincándose primero en Copenhague y después en Holanda, hasta que en 1969 echó anclas definitivamente en la capital danesa. En 1973, actuando en la ciudad holandesa de Leyda, sufrió un infarto que acabó con su vida en un hospital de Amsterdam.

Ben Webster, forma parte, junto a Coleman Hawkins y a Lester Young, de la triade de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz.

 

 

 

Nace

Andrew Farriss

 Farriss (n. 27 de marzo de 1959 en Perth, Australia Occidental) es compositor, tecladist y guitarrista de la banda australiana INXS.

Conoció a Michael Hutchence en la secundaria de Sidney, y ahí dieron a conocer su gusto por la música.

Su hermano Tim tenía una banda con Kirk Pengilly, llamada Giness. Tim Farriss tuvo la idea de juntar el grupo Giness con el grupo de Michael y Andrew, y ya con el otro hermano de Andrew, Jon Farriss, y crearon The Farris Brothers. Después decidieron cambiar el nombre de la banda a INXS.

Fue el compositor principal de la banda, junto con Michael Hutchence, compuso la mayoría de las canciones y algunas joyas como «Never Tear Us Apart«, «Need You Tonight«, «Suicide Blonde» (donde tocaba la armónica), entre otras.

Después de la muerte de Michael Hutchence en 1997 y años más tarde, en el 2005, INXS realizó un reality show llamado Rock Star: INXS, cuyo propósito era encontrar un nuevo vocalista para la banda. El ganador del reality fue el canadiense J.D. Fortune, y con él lanzaron en el 2005 el álbum Switch.

 

 

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  Nace

  Charly  Alberti

  

• 27 de Marzo de 1963 en la ciudad de Buenos Aires, hijo de Dolly Gigliotti y Tito Alberti.

  Desde muy pequeño sintió gran fascinación por la naturaleza y los animales, especialmente los peces. Se dedicó cuidadosamente al criado de diversas especies y esta pasión le permitió disfrutar de su personalidad pensante y solitaria.
  
  Aprovechaba las horas de siesta para armar modelos a escala de aviones de combate, un hobbie que encajaba perfectamente con su espíritu perfeccionista.

  Esa primera pasión se traduciría en su deseo de ser piloto, sueño que no pudo realizar debido a su daltonismo. A diferencia de sus amigos, nunca se sintió atraído por el fútbol, prefería practicar water polo y hockey sobre patines en el club River Plate, el cual quedaba a pocas cuadras de su casa. La música estuvo presente desde su nacimiento gracias a su padre, el reconocido músico de jazz, Tito Alberti. A los seis años comenzó a estudiar batería de manera particular con profesores de la talla de Alberto Alcalá y el «Oso» Piccardi.

  Ya en su adolescencia, incentivado por su padre, forma una banda llamada GENS. El grupo hacia covers de temas disco de los 70 (Bee Gees, Cool and the Gang, etc) y solían tocar como soporte de la orquesta de Tito en fiestas privadas. Luego de varios años de militar en este grupo, con el dinero ganado compra su primera batería Pearl.

  Vivía en una casa grande con cuarto propio y a pesar de ello, se llevaba su colchón y dormía al pie de su batería para poder admirar y corregir cada posición de la misma. Ensayaba frente al espejo durante horas, estudiando cada movimiento de sus brazos, lo cual derivo en su forma particular de tocar, la cual se diferenciaba de los demás bateristas.
  
  En 1982 funda Soda Stereo junto a Gustavo Cerati y Zeta Bosio. El grupo que marcaría el rumbo de la música Argentina y Latinoamericana en los 80 y gran parte de los 90.
  La memoria de Soda registra un crecimiento vertiginoso que no se había dado nunca antes en la historia del rock latino. En Argentina, cuatro años bastaron para que el trío se convirtiera en un símbolo indiscutido, lleno de fervor e ideas nuevas, las cuales se abrían para la cultura joven luego del efecto demoledor de las dictaduras militares.

  En 1986 Signos, el tercer álbum del trío asciende a disco de platino, confirmando la total adhesión del público en todo el país. Era el principio de la explosión, y al año siguiente, tras haber recibido la antorcha de plata del prestigioso festival de viña del mar en Chile, una gira de envergadura sin precedentes coloca a Soda Stereo como banda numero uno de toda Latinoamérica

  Siendo un ferviente amante de la tecnología desde sus inicios, Charly fue una pieza clave al incorporar la misma dentro de la banda, convirtiéndose de esta forma en pioneros en la implementacion de la tecnología en la música en Latinoamérica.
  
  Durante 1987, presentados por Susana Netto, conoce a Remo Belli, presidente de la firma de parches mas importante del mundo, durante una visita del mismo a Buenos Aires.
  Al día siguiente de aquel importante encuentro, Charly le acerca al hotel una carpeta que contenía información acerca de su trayectoria, datos del armado de su batería, notas de prensa, etc.
  Pocas semanas después de su regreso a USA, Remo se comunica directamente con Charly para informarle que en base a los datos que se había llevado de BA, más algunas referencias que le habían dado en el resto de Latinoamérica, estaba dispuesto a sponsorearlo incondicionalmente, colocándolo de esta forma dentro de sus 5 bateristas mas importantes.
  A partir de ese momento se desarrolló una estrecha relación entre ambos, la cual perdura hasta la actualidad, que excedería lo estrictamente laboral. Esta amistad marcaría el futuro perfil de Charly en su relación con los negocios.

  Para estos tiempos, Charly ya había comenzado a dejar su huella en el mundo de la música, habiendo sido elegido por los medios especializados de diferentes países, como el mejor baterista de Argentina y Latinoamérica en varias ocasiones

  En 1988 el éxito del grupo en tierra Mexicana supera todas las expectativas, preparando el terreno para ingresar al mercado norteamericano. La grabación del quinto álbum, Doble Vida, se realiza en la ciudad de New York. Al año siguiente, la revista Norteamericana especializada Modern Drummer realiza una entrevista a Charly Alberti, reconociéndolo como uno de los bateristas más destacados del momento.

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• El video clip del tema La Ciudad de la Furia es elegido finalista por MTV. La tercera gran gira latinoamericana concluye con conciertos en el famoso The Palace de Los Angeles. Los años subsiguientes serían testigos del lanzamiento del grupo hacia el viejo continente.En 1990 la cadena MTV News Europea produce un especial de Soda Stereo. Ya en 1992, en ocasión de la mega-exposición internacional de Sevilla por el quinto centenario, no quedaban dudas de que el representante de la música Argentina era Soda Stereo. había sido necesario mucho más que buena música para que se diera este fenómeno.
  
  En la química creativa del trío, Charly aportó contenidos que iban más allá de sus dotes de baterista.
  En los 90 continuaron con discos relevantes como Dynamo y Sueño Stereo, y con el sostenido reconocimiento que el grupo recibió en toda su trayectoria.Pero Soda Stereo ya no significaba lo mismo para sus creadores.
  En un impasse que duró casi 2 años, Charly decide experimentar en el trabajo alejado de sus compañeros de grupo, y realiza junto a Deborah de Corral, su primer disco donde aparece como compositor y productor. El proyecto se llamó PLUM y fue editado solamente en Argentina, agotando su edición limitada.
  Este trabajo fue una prueba importante para él, ya que fue el primer trabajo realizado fuera del entorno de Soda.
  Luego de PLUM, Soda se reencuentra con el álbum Sueño Stereo, continuando hasta su despedida pública en 1997 con una mini gira Latinoamericana y el cierre definitivo en el estadio de River Plate en la ciudad de Buenos Aires.El camino seguido por Charly de aquí en más tiene que ver con la búsqueda personal que va más allá de los logros cosechados como músico. Etapa difícil pero determinante, la cual implicaba la asimilación consciente del pasado como premisa del diseño del futuro.
  Emprendedor, autodidacta, aprovechó su experiencia como músico y como implementador de nuevas tecnologías, así como el peso de su figura pública en toda América para crear una empresa de perfil totalmente nuevo.
  A partir de esta etapa Charly le daria espacio en su vida a desarrollar su otra gran pasión, la TecnologiaTecnología, presente y futuro

Promediando 1996, diversas reuniones con directivos de Apple Computer Inc. culminan en la decisión de crear una plataforma oficial de difusión de la empresa en Buenos Aires.
Así es como en 1996, Charly Alberti funda CybeRelations, una estructura creativa altamente especializada con el primer objetivo de posicionar a Apple Macintosh en Argentina.

Este fue cumplido con creces en un tiempo récord, en solo cuatro meses la empresa ya estaba entre las 25 con mejor imagen y prensa del país.

Cybrel Digital Entertainment

En Agosto de 1997, viendo un tremendo potencial, decide darle un giro a su empresa, y armar de esta forma una plataforma para darle rienda suelta a su creatividad aplicando la misma a diferentes plataformas.

Para esto, la empresa deja de trabajar exclusivamente con Apple y pasa a llamarse Cybrel Digital Entertaiment. Su objetivo: implementar y generar contenidos y aplicaciones basados en tecnologías de avanzada principalmente para el mercado de habla hispana..

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Un día como hoy, 26 de Marzo

Nacimientos

• 1884: Wilhelm Backhaus, pianista alemán (f. 1969).
• 1894: Viorica Ursuleac, soprano ucraniana.
• 1925: Pierre Boulez, director de orquesta, compositor y pedagogo francés.
• 1944: Diana Ross, cantante estadounidense.
• 1948: Steven Tyler, cantante estadounidense (Aerosmith).
• 1950: Alan Silvestri, compositor de bandas sonoras y músico estadounidense.
• 1957: Paul Morley, periodista y músico inglés.
• 1963: Manuel Wirzt, músico argentino.
• 1968: Kenny Chesney, cantante estadounidense.
• 1968: James Iha, músico estadounidense (The Smashing Pumpkins, A Perfect Circle).
• 1987: Yui, cantautora y actriz japonesa.

Fallecimientos

• 1566: Antonio de Cabezón, compositor español.
• 1827: Ludwig van Beethoven, compositor alemán.
• 1871: François-Joseph Fétis, músico y compositor belga.
• 1888: Walter Bache, director de orquesta y pianista inglés (n. 1842).
• 1918: César Cui, compositor y militar ruso (n. 1835).
• 1951: Walter Kirchhoff, tenor alemán (n. 1879).
• 1987: Eugen Jochum, director de orquesta y músico alemán.
• 1988: Miguel Abuelo, músico de rock argentino.
• 1995: Eazy-E, rapero estadounidense (NWA).
• 2000: Randy Castillo, baterista estadounidense.

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Nace

James Iha

James Yoshinobu Iha .. nacido el 26 de marzo de 1968 en Chicago, Estados Unidos) es un músico de rock y modelo profesional estadounidense de origen japonés. Es mayormente conocido por ser el guitarrista rítmico de la exitosa banda «The Smashing Pumpkins».

 

 

 

 

 

Un día como hoy, 20 de Marzo

Nacimientos

• 1890: Beniamino Gigli, tenor italiano (f. 1957).
• 1890: Lauritz Melchior, tenor danés (f. 1973).
• 1915: Sviatoslav Richter, pianista ruso (f. 1997).
• 1918: Bernd Alois Zimmermann, compositor alemán.
• 1935: Lolita Sevilla, cantante y actriz española.
• 1935: Óscar Chávez, cantante, actor y compositor mexicano.
• 1950: Carl Palmer, músico británico (Emerson, Lake & Palmer).
• 1951: Jimmie Vaughan, guitarrista estadounidense de blues.
• 1961: Slim Jim Phantom, baterista estadounidense de Stray Cats.
• 1964: Natacha Atlas, cantante belga.
• 1966: Alka Yagnik, cantante india.
• 1969: Mannie Fresh, productor musical de Cash Money Records.
• 1972: Alex Kapranos, vocalista de Franz Ferdinand.
• 1976: Chester Bennington, músico estadounidense (Linkin Park).
• 1982: Nick Wheeler, guitarrista estadounidense (The All-American Rejects).

Fallecimientos

• 1988: Gil Evans, pianista de jazz, arreglista y compositor canadiense.
• 1991: Connor Clapton, hijo de Eric Clapton, en su honor escribe Tears in heaven.
• 1992: George Delerue, compositor de cine francés (n. 1925).
• 2008: Klaus Dinger, músico alemán (Neu!).

Nace

 

Sviatoslav Teofilovich Richter

(Jitomir, actual Ucrania, 1915-Moscú, 1997) Pianista ruso. Dotado de una técnica pianística perfecta que le permitió afrontar con éxito las más exigentes composiciones del repertorio y dotarlas de un aliento poético único, Richter hizo gala durante toda su carrera de una gran independencia y se mantuvo siempre al margen de los grandes circuitos internacionales de conciertos y de la industria del disco. Alumno del célebre pedagogo ruso Heinrich Neuhaus en Moscú, en sus primeros pasos en el mundo de la interpretación se sintió atraído no tanto por la práctica del piano como por la dirección de orquesta, faceta ésta en la que su última aparición ante el público data de 1952. Desde esta fecha se dedicó en exclusiva al piano. La consecución del primer premio en un concurso pianístico pansoviético en 1945 significó el inicio de su consagración como virtuoso, primero en su país y más tarde, a partir de 1960, en Occidente. Su extenso repertorio abarcó estilos y nombres tan dispares como los de Bach, Schubert y Prokofiev, compositor éste con quién le unió una sincera amistad.

 

Nace

Jimmie Vaughan

 

nació en Texas en 1949, es al igual que su hermano Stevie Ray Vaughan, un gran guitarrista de blues, si bien menos conocido que éste.

Su estilo de tocar es fácilmente reconocible, se caracteriza por no usar púa. Fue miembro del grupo de blues-rock «The fabulous thunderbirds» junto al armonicista Kim Wilson.

Junto a su hermano realizó el album «Family style», que vió la luz en 1990, justo el año en que falleció su hermano Stevie Ray. Jimmie Vaughan nunca se ha alejado demasiado del terreno del blues.

Desde que se murió su hermano ha contribuido a la tarea de hacer que su nombre no se olvide. Ha sido elogiado como guitarrista por B.B.King o Eric Clapton, con los que ha colaborado en numerosas ocasiones.

 

 

 

 

Muere

Gil Evans

Ian Ernest Gilmore «Gil» Evans (13 de mayo de 1912 en Toronto Canadá – 20 de marzo de 1988 en Cuernavaca, México) fue un pianista de jazz, además de arreglista, compositor, y líder de banda. Se dedicó en los primeros años de su juventud a viajar por numerosos países hasta que finalmente se estableció en Stockton (California) donde dirigió su propia banda como músico completamente autodidacta entre 1933 y 1938. Tuvo un papel destacado en el desarrollo de cool, modal jazz, free jazz y jazz-rock. La música de Evans se volvió directriz para la nueva camada de compositores de los cincuenta que tomaron sus ideas como fuente de inspiración.

Eran años por demás creativos para el gran trompetista. Junto a Gerry Mulligan, John Lewis, John Carisi, Lee Konitz, Miles Davis y otros músicos, lanzaron entre 1948 y 1950 el álbum que revolucionó todos los conceptos musícales de aquella época creando el llamado «estilo cool» y cuyo grupo fue y es conocido para la posteridad como el «Noneto Capitol». De allí salió el álbum «Birth of the Cool», uno de los títulos imprescindibles de la historia del jazz.

Después de su decisivo «Birth of the Cool», en el que había trabajado por primera vez con Evans, Davis volvió a reunirse con él en 1957 y el resultado fue un magistral «Miles ahead» en el que Gil dirigió una gran orquesta de diecinueve instrumentistas. Los bellísimos, extraordinarios y exuberantes arreglos que Evans hizo para las canciones clásicas de ese álbum, le llevaron a retomar la colaboración con Miles Davis en el álbum grabado para la Columbia y donde Miles bajo la batuta de Evans, se sube a un escenario con cerca de una veintena de músicos, toda una autentica bigband extraordinaria.

En 1958 apareció «Porgy and Bess» y dos años más tarde el también estupendo «Sketches of Spain». Los tres discos tuvieron un altísimo nivel de ventas en todo el mundo. En aquella época, la famosa ópera que George Gershwin había compuesto a mediados de los años treinta gozaba de una enorme popularidad. No fue de extrañar que Evans encontrara en las partituras de «Porgy and Bess» una fuente de inspiración para desplegar sus propias ideas orquestales.

No obstante, aunque sus colaboaciones con Davis son lo más memorable de su carrera, también cuenta con una interesantísima discografía como líder. Fue uno de los que de manera más decisiva contribuyeron a la evolución del jazz, y uno de los primeros en abrazar el uso de instrumentos eléctricos. Ha sido descrito a menudo como una especie de Svengali orquestal. Alguien que conjura sonidos casi místicos, tomado de las grandes formaciones del jazz para proporcionar el fondo musical perfecto a solistas como Miles Davis o a la cantante, Helen Merrill.

Gil desarrolló un concepto sonoro que describía de la siguiente manera: «La música se convierte en una nube que flota sobre el escenario, una nube cuya densidad es variable y que es traspasada por los chorus de los solistas como si fuesen relámpagos». Evans, fue sin duda un complemento perfecto para esos artistas, pero también se embarcó en una incesante exploración de las posibilidades inherentes al campo de la composición y el arreglo orquestal en el último tramo de su carrera y disfrutó incluso de una variedad de instrumentos electrónicos en su original paleta de sonidos.

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La música de Evans transcurría en un movimiento perpetuo cuyo énfasis estaba dado más por el color sonoro que por el swing, desarrollado casi como un método de composición y en el que se minimizaba el efecto de masa sonora en pos de «estallidos de armonías» de gran refinamiento y tenían un estilo impresionista, influido por el tono de la música de Debussy y Ravel.

A lo largo de su carrera Evans se sintió atraído tanto por la moderna electrónica de los sintetizadores o por la música de Jimi Hendrix (colaboración truncada por la muerte del guitarrista), como por los ritmos brasileños o latinos o la música contemporánea europea, consiguiendo una de las más coherentes, creativas, coloristas y atractivas fusiones del jazz con músicas adyacentes. En los setenta, Evans se enrolará en la electrónica. Su primer disco en este campo, «Svengali», en 1973, generó revuelo en el mundo del jazz. Allí estaban David Sanborn, Jon Faddis y Lew Soloff, entre otros.

Editó “Gil Evans’ Orchestra Plays the Music of Jimi Hendrix”, en el que probablemente haya capturado como nadie la esencia de Jimi Hendrix. Se metió de lleno en la locura del guitarrista logrando entrelazarla perfectamente con la suya propia convirtiendo a su instrumento y la orquesta, en la guitarra de Hendrix. Aquí la música y el espíritu del guitarrista son los que se lucen con los arreglos y las sonoridades de la orquesta, que se olvida de su historia de banda de jazz para plasmar toda la psicodelia y colores de las composiciones.

También edita “There comes a time”, además de llegar a las tiendas otras muchas novedades extraídas de grabaciones en directo. Y es que por entonces había formado un conjunto (con estrellas como George Adams, Lew Soloff, Marvin “Hannibal” Peterson, Chris Unter, Howard Johnson, Pete Levin, Hiram Bullock, Hamiet Bluiett y Arthur Blythe), con el que actuaba regularmente en Nueva York.

Durante los años 80 Gil Evans solía actuar regularmente en el famoso club Sweet Basil de Nueva York con su «Monday Night Orchestra». Una noche Sting, aficionado de jazz, y que acababa de incorporar a su grupo de rock jovenes talentos del jazz como Brandford Marsalis y Kenny Kirkland, visitó el club y se unió al grupo para una jam session espontánea. La raíz en comun era la música de Jimi Hendrix que había arreglado para su orquesta en la mitad de los 70. Siempre incluía canciones de Jimi Hendrix en su programa. La hermosa balada «Little Wing» por ejemplo la grabó varias veces en distintas versiones según los diversos componentes de su banda. La misma canción «Little Wing» se incluyó en el exitoso disco «Nothing like the sun» (1987), producto de la colaboración entre Gil Evans y Sting. Éste, al presentar su concierto conjunto en Peruggia durante el pasado verano, dijo: «yo sólo soy unarock star, Gil Evans es un verdadero genio, esa es la diferencia».

Poco antes de su muerte grabó sendos dúos con Lee Konitz y Steve Lacy, y vuelve a encontrarse con Helen Merrill, en un trabajo póstumo de ambos. Murió en Cuernavaca (México) cuando tenía 75 años. Con su muerte se cerró un importante capítulo en la historia del jazz, la de los mágicos arreglistas capaces de hacer swingar, grandes masas orquestales con la fluidez y ligereza de una pluma. Gil Evans fue un genio irrepetible del jazz.

 

 

 

 

 

 

Un día como hoy, 19  de Marzo

Nacimientos

• 1873: Max Reger, compositor alemán.
• 1907: Elizabeth Maconchy, compositora inglesa (f. 1994).
• 1917: Dinu Lipatti, pianista y compositor rumano (f. 1950).
• 1919: Lennie Tristano, pianista estadounidense de jazz (f. 1978).
• 1941: Bruno Gelber, pianista argentino.
• 1946: Paul Atkinson, músico británico (The Zombies).
• 1946: Ruth Pointer, cantante estadounidense.
• 1950: Paul Elliott, tenor británico.
• 1953: Billy Sheehan, bajista estadounidense (Mr. Big).
• 1953: Ricky Wilson, músico estadounidense (The B-52’s).
• 1960: Eliane Elias, pianista brasileña.
• 1963: Gustavo Rowek, baterista argentino.
• 1964: Yōko Kanno, compositora, arreglista y vocalista de origen japonés.
• 1964: Cristina La Veneno, veddette, cantante y actriz española.
• 1969: Gary Jules, cantautor estadounidense.
• 1973: Bun B, rapero afroamericano.
• 1975: Brann Dailor, baterista estadounidense (Mastodon).
• 1975: Vivian Hsu, cantante, actriz y modelo taiwanesa.
• 1976: Zach Lind, músico estadounidense (Jimmy Eat World).
• 1980: Mikuni Shimokawa, cantante japonesa.
• 1983: Ana Rezende, directora de cine y guitarrista brasileña (Cansei de Ser Sexy).

Fallecimientos

• 1982: Randy Rhoads, guitarrista de heavy metal estadounidense.
• 1990: Andrew Wood, cantante estadounidense. (n. 1966).
• 1999: Juanita Reina, cantante de coplas y actriz española. (n. 1925).
• 2011: Argentino Luna, cantautor argentino (n. 1941).

 

Nace

Billy Sheehan

 

19 de marzo de 1953, Nueva York) es un bajista estadounidense, famoso por su trabajo con Mr. Big, Steve Vai, David Lee Roth, The Winery Dogs, Talas y Niacin. Sheehan ha sido elegido por los lectores de la revista Guitar Player como el «mejor bajista de rock»

 

 

 

 

 

 

 

 

Un día como hoy, 15  de Marzo

Nacimientos

• 1835: Eduard Strauss, compositor y maestro de capilla austriaco.
• 1838: Carl Davidoff, compositor y director ruso.
• 1908: Diego del Gastor, guitarrista español.
• 1916: Harry James, director de big band y trompetista estadounidense.
• 1940: Phil Lesh, músico estadounidense (Grateful Dead).
• 1941: Mike Love, músico estadounidense (The Beach Boys).
• 1947: Ry Cooder, guitarrista estadounidense.
• 1948: Montserrat Figueras, cantante española. (f. 2011).
• 1950: Ricardo Soulé, músico de rock argentino.
• 1955: Dee Snider, vocalista de la banda estadounidense Twisted Sister.
• 1960: Sergio Vargas, merenguero y político dominicano.
• 1960: Enrique Urquijo, músico español.
• 1963: Bret Michaels, cantante estadounidense (Poison).
• 1968: Sabrina Salerno, cantante italiana.
• 1969: Timo Kotipelto, vocalista de la banda finlandesa Stratovarius.
• 1972: Mark Hoppus, rockero, bajista y cantante de Blink-182 y Plus-44.
• 1975: Will.i.am, cantante estadounidense.
• 1977: Joe Hahn, músico estadounidense (Linkin Park).
• 1978: Sid Wilson, integrante de la banda Slipknot.
• 1981: Young Buck, rapero estadounidense.
• 1982: Malú, cantante española.

Fallecimientos

• 1842: Luigi Cherubini, músico y compositor italiano.
• 1929: Pinetop Smith, pianista estadounidense, compositor de blues.
• 1959: Lester Young, músico de jazz estadounidense.
• 1996: Wolfgang Koeppen, compositor alemán.
• 2011: Nate Dogg, cantante estadounidense. (n. 1969).

 

Nace

Diego Del Gastor

 

 

DIEGO  AMAYA FLORES, guitarrista gitano de un arte jamás conocido, de una gran afición que entusiasmaba con su toque a la guitarra, era conocido en el mundo de la guitarra con el nombre artístico de DIEGO DEL GASTOR, nació en Arríate (Málaga), el día 15 de Marzo del año de 1908 y murió en Morón de la Frontera (Sevilla), en el año de 1973. Vivió desde niño en El Gastor (Cádiz), hasta 1923, año que se avecindó en Morón de la Frontera, donde tuvo como maestros a su hermano Pepe y a José Naranjo Solís. Su trayectoria artística se desarrolló principalmente en reuniones de cabales, salvo esporádicas actuaciones en público y en programas de televisión, lo que no fue impedimento para que su fama llegara a ser universal, dadas las características personalísimas de su toque, con el que acompañó a grandes figuras del cante, pertenecientes a distintas generaciones

La guitarra flamenca orgullosa esta,
de haber tenido a un maestro
como a Diego el del Gastor,
que acariciaba sus cuerdas
adentrándolas en su corazón,
con tanto arte y sabiduría,
que para todos los aficionaos,
a sido el más grandes y perfecto,
que con su guitarra abrazada,
parecía que sus dedos lloraban
con verdadero arte y pasión.

Su arte ha suscitado poemas de José Bergamín y Alberto García Ulecia entre otros autores, así como glosas exaltativas de numerosos flamencólogos, entre las que seleccionamos los siguientes párrafos: Francisco Ayala: «El toque de Diego contiene más alma -más duende- que el toque de cualquier otro guitarrista flamenco hoy día. Diego no se adhiere a la corriente moderna de la velocidad y el lucimiento personal, admitidamente necesarios para aquellos que deben competir en el ambiente comercial del flamenco. Por el contrario, retiene tenazmente la sencillez de los tiempos pasados, antes de que la guitarra flamenca se convirtiera en un instrumento de virtuosismo, cuando todavía era fundamentalmente un medio genuino y primitivo de expresar lo hondo… Otras facetas que contribuyen a la grandeza del toque de Diego son su exquisito talento para acompañar el cante especialmente el cante gitano y el hecho de que mucho del material que toca es de su propia creación, el cual, en la actualidad, forma el núcleo de una auténtica escuela y estilo. Pero lo más importante de todo no es lo que toca, sino cómo lo toca. Diego posee el corazón y el talento de convertir, incluso la falseta más anodina, en una red que va tejiendo, hasta capturar la más pura expresión de un arte, que no es simplemente un aluvión de notas, sino una expresiva combinación de música y alma».  Juan J. García López: «En el Japón su estilo está pedagógicamente sistematizado en los conservatorios; en Nueva York existe una escuela de guitarra que estudia sus formas y modos artísticos. Esta escuela lleva su nombre. Por España e Ibero América el mensaje lo portan sus sobrinos, fieles traductores a la casa y al noble empeño de Diego: Un sello que no se vende». Fernando Quiñones: «Su clase guitarrrística correspondía a una personalidad humana, simultáneamente poderosa y delicada. Su toque, abundante en variaciones muy originales y flamencas. Con él pierde la guitarra una de sus mejores figuras». Julio Vélez: «Al final de sus actuaciones en público a las que Diego tenía tanto miedo, y tras los aplausos, no inclinaba la cabeza en señal de agradecimiento, sólo mostraba la guitarra, y con una mirada especial parecía recordarnos que sólo hacía lo que la guitarra le dijese que hiciera. En estos festivales, Diego era bien distinto a las reuniones de amigos. Lo que en éstas eran el valor y la entrega, en aquéllas eran el miedo y el respeto.

Diego no gustaba del aplauso y el ruido, sólo pertenecía al silencio, y al final, el ruido pudo más que él mismo. El silencio que alrededor de su persona quiso construir fue roto por comerciantes y vendedores de música. Cintas con grabaciones de Diego atravesaron las fronteras y fueron vendidas a precios desorbitantes. Mientras Estados Unidos podía oír el toque de su guitarra, en muchas comarcas españolas continuaba completamente ignorado. Mientras más contratos rechazaba, más venían. Mientras más se ocultaba, más buscado era» El mismo año de su muerte, 1973, la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera, le otorgó el Premio Nacional de Flamenco, correspondiente a la enseñanza y la maestría. Participó en la antología discográfica Archivo del cante flamenco, y el programa televisivo Rito y geografía del flamenco tiene por sintonía su guitarra.
Al morir, fue suspendido el tradicional festival El Gazpacho de Morón, y en 1974, en Morón de la Frontera se rotuló una calle con su nombre y tuvo lugar el 13 de julio, en los Jardines de la Alameda, la inauguración de un monumento a su memoria, consistente en un busto obra de Juan B. Britto, con la asistencia de las autoridades locales y la presencia de numerosos artistas, entre ellos Antonio Mairena. Fernanda y Bernarda de Utrera, Joselero, El Andorrano y Ansonini, gran cantidad de aficionados, miembros de tertulias y peñas flamencas y flamencólogos.

 

 

 

 

 

 

 

Un día como hoy,  08 de Marzo

Nacimientos

• 1560: Carlo Gesualdo, compositor italiano.
• 1714: Carl Philipp Emanuel Bach, músico y compositor alemán.
• 1857: Ruggiero Leoncavallo, compositor italiano.
• 1876: Franco Alfano, compositor y pianista italiano.
• 1892: Mississippi John Hurt, guitarrista y cantante de blues estadounidense.
• 1911: Alan Hovhaness, compositor estadounidense.
• 1915: Tapio Rautavaara, atleta, cantante y actor finlandés.
• 1927: Hugo Avendaño, barítono y actor mexicano (f. 1998).
• 1933: Luca Ronconi actor, director de teatro y de ópera italiano de origen tunecino.
• 1936: Gábor Szabó, guitarrista húngaro.
• 1939: Robert Tear, tenor británico (f. 2011).
• 1940: Johnny Ventura, merenguero dominicano («El Caballo Mayor»).
• 1941: Ramón Palito Ortega, cantante y político argentino.
• 1944: Pepe Romero, guitarrista español.
• 1945: Micky Dolenz, actor y músico estadounidense de The Monkees.
• 1947: Carole Bayer Sager, cantautora estadounidense.
• 1957: Clive Burr, baterista británico de Iron Maiden.
• 1958: Gary Numan, músico británico.
• 1973: Anneke van Giersbergen, cantante neerlandés de The Gathering.
• 1974: Carlos Baute, cantante venezolano.
• 1976: Gaz Coombes, músico británico de Supergrass.
• 1979: Tom Chaplin, cantante británico de Keane.
• 1979: Jasmine You, bajista japonés (Versailles) (f. 2009).
• 1985: Ewa Sonnet, cantante y modelo polaca de gran busto.

Fallecimientos

• 1869: Hector Berlioz, compositor francés.
• 1941: José Serrano, compositor español.
• 1957: Othmar Schoeck, director de orquesta y compositor suizo.
• 1961: Thomas Beecham, director de orquesta y músico británico.
• 1983: Chabuca Granda, compositora y cantante peruana (n. 1920).
• 1983: William Walton, compositor británico.
• 1988: Henryk Szeryng, violinista de origen polaco.
• 1993: Billy Eckstine, cantante estadounidense de jazz.
• 1995: Ingo Schwichtenberg, baterista alemán (Helloween).
• 2010: Salvador Cardenal, cantautor nicaragüense (n. 1960).
• 2011: Mike Starr, bajista estadounidense de Alice in Chains (n. 1966)

 

Nace

Pepe Romero

Málaga (España) en 1944. En aquel tiempo, después de la devastadora Guerra Civil
(1936 – 1939) y con Europa en plena Segunda Guerra Mundial, España estaba sumida en una
abismal estrechez económica. La supervivencia básica era el reto fundamental. A pesar de ello,
Celedonio Romero y su inestimable esposa, Angelita, inculcaron en sus hijos un amor por la
música que superaba la profunda miseria que les asediaba. Estas circunstancias, unidas a su
animadversión al régimen franquista, indujeron al matrimonio Romero a emigrar con sus tres
hijos, a comienzos de los años 50, a los Estados Unidos. Es en este pais donde se ha desarrollado
prácticamente toda su carrera, lo que no es obstáculo para que Pepe se sienta profundamente
español y malagueño.
Antes de eso, con apenas siete años de edad, Pepe tocó por primera vez en una sala de
conciertos: el Teatro Lope de Vega de Sevilla, y ahora, después de más de cincuenta y cinco años
de carrera, continúa entusiasmando al público de todos los países y continentes. Durante todo
este tiempo ha ofrecido miles de conciertos en todo el mundo, muchos de ellos con el
extraordinario Cuarteto Los Romero y muchos otros como solista. Ha actuado con prácticamente
todos los grandes directores y orquestas y tiene en su haber más de 60 grabaciones, entre ellas
una veintena con la Academy of St. Martin-in-the-Fields, con Iona Brown y Neville Marriner.
Pepe Romero ha estrenado obras de los más conocidos compositores de los siglos XX y XXI:
Joaquín Rodrigo, Federico Moreno Torroba, Lorenzo Palomo, el padre Francisco de Madina, Paul
Chihara, Enrique Diemecke, Ernesto Cordero y, por supuesto y lo que le resulta más emotivo, su
padre, Celedonio Romero. La mayoría de estas obras están dedicadas a él. Siempre le ha
entusiasmado la investigación musical y ha examinado archivos singulares para explorar obras
perdidas y sacarlas a la luz, de Fernando Sor (estreno mundial y primera grabación de Fantasía en
re menor), Mauro Giuliani (primera grabación del Concierto no. 2 en la Mayor, Concierto no.3 en fa
Mayor y Variaciones y Polonesa, Op 65), Francesco Molino (primera grabación de Concierto para
Guitarra en mi menor, Op. 56) Ferdinando Carulli (primera grabación de Concierto para Guitarra
en mi menor, Op. 140) Johann Kaspar Mertz, Luigi Boccherini (primera grabación de sus 8 quintetos
para guitarra) y otros.

En 1992 grabó un excepcional disco (incorporando la novedosa técnica laser) del Concierto de
Aranjuez con Neville Marriner y la Academy os St-Martin-in-the-Fields. También tuvo un papel
prominente en el documental “Sombras y Luz: Joaquín Rodrigo a los 90”, que recibió numerosas
alabanzas en todo el mundo (incluyendo las del Chicago International Film Festival, San
Francisco International Film Festival y los Emmy Awards).
En 2005 el Cuarteto Los Romero grabó el Concierto Vasco para 4 guitarras y orquesta de
Francisco de Madina (escrito especialmente para ellos) con la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa (País
Vasco, España) para el sello Claves (llamado Aita Madina). En una sublime grabación titulada The
Romeros: Generations salieron a la luz estrenos de Jorge Morel (como El Maestro, dedicada a
Celedonio) y del mismo Pepe, Recuerdos del Pasado. Ese mismo año grabó obras de recital con el
nombre Corazón Español, distribuida por CPA Hollywood Records Label. Poco después, ese mismo
sello publicó el disco Classic Romero, otro inestimable programa de recital. En el verano de 2008
Pepe grabó con la soprano española María Bayo, un CD con obras de Lorenzo Palomo; este disco
incluye los ciclos Mi jardín solitario (con textos de Celedonio Romero) y Madrigal y Cinco
Canciones Sefardies, que fue publicado en 2009 por el sello NAXOS junto con el Concierto de
Cienfuegos de Palomo, actuando el Cuarteto y con Rafael Frühbeck de Burgos dirigiendo a la
Orquesta Sinfónica Real de Sevilla. En 2009, para celebrar su 50º aniversario como intérprete,
salió a la venta un nuevo disco titulado Los Romeros: Celebration para Sony RCA Red. Entre sus
recientes grabaciones (noviembre 2011) está un disco de música navideña – Christmas with Los
Romeros y un recital de música española titulado Spanish Nights, en el que se incluye el primer
registro de Suite Madrileña No. 1, de Celedonio Romero, ambos para Deutsche Grammophon. En
noviembre 2012 Pepe Romero recibió una Nominación Latin Grammy por “Best Classical Album”
en relación con su grabación del Concierto Festivo de Ernesto Cordero. Como celebración de su
70º aniversario, DECCA emitió un set de 11 CDs. titulado “Pepe Romero Maestro de la Guitarra”.
Entre sus próximas grabaciones se incluye un CD titulado Aloha España que comprende
actuaciones de guitarra y ukelele junto a Daniel Ho. En octubre 2016 se ha publicado un DVD
grabado en directo del Concierto de Aranjuez, con su gran amigo y colaborador a lo largo de los
años, Rafael Frübeck de Burgos dirigiendo a la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa.
Entre las muchas aportaciones del Maestro Romero se incluyen: estrenos mundiales de las
obras de Rodrigo Concierto Andaluz (con el Cuarteto Romero), Concierto Madrigal, (con Ángel
Romero) y Concierto para una Fiesta (escrito para él). De Moreno Torroba, Diálogos entre
Guitarra y Orquesta (Pepe fue elegido personalmente por Moreno Torroba y Andrés Segovia para
la primera grabación de esta obra dedicada a Segovia, con
Concerto for Guitar and Orchestra whit Trumpet Obbligato de Paul Chihara con Neville Marriner
y la London Symphony. En Abril de 2014 Pepe Romero realizó el estreno alemán en el Berlin
Philharmonic de una nueva obra de Lorenzo Palomo, Fulgores, para violín, guitarra y orquesta.
Entre sus próximos proyectos se incluyen los estrenos de unos nuevos conciertos para guitarra
del maravilloso compositor italiano Massimo París y del eminente compositor español José Peris
Lacasa.
En los Estados Unidos ha actuado con las más importantes orquestas: Philadelphia, Cleveland,
Chicago, Houston, Detroit, Pittsburgh, Boston, San Francisco, Dallas, Nueva York y Los Ángeles;
así como con el Orpheus Chamber Ensemble y la Boston Pops. En Europa ha sido solista, entre
muchas otras orquestas, con la Academy of St-Martin-in-the-Fields, Filarmónica de Dresde,
Sinfónica de Londres, la Accademia Santa Cecilia di Roma, Filarmónica Monte Carlo, I Musici,
Solistas de Zagreb, Orquesta Nacional Húngara, Orquesta Nacional de España, Orquesta de la
Radio Televisión Española, Filarmónica de Hamburgo, Norddeutscher Rundfunk, Orquesta de la
Suisse Romande, Orquesta de Cámara de Lausana, la Nueva Orquesta de Cámara de Moscú,
American Sinfonietta y la Bournemouth Symphony Orchestra.
Además ha colaborado con directores tan distinguidos como Sir Neville Marriner, Rafael Frühbeck
de Burgos, Jesús López Cobos, Eugene Ormandy, Josep Pons, Arthur Fiedler, Lawrence Foster,
Enrique Jordá, André Kostelanetz, Leonard Slatkin, Philippe Entremont, Odón Alonso, Morton
Gould, Michael Palmer, Guillermo Figueroa, Michel Zearrott, Miguel Ángel Gómez Martínez, Pedro
Halffter y Christoph Eschenbach.

Pepe Romero ha sentido siempre, con su padre y hermanos, la idea de que el arte es algo que se
debe compartir y que ello supone una responsabilidad personal. Por ello ha estado implicado, como
profesor de guitarra, a la docencia en diferentes Universidades: California del Sur, California en San
Diego, Southern Methodist University y Universidad de San Diego. Cada verano acude al Celedonio
Romero Guitar Institute, que actualmente radica en la Universidad de Oklahoma City y allí, los
Romero, llevan a cabo un taller intensivo de guitarra, que incluye clases magistrales, lecciones
privadas, concierto de estudiantes y un gran concierto final en el que se presentan los estudiantes
junto a los Romero. Pepe ha dirigido clases magistrales en la Academia de Verano de Salzburgo, en
el Festival de Guitarra de Córdoba y en el Festival de Schleswig-Holstein. En 2004 fue declarado
Artista Distinguido en Residencia por la Escuela de Música Thornton de la Universidad California del
Sur. Su recientemente revisado método de guitarra “La Guitarra”, ha sido publicado en 2012 por
Tuscany Publications. Actualmente está finalizando un video de enseñanza que explica los
principios de la técnica de guitarra de Pepe Romero.
Está en posesión de doctorados Honoris Causa de música del Conservatorio de Música de San
Francisco y por la Universidad de Victoria en la Columbia Británica. En junio de 1996 recibió el
“Premio Andalucía de la Música”, que supone la más alta distinción otorgada por su patria chica por
su contribución a las artes. El Rey Juan Carlos I elevó al rango de Caballeros de la Orden de Isabel
la Católica a Pepe y a sus hermanos.
En 2001 apareció en PBS un documental biográfico titulado “Los Romero, la Familia Real de la
Guitarra”. Seguidamente a esa publicación, la televisión alemana produjo otro brillante
documental titulado “Los Romero, la Dinastía de la Guitarra”. En 2007 recibieron el Premio
Presidencial al Mérito por parte de la Academia de Grabaciones, productores de los Premios

 

 

 

 

 

 

Nace

Gary Numan

Gary Webb, alias Gary Numan, nació en Hammersmith, Inglaterra, el 8 de marzo de 1958. A los 18 años, tras una adolescencia más bien triste, Gary acariciaba el sueño de convertirise en líder de una banda. El sueño se hizo realidad cuando, en 1977, en pleno período punk, se convirtió en líder de los Lasers and The Ultimate Gang, banda de rock que pronto se transformó en Tubeway Army. El debut discográfico se produjo en 1978 con el single ‘That’s too band’, que, junto al siguiente ‘Bombers’, ofrecía una imagen musical del grupo muy acorde con las demás bandas punk del momento. Numan, insatisfecho con esta apariencia, decidió, bajo la influencia de bandas como Ultravox y la alemana Kraftwerk, dar un toque electrónico a la música de Tubeway Army, pero sus compañeros, a excepción del bajista Paul Gardiner, no se mostraron favorables al cambio. Los otros componentes de la banda decidieron hacer las maletas y emprender una nueva aventura con el nombre de Station Bombers. Numan (voz, guitarra, teclados), con la ayuda de Jess Lidyar (batería) y Paul Gardiner (bajo), mantuvo con vida a Tubeway Army, que grabaron en 1978 su primer álbum. El disco, importante documento de las experiencias de Numan en el terreno del tecnopop, establece las bases para un clamoroso éxito que llegó inesperadamente en 1979 con el álbum ‘Replicas’; escaló la cima de las listas, y el single ‘Are «friends» electric?’, en junio de 1979, alcanzó el número 1 de las listas de éxitos inglesas y se mantuvo en el puesto durante cuatro semanas. Gary disolvió Tubeway Army y prosiguió su carrera con su propio nombre, apoyado por una banda compuesta por su inseparable Paul Gardiner, Cedric Sharpley (batería), Chris Payne (sintetizador) y Billy Currie, de Ultravox (sintetizador). El niño prodigio del tecno-pop, caracterizado por una original imagen (cabellos clarísimos u oscurísimos, rostros blanquísimos y ojos y atuendos rigurosamente negros), regresó a los escenarios a finales de 1979, repitiendo el éxito obtenido con el trabajo anterior. El nuevo y afortunado disco, ‘The pleasure principle’ trepó rápidamente hasta el primer puesto de las listas de éxitos; entre tanto apareció el single ‘Cars’, seguido poco después por ‘Complex’ (número 6 en las listas británicas). En ‘The pleasure principle’, Numan había exagerado hábilmente los aspectos futuristas de su música, dando a cada tema un título compuesto de una sola palabra. Gary Numan se convirtió en un fenómeno considerable gracias sobre todo al enorme éxito entre un público constituido esencialmente por adolescentes. La crítica especializada, indirectamente humillada por el éxito de Numan, se mostró muy hostil. «El imparable ascenso de Numan», había admitido un periodista del Melody Maker, «podría ser una demostración de la irrelevancia de la prensa musical.» El año concluyó victoriosamente, con una gira mundial bautizada «The Touring Principle», que mostraba un espectáculo científico-fantástico que representaba un mundo dominado por las máquinas. Numan estaba acompañado por The Dramatis, o sea Ced Sharpley (balería), Chris Payne (sintetizadores), Russell Bell (guitarra, sintetizadores) y Dennis Haines (sintetizadores). Terminada la gira, Gary Numan grabó un nuevo álbum en estudio, ‘Telekon’ (1980), que le permitió catapultarse de nuevo a la cima de las listas inglesas. A pesar del éxito, se advertían los primeros signos de un inminente declive (los conciertos del «Teletour» no reunieron a mucha gente), y Numan programó una estratégica retirada de los escenarios. En mayo de 1981, al mismo tiempo que se editaba el doble álbum en directo ‘Living ornaments’ (los dos discos también se publicaron por separado, con los títulos de ‘Living ornaments ’79’ y ‘Living ornaments ’80’), ofreció tres conciertos triunfales en la Wembley Arena y anunció su retirada temporal de la escena. En septiembre de 1981 apareció ‘Dance’, fruto de su colaboración con el bajista de Japan, Mick Karn, y el batería de Queen, Roger Taylor. El álbum conquistó la tercera posición en las listas de éxitos inglesas, mientras que el single extraido de éste (‘She’s got claws’) no superó el sexto puesto. En este período de su carrera, Numan, paralelamente a su actividad discográfica, se dedicó a su hobby, la aviación, mejorando su calidad como piloto aéreo. Sus antiguos compañeros, por su parte, publicaron el álbum ‘For future reference’ (1981). En 1982 , Gary Numan realizó ‘I, assassin’, álbum decepcionante pero bien acogido por el público inglés (número 8 en las listas británicas). Al año siguiente, una aparente ráfaga de novedad pareció refrescar la música de Numan, que, para la realización del álbum ‘Warriors’ (1983), contó con la ayuda de colaboradores ilustres como el ex guitarrista de Be Bop Deluxe, Bill Nelson, y el famoso saxofonista de jazz Dick Morrissey. Después emprendió una gira promocional que señaló su retorno a los escenarios tras casi dos años de ausencia. En 1984 fundó una compañía discográfica propia, Numan Records, con la cual editó el álbum ‘Berserker’ (1984), así como sus sucesivas realizaciones. Músico obstinado y fantasioso, Gary Numan ha continuado en activo durante todo el decenio, pero su fama está ligada a sus primeros trabajos como pionero del pop sintético.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un día como hoy,  06 de Marzo

Nacimientos

• 1904: Joseph Schmidt, tenor rumano.
• 1925: Wes Montgomery, guitarrista de jazz estadounidense.
• 1930: Lorin Maazel, director de orquesta franco-estadounidense.
• 1939: Canelita Medina, cantante venezolana.
• 1944: Kiri Te Kanawa, soprano neozelandesa.
• 1946: David Gilmour, músico británico de Pink Floyd.
• 1944: Mary Wilson, cantante estadounidense de The Supremes.
• 1960: Walter Giardino, guitarrista argentino de Rata Blanca.
• 1964: Madonna Wayne Gacy, músico estadounidense.
• 1968: Michael Romeo, guitarrista estadounidense de Symphony X.
• 1970: Chris Broderick, guitarrista estadounidense de Megadeth.
• 1973: Peter Lindgren, guitarrista sueco de Opeth.
• 1975: Aracely Arámbula, actriz y cantante mexicana.
• 1977: Ernesto D’Alessio, actor y cantante mexicano.
• 1979: Klovis Herboso, cantante boliviano.

Fallecimientos

• 1967: Zoltán Kodály, compositor húngaro.
• 1983: Cathy Berberian, cantautora estadounidense.

Nace

Wes Montgomery

Indianápolis, 6 de marzo de 1925 – Indianápolis, 15 de junio de 1968) fue un guitarrista estadounidense de jazz centrado estilísticamente en el hard bop, aunque con varias aproximaciones al soul y al pop. Está considerado como uno de los sucesores más cualificados de Charlie Christian.

Biografía:

Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943 y ya en 1948 y durante dos años realizó una gira acompañando a Lionel Hampton.

Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro, trabajando de día ajeno al mundo de la música y tocando por las noches en clubes.

Entre 1957 y 1959 realizó algunas grabaciones con sus hermanos el vibrafonista Buddy el bajo eléctrico Monk, y en 1959 realizó su primer disco para la compañía Riverside, formando parte de un trío en el que estaba el organista Melvin Rhyne.

La realización de su disco de 1960 The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery lo llevó a la fama dentro del mundo del jazz. Tocó luego con el John Coltrane Sextet (en el que estaba también Eric Dolphy).

Estos discos realizados para Riverside, entre 1959 y 1963, son sus trabajos más espontáneos, formando parte de grupos pequeños y acompañado de músicos como Tommy Flanagan, James Clay, Victor Feldman, Hank Jones, Johnny Griffin, y Mel Rhyne.

 

 

 

 

Al desaparecer Riverside, Montgomery fichó por Verve, 1964-1966, para quien grabó varios discos orquestales con el arreglista Don Sebesky y el productor Creed Taylor, en los que realiza distintas aproximaciones al pop y soul. Trabajó con el Wynton Kelly Trio y Jimmy Smith.

En 1967 Wes firmó con Creed Taylor para A&M y en dos años grabó tres discos muy exitosos casi enteramente de pop.

Repetinamente, murió por un ataque al corazón.

 

Nace

David Gilmour

CBE ( Reino Unido, 6 de marzo de 1946) es un músico británico conocido por ser el vocalista, guitarrista, multi-instrumentalista y compositor principal junto a Roger Waters de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd tras el abandono de Syd Barrett. Junto con su trabajo en esta banda, Gilmour ha colaborado en otras publicaciones como productor y ha estado envuelto activamente en ONG a lo largo de su carrera. En el año 2003 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico. En el último listado de los 100 mejores guitarristas, por la revista Rolling Stone, está posicionado en el decimocuarto lugar (entre Albert King y Freddy King).

Biografía

David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, hijo de un zoólogo profesor en la Universidad de Cambridge y de una profesora y editora de cine. Acudió a la escuela Perse en Cambridge, situada al lado del instituto en el que cursaba sus estudios Syd Barrett, de quien se hizo amigo. David y Syd solían juntarse a tocar la guitarra, y David le enseñaba a tocar canciones de los Rolling Stones. En 1963 formó la banda Joker’s Wild, con algo de popularidad localmente, que abandonó en 1966 para viajar por España y Francia con unos amigos. La mala situación en la que vivía, llegando incluso a ser tratado en un hospital por malnutrición y tomar empleos casuales como modelo, hizo que regresase a Inglaterra en 1967.

Carrera con Pink Floyd

Gilmour entró en Pink Floyd en enero de 1968, convirtiendo a la banda en un quinteto durante un corto período. En esos momentos, su trabajo consistía en sustituir a Syd Barrett cuando éste no podía continuar con los conciertos. Cuando Barrett dejó el grupo, Gilmour se convirtió en el guitarrista y en uno de los vocalistas (junto con Roger Waters y Richard Wright) del grupo. Después de la publicación de The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, Waters se hizo con el control de la banda, componiendo la mayoría de las canciones de Animals y The Wall. Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

En 1985, Roger Waters anuncia a través de un comunicado, que abandonaba la banda, y manifestaba que Pink Floyd dejó de ser una fuerza creativa viable, y de esta manera asumiendo que la banda (sin él) había llegado a su fin. No obstante Gilmour y Nick Mason publicaron un comunicado en el cual anunciaban la salida oficial de Waters y que los dos músicos pensaban continuar sin él. A partir de este anuncio, comenzó una gran batalla legal en torno al uso del nombre de la banda. Gilmour y Mason pensaron en sumar a Wright al regreso de Pink Floyd, lo cual ayudaría en la puja por el uso del nombre. La condición sería que Wright contribuiría en los shows en vivo tocando teclados, pero recibiría la paga de un músico de sesión y su nombre aparecería en los créditos del disco de retorno (A Momentary Lapse of Reason).De esta forma, el trío logra ganar la batalla legal y quedarse con el uso exclusivo del nombre, pero Waters recibiría un canon fijo por show de Pink Floyd en los cuales se hiciera alusión a ideas de Waters, como los cerdos inflables, el helicóptero, el avión incendiado, etc.

Gilmour, de este modo, asumió el control casi total de la banda, y compuso A Momentary Lapse of Reason con algunas contribuciones de Mason y escasas de Wright. De hecho, en los primeros shows de presentación del disco, ni Mason ni Wright tocaron, ya que no se encontraban en condiciones de tocar en vivo por el largo tiempo sin tocar que llevaban. Respecto de esto, Gilmour dijo que la gira de A Momentary Lapse of Reason realmente trajo a sus amigos «de vuelta a la vida» (nótese lo similar de la expresión al tema «Coming back to life» del posterior disco The Division Bell).

«Tenía numerosos problemas con la dirección de la banda en el pasado reciente, antes de que Roger se fuese. Yo pensaba que las canciones tenían muchas palabras, porque su significado específico era muy importante, y la música se convertía en un mero vehículo para las letras, no inspiraba. Dark Side of the Moon y Wish You Were Here fueron muy exitosos no sólo por las contribuciones de Roger, sino también porque había un mejor equilibrio entre la música y las letras como lo hay en los álbumes más recientes. Eso es lo que estoy intentando hacer con A Momentary Lapse of Reason, más enfoque en las letras, restaurando el equilibrio».

 

 

 

 

 

 

 

En 1994, y luego de una de las giras más exitosas comercialmente en la historia de la música, el trío de vuelve a reunir en los estudios para componer y publicar The Division Bell, en el cual tanto Mason como Wright y obviamente el mismo David, tocarían todas sus partes, y Wright colaboraría con el aporte de un tema. La respectiva gira fue capturada en CD y DVD bajo el nombre P•U•L•S•E, en la cual repasarían gran parte del repertorio de Floyd.

En 1986, Gilmour adquirió la casa flotante Astoria, en el río Támesis y la transformó en un estudio de grabación. La mayor parte de los últimos álbumes de Pink Floyd, así como el disco en solitario de Gilmour, On An Island, fueron grabados allí.

El 2 de julio de 2005, Gilmour tocó con Pink Floyd (incluyendo a Waters) en el Live 8. La actuación incrementó temporalmente en un 1.343% las ventas del disco Echoes: The Best of Pink Floyd. Como resultado, Gilmour donó todos sus beneficios del concierto a organizaciones de caridad y organizaciones no gubernamentales.

El 3 de febrero de 2006, en una entrevista al diario italiano La Repubblica, anunció que era muy improbable que Pink Floyd se reuniesen para hacer giras y escribir material nuevo. «Creo que lo suficiente es lo suficiente. Tengo 60 años. No tengo la oportunidad de trabajar mucho más. Pink Floyd fue una parte importante de mi vida, me lo pasé maravillosamente, pero se acabó. Para mí es mucho menos complicado trabajar solo».

En diciembre de 2006, Gilmour publicó un tributo a Syd Barrett, que había muerto en julio de aquel año, que consistía en su propia versión del primer single de Pink Floyd, «Arnold Layne». Fue grabado en directo en el Royal Albert Hall de Londres, y contiene además las versiones de algunas de las canciones de Pink Floyd interpretadas por el teclista de la banda, Richard Wright, y por el invitado especial David Bowie. El single entró en el puesto 19 de la lista UK Top 75, y se mantuvo ahí durante tres semanas.

Otros proyectos

Entre sus compromisos con Pink Floyd, David Gilmour ha trabajado también como guitarrista de sesión para importantes músicos de los 80, como productor discográfico o ingeniero de sonido para Syd Barrett, Kate Bush, Grace Jones, Tom Jones, Elton John, B.B. King, Paul McCartney, Sam Brown, Jools Holland, Bob Dylan, Pete Townshend, The Who, Supertramp, Levon Helm, Robbie Robertson, Alan Parsons y varios grupos de caridad, entre otros.

También grabó tres álbumes en solitario, de los cuales David Gilmour (1978) y About Face (1984) llegaron al top 40 en los EE. UU. y consiguieron el disco de oro. Más recientemente, Gilmour publicó su tercer álbum, On An Island (6 de marzo de 2006, el día de su 60.º cumpleaños), que debutó en el primer puesto en el Reino Unido, en el quinto en Suecia y Alemania y en el sexto en EE. UU., además de conseguir el disco de platino en Canadá. En este álbum aparecen colaboraciones de artistas como Robert Wyatt, David Crosby, Graham Nash, Phil Manzanera o Richard Wright, entre otros.

 

 

 

 

 

Gilmour realizó una gira por Europa, EE. UU. y Canadá para promocionar este disco, que se extendió desde el 10 de marzo hasta el 31 de mayo de 2006, y también entre julio y agosto de ese mismo año. En esta gira se grabó un DVD doble titulado Remember That Night – Live At The Royal Albert Hall, que fue publicado el 17 de septiembre de 2007, que además contiene un documental sobre la gira y apariciones de David Bowie y Robert Wyatt. Gilmour publicó otra actuación en vivo, que tuvo lugar el 26 de agosto de 2006 en Gdansk, Polonia ante más de 100 000 personas.Este trabajo, llamado Live in Gdansk incluye en sendas ediciones CD del concierto en directo y un DVD con la grabación del mismo.

Estilo musical

Aunque Gilmour es básicamente conocido por su trabajo como guitarrista, también es un competente multi-instrumentalista, puesto que toca el bajo, los teclados, la batería, la armónica y el saxofón.

Su estilo de ejecución de la guitarra se puede resumir en dos grandes características: por un lado, sus emotivas ejecuciones, y lo complejo de su equipamiento.

En cuanto a la ejecución en sí, Gilmour se caracteriza por lograr muy emotivos solos a partir de escalas. En sus solos puede apreciarse el uso casi exclusivo de la escala pentatónica con las blue’s notes, en combinación con escalas mayores (ver como ejemplo, Coming back to life, Another Brick in the Wall parte II, Sorrow, etc.). Gilmour también gusta de improvisar sus solos muy a menudo, apartándose de las grabaciones. Gilmour tiene fraseos muy característicos, que además de su singular sonido, lo apartan del resto de los guitarristas. También se caracteriza por la no rapidez de sus solos y por el uso exhaustivo de Bends. Gilmour utiliza mucho la palanca de trémolo de su guitarra, lo cual permite darle más vida y color a sus impresionantes string bendings(estiramientos de cuerdas).

Respecto de su equipamiento, Gilmour utiliza una gran cantidad de efectos de sonido, el cual puede resumirse en una perfecta mezcla de la tecnología clásica con la moderna. Siguiendo los discos de Pink Floyd, la técnica como el set de efectos de Gilmour se va mejorando y en cierta medida, expandiendo. A modo de resumen, puede caracterizarse los distintos set de efectos de Gilmour en 4 grandes períodos:

 

• Hasta Dark Side of the Moon, Gilmour utilizaba un set bastante sencillo, que constaba de un wah-wah Vox, un boosterColorsound, un Dallas Arbiter Fuzz-face y un delay a cinta Binson Echorec, todo ello a través de sus típicos amplificadores Hiwatt DR103 con cabinetes WEM 4X12, de los cuales ya no se despojaría. Aquí incursiona con el pedal Uni-vibe, típico de la canción «Breathe».
• Ya en Wish You Were Here su sonido comienza a complicarse, con el añadido de los pedales phasers de MXR. En el disco Animals este sonido es llevado al extremo con el pedal Phase100 de MXR. Aquí hace incursión del que seria su pedal insiginia, que todavía utiliza: el Big Muff V2 «Ram´s Head» de Electro-Harmonix. Pedal que popularizó y que se le relaciona directamente a Gilmour.
• En la gira de Animals terminaría de complicarse su sonido de fines de los setenta, con el añadido del mencionado Big Muff en reemplazo del Fuzz-face y el también célebre Electric-Mistress de Electro-Harmonix. Gilmour explota al máximo el uso de los compresores como el Dynacomp de MXR. Tampoco se despoja del Booster Colorsound, el cual utilizaría como overdrive también. Este fue el sonido típico de The Wall, de The Final Cut y del primer y segundo disco solista de Gilmour.
• Tras un período de experimentación y renovación, la cual puede apreciarse en el disco A Momentary Lapse of Reason, Gilmour comienza a reeemplazar sus viejos pedales por los modernos pedales Boss, así deja el Colorsound para utilizar el Superoverdrive de Boss, los delays digitales, suma el compresor CS-3 de Boss, cambia los flangers por los Chorus, utiliza el HM-2 de Boss, dándole un uso similar al Big-Muff, el cual conservaría. El set de Gilmour comienza a tomar dimensiones gigantes y su sonido alcanza su máxima calidad en el disco Delicate sound of thunder y P•U•L•S•E, en gran parte gracias a su ingeniero de sonido Phil Taylor.

 

Actualmente, Gilmour ha optado por volver a utilizar sus efectos clásicos y dejar de lado el equipamiento tan sofisticado que ha desarrollado hasta fines de los 90.

Respecto de su afinidad por los efectos de pedal, Gilmour ha manifestado ser «un guitarrista limitado técnicamente, por lo cual los efectos ayudaron a darle a su sonido una mayor complejidad».

Al comienzo de su carrera con Pink Floyd, Gilmour tocó con multitud de guitarras de marca Fender, aunque uno de sus solos más populares («Another Brick in the Wall Part 2») fue grabado con una Gibson Les Paul Goltop equipada con pastillas P-90 y puente Bigsby. Gilmour posee una gran colección de guitarras, la cual incluye una gran variedad de guitarras Grestch, Gibson acústicas, Taylor, Martin, y diversas Stratocaster de Fender, entre ellas la célebre Stratocaster con el número de serie 0001.

 

Un buen ejemplo del enfoque guitarrístico de Gilmour se puede encontrar en su solo clásico de «Another brick in The Wall part II». Manteniéndose principalmente dentro de la escala pentatónica menor de re D (D, F, G, A, C) Gilmour cautiva al oyente con inquietantes estiramientos de blues, barridos de cuerda dramáticos y paradas dobles (combinaciones de dos notas) Se da tiempo a sí mismo en todo el solo y hace uso deliberado del silencio y la repetición melódica. Particularmente convincente es la forma en que Gilmour adorna sus frases con una voz natural, como el vibrato.»Se estira una nota, se mantiene y luego se agita» Explica Gilmour «Es como lo hacen los cantantes de formación clásica, mantienen una nota durante un par de segundos, a continuación, añaden un vibrato. Siempre he disfrutado a los guitarristas que hacen esto bien»Una gran cantidad de guitarristas jóvenes de hoy tienen vibratos horribles. Son demasiadamente y ridículamente amplios o demasiado rápidos y suenan nerviosos. Alguien una vez describió el vibrato de Eric Clapton como «culto» este tipo de vibrato siempre me ha gustado. “Nunca lo he analizado o practicado conscientemente. Sólo hay una manera en que se siente bien para mí y una manera que se siente mal”

En 1996, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Pink Floyd. En agosto de 2006, su solo en «Comfortably Numb» fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor solo de guitarra de la historia jamás grabado.

Vida personal

David Gilmour contrajo matrimonio en 1975 con la modelo Virginia «Ginger» Hasenbein. De esta unión nacieron cuatro hijos , Alice (nacido en 1976), Clare (nacido en 1979), Sara (nacido en 1983), y Mateo (n. 1986). Los niños originalmente asistieron a una Escuela Waldorf, pero Gilmour llamó su educación allí «horrible». En 1994, se casó con la periodista Polly Samson, la pareja tiene cuatro hijos, Charlie (hijo de Samson con Heathcote Williams a quien Gilmour ha adoptado), Joe, Gabriel y Romaní.David ha trabajado también con varias ONG, entre las que se encuentran Oxfam, Crisis, la Asociación Europea de Salud y Enfermedad Mental, Greenpeace y Amnistía Internacional.

Además de su talento para la música, Gilmour ha desarrollado también su pasión por la aviación, llegando a fundar su propia compañía aérea, Intrepid Aviation, que acabó vendiendo.

 

Nace

 Walter Giardino

Walter Giardino nació el 6 de Marzo de 1960 en Buenos Aires. A los 10 años su familia le regaló una guitarra y dos años más tarde ya estaba formando su primera banda con compañeros del colegio religioso al cual asistía. Luego participó en pequeñas bandas de barrio que hacían covers de temas de Creedence, Deep Purple y Black Sabbath.
A los 19 años, durante el período del Servicio Militar Obligatorio, formó una banda llamada Ensamble. No fue hasta 1981 que Giardino armó junto al baterista Gustavo Andino y al bajista Roberto Cossedu (Kamikaze), un trío de hard rock llamado Punto Rojo, del cual también era el vocalista. La banda se destacó bastante dentro del ambiente under, pero nunca llegó a grabar un disco.
Walter fue convocado por Ricardo Iorio, para que se sumara a las filas de V8, ofrecimiento que en principio fue rechazado, dados los diferentes criterios musicales existentes entre ambos músicos; finalmente Iorio convenció a Giardino para que sea la primera guitarra de la agrupación.
Luego de ocho meses de ensayos y sólo cuatro shows, le pidieron a Walter que se aleje, en parte por componer temas que no eran del agrado de Ricardo. Luego, serían los primeros éxitos de Rata.
Tras la expulsión, el guitarrista decidió abandonar el país, dado que el panorama local en materia de rock pesado estaba muerto. Su idea era irse a Inglaterra, y como carta de presentación primero iba a grabar un demo que enviaría a los estudios Abbey Road. Se grabaron un total de cuatro temas compuestos durante el paso de Giardino por V8. El resultado fue tan bueno que convenció al músico de intentar suerte una vez más en la Argentina, dando origen formal a Rata Blanca. En su primer disco incluyó tres de los temas que formaron parte del demo.

 

 

 

 

 

 

 

 

Esta vez iba a tomarse el tiempo necesario para conseguir el sonido que buscaba. Así fue que estuvo dos años ensayando con la nueva banda antes de hacer su primera presentación. Los músicos tenían claro que no querían al público tradicional del género, que había ensuciado al heavy provocando desmanes en todos los shows que se hacían. Por esto, entre los asistentes al teatro Luz y Fuerza, en la primera presentación de Rata Blanca, se repartieron panfletos incitando a disfrutar del concierto sin violencia.
Luego del show inicial vinieron diez años junto a la banda, en los que el músico conoció la gloria y el olvido. El pico de mayor popularidad lo alcanzó en 1991, cuando se realizó un concierto en el estadio de Vélez ante unas 30.000 personas. Dos años más tarde la prensa había dejado de hablar de ellos, a pesar de que en el exterior cosechaban grandes triunfos. Nunca más volvieron a tener presencia en la Argentina, debido, en parte, a la falta de difusión que sufrieron y a los cambios de vocalista.
A mediados de 1998 Walter Giardino decidió disolver Rata Blanca.
Inmediatamente comenzó con su proyecto solista, Temple. Para ello convocó a dos músicos de gran experiencia, Norberto Rodríguez (ex-Vago) en la voz y Martín Carrizo (ex-A.N.I.M.A.L.) en la batería.
En Septiembre de 1998 grabaron su primer disco, llamado simplemente «Temple», e inmediatamente hicieron el videoclip del tema «Corte Porteño». Debutaron en Diciembre en el teatro Maipo. Al poco tiempo se produjo el alejamiento de Martín Carrizo, quien fue reemplazado por Fernando Scarcella (Luis Salinas, Logos). El tema «La danza del fuego» también formó parte de un disco que reunió a los más reconocidos guitarristas del país, titulado «Guitarras Argentinas: Placer, odio y sentimiento». Al cumplirse un año de vida, los músicos de la banda desertaron para formar Quemar. Giardino alegó que se iban porque no podían tocar a la misma velocidad que él. Solo Fernando Scarcella siguió vinculado a Temple.
Finalmente, luego de un año de no tocar en público, Giardino anunció en Agosto de 2000 que volvía a las tablas, pero esta vez junto a Adrián Barilari en carácter de cantante invitado. Los rumores sobre la vuelta de Rata Blanca se hacían cada vez más fuertes.
Walter nació y se crió en Parque de los Patricios y el Bajo Flores (ambos, barrios de la Capital Federal). Luego vivió en Laferrere un tiempo y en San Miguel.
Fue elegido por el público como el Guitarrista Argentino Nº1 por varios años consecutivos y sigue peleando este puesto año tras año.
Así resurgió Rata Blanca, con Walter Giardino a la cabeza y al mando de la guitarra, Adrián Barilari en la voz, Fernando Scarcella en batería, Guillermo Sánchez en bajo y Danilo Moschen en teclados, en reemplazo de Hugo Bistolfi.
En Agosto de 2011 se presentó un video game para PC, imitación del «Guitar Hero» de PlayStation, llamado «El rock de tu vida». Walter Giardino fue convocado para tocar «La leyenda del hada y el mago», una de las canciones más complicadas a las que tendrá que enfrentarse el aspirante a guitarrista.
El 21 de Marzo de 2012, Giardino participa como invitado en el show que Zucchero brindó en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, interpretando «Il mare», tema tocado en su momento por Brian May, guitarrista de Queen.

 

Nace

  Michael Romeo

Nacido el 3 de junio de 1968, es el guitarrista y miembro fundador de la banda de metal progresivo Symphony X.

Michael Romeo

Symphony X es una agrupación musical de metal progresivo/sinfónico estadounidense fundada en 1994 por el guitarrista Michael Romeo, aunque sus estilos varían desde lo clásico hasta baladas. Más específicamente, la banda podría definirse como «metal progresivo neoclásico». Si bien la banda contiene una fuerte base progresiva, es también representante del power metal, y se ve por algunos fans del progresivo y el power como la mejor fusión hasta la fecha y como un grupo que representa ambos estilos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Symphony X

Michael empezó a tocar guitarra desde joven, con 14 años pero hasta los 18 años no se aplicó con el esmero que un guitarrista de nivel avanzado requeriría, tomando como principales influencias a Steve Vai, Al Di Meola, J. S. Bach, John Williams y Frank Zappa, aunque trazó una inclinación más fuerte hacia el estilo neoclásico pesado de Yngwie Malmsteen. A pesar de esto, Michael mantiene un estilo propio que lo hace distinguir del resto de guitarristas del género al fusionar exóticas escalas y arpegios, ritmos poco comunes y un duro estilo neoclásico.
Además, es un excelente compositor, lo que marca la diferencia entre él y muchos otros guitarristas. Todos estos factores hacen que mucha gente lo considere uno de los mejores del mundo.

A la edad de 19 años fué uno de los finalistas de la nacionalmente conocida competición de «Sam Ash Music Store», se aplicó tarde y aún así ganó dicho concurso en menos de un año .

Sus habilidades y composiciones fueron famosas en revistas como Guitar World, Guitarist Network, Metal Brigade y Burrn!

Aunque haya recibido una gran cobertura en algunas revistas relacionadas con el mundo de la guitarra, él es más conocido por su rol como guitarrista principal de la banda de metal progresivo Symphony X, la cual fundó en 1994 después de la petición de un sello japonés quienes quedaron impresionados por su cinta demo, The Dark Chapter.

Influencias
A continuación añado a sus influencias, destacadas en distintos lugares de la web, hay personajes virtuosos de la guitarra como Steve Vai hasta el famosisimo organista y compositor alemán de música del Barroco Johann Sebastian Bach.

 

Nace

Chris Broderick

hris Broderick (Lakewood, Colorado, 6 de Março de 1970) é o guitarrista solo da banda de thrash metal, Megadeth e ex-guitarrista da banda Nevermore. Chris entrou no Megadeth em 2008, quando Glen Drover saiu da banda para se concentrar em sua família.

Chris começou a tocar guitarra com 11 anos. Segundo ele, praticava no verão, quando adolescente, guitarra por cinco horas, violão por cinco horas, piano por duas horas e violino por duas horas, dando um total de 14 horas por dia. Seus estilos de música vão de música clássica até heavy metal. Chris também ensina guitarra na internet.

Discografia

www.chrisbroderick.com

Nacimientos

• 1668: Francesco Gasparini, músico italiano.
• 1887: Heitor Villa-Lobos, compositor brasileño.
• 1929: J. B. Lenoir, cantante y guitarrista.
• 1939: Carlos Di Fulvio, cantor, guitarrista y compositor argentino.
• 1944: Lucio Battisti, cantautor y poeta italiano.
• 1946: Richard Bell, músico canadiense (The Band).
• 1948: Eddy Grant, cantante guyanés.
• 1948: Elaine Paige, cantante y actriz de obras musicales inglesa.
• 1948: Jesús de la Rosa Luque, músico español (Triana).
• 1952: Alan Clark, teclista británico (Dire Straits).
• 1956: Teena Marie, cantante estadounidense (f. 2010).
• 1958: Andy Gibb, cantante inglés (Bee Gees) (f. 1988).
• 1960: David Tibet, músico inglés (Current 93).
• 1970: John Frusciante, músico, compositor y productor estadounidense.
• 1972: Luca Turilli, guitarrista italiano (Rhapsody of Fire).
• 1973: Olve Eikemo, «Abbath», compositor, cantante y guitarrista noruego (I e Immortal).

Fallecimientos

• 1947: Alfredo Casella, compositor italiano.
• 1953: Sergéi Prokófiev, compositor ruso.
• 1963: Patsy Cline, cantante de música country estadounidense (n. 1932).
• 1984: Tito Gobbi, barítono italiano (n. 1915).
• 1993: Carlos Montoya, guitarrista español (n. 1903).
• 2004: Claude Nougaro, cantante francés (n. 1929).
• 2012: Robert Bernard Sherman, compositor de la banda sonora de ‘Mary Poppins’.

Nace

John Anthony Frusciante

Guitarrista, cantante, compositor y productor nacido el 5 de marzo de 1970 en Nueva York (USA).
Es conocido por su carrera con los Red Hot Chili Peppers, pero también por su carrera como solista, de lo que hablaré más adelante.

Comenzó a tocar la guitarra a los 7 años, pero lo dejó porque no podía tocar como sus ídolos. Pero dos años después descubrió el punk rock, y cogió otra vez la guitarra. Comenzó escuchando a The Germs, y pronto se aprendió todas las canciones de su álbum, además del «Nevermind the Bollocks» de los Sex Pistols y así demostrar a su padre que lo que quería realmente era dedicarse a la guitarra.

A los 11 años comenzó a recibir clases de guitarra y descubrió a guitarristas como Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck y Frank Zappa, y llegaba a tocar sus temas hasta quince horas al día.

A los 16 años dejó el instituto para dedicarse por completo a la música. Dejó la casa de sus padres y se mudó a Los Ángeles.

– Red Hot Chili Peppers:

Ese mismo año vio por primera vez en directo a una banda llamada Red Hot Chili Peppers y se convirtió en su fan número uno, aprendiéndose las partes de bajo y de la guitarra de su idolatrado Hillel Slovak -guitarrista de la banda- de los tres primeros discos.

Frusciante se hizo amigo de Hillel Slovak después de frecuentar muchos de sus conciertos.
También se hizo amigo de D.H. Peligro -posterior batería de la banda- , quien le invitó a él y a su amigo Flea -bajista de Red Hot Chili Peppers- para improvisar una tarde juntos. Flea y Frusciante contactaron perfectamente.

Hillel Slovak fue encontrado muerto el 27 de Junio de 1998, después de una sobredosis de heroína, y el batería de Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, dejó la banda al no ser capaz de asimilar la muerte de su amigo. También John Frusciante (26 años) cayó muy afectado por la muerte de Slovak.
Entonces los miembros restantes de RHCP, Anthony Kiedis -vocalista- y Flea -bajista- decidieron continuar con su carrera y contrataron a D.H. Peligro como batería y a DeWayne «Blackbyrd» McKnight como guitarrista. Pero McKnight no convenció a Kiedis y Flea, y decidieron buscarle un sustituto.

Flea recordó su improvisación con John Frusciante, y rápidamente decidieron someterle a una audición. Antes, Frusciante se metió en las audiciones para Frank Zappa, pero rechazó la idea al ver que no admitían gente que tomara drogas.
RHCP aceptó a Frusciante para unirse a la banda, ya que Kiedis y Flea decían que se movía y tocaba como Hillel Slovak por el escenario.

Con Frusciante, RHCP lanzaron sus «Mother’s Milk» (1989) y «Blood Sugar Sex Magic» (1991). Durante estos años, Frusciante ya daba signos de su adicción a la marihuana, fumando grandes cantidades de ésta.

El repentino éxito de la banda después de lanzar «Blood Sugar Sex Magic» incomodaba a Frusciante, que acabó dejando la banda en 1992, en medio de la gira de promoción de su Cd.

– Etapa de transición (Adicción a las drogas, rehabilitación y vuelta al estudio):

John se convirtió en adicto a la heroína después de dejar la banda. Regresó a su casa en California, cayendo en una profunda depresión. Continuó escribiendo música, produciando cuatro canciones grabadas durante las sesiones de «Blood Sugar Sex Magic», y lanzó dos albumes en solitario durante esos años:
«Niandra La Des and usually just a T-shirt», su album de debut (1994) y le siguió «Smile from the street you hold» (1997), que fue retirado del mercado por Frusciante por su inconformidad con él.
Pero su adicción continuaba junto con su música, hasta que al final dejó de escribir y tocar música. Se centró en pintar y en escribir poemas e historias. Además, su casa fue destruida por un incendio que quemó toda su colección de guitarras e hirió a Frusciante después de escapar. Finalmente tuvo que recurrir a un hospital para tratar de limpiarse por completo. Sus brazos estaban marcados por inyectarse mal cocaína y heroína, dejando huellas permanentes. También perdió su dentadura, que quedó completamente podrida por esta grave adicción.

Durante el tiempo que John estuvo fuera de la banda, Flea y John mantuvieron el contacto, pero John nunca habló con Anthony (Según una entrevista a Frusciante, «sólo me lo crucé en una fiesta donde ambos estaban colocados y nos saludamos de pasada»). Anthony estaba furioso con el, y además aterrorizado porque John podría acabar de la misma manera que Hillel. RHCP contrataron al exguitarrista de Jane’s Addiction,Dave Navarro, y con él grabaron su trabajo titulado «One Hot Minute» (1995). Pero Navarro dejó la banda por diferencias creativas. Anthony visitó a John cuando este se estaba rehabilitando en el hospital y comenzó su amistad de nuevo.

 

 

 

 

 

 

 

 

Anthony Kiedis le prestó el dinero suficiente para que Frusciante se pudiese comprar otra guitarra (Recordad el incendio que ocurrió en su casa, que he mencionado antes).

Después de recuperarse de su grave estado de salud, Frusciante comenzó una nueva vida marcada por la espiritualidad y el ascetismo. Después de practicar yoga y vipassana, descubrió el efecto de la autodisciplina en el cuerpo, y comenzó una vida más saludable y armoniosa.
Una imagen completamente nueva, pelo largo y dentadura nueva, justo a tiempo para grabar «Californication» (1999). Éste fue el disco favorito de Frusciante, y sigue siéndolo.

Durante la gira de Californication, el guitarrista continuó escribiendo canciones, la mayoría editadas en el álbum en solitario «To Record Only Water for Ten Days» (2001).

Los RHCP comenzaron a grabar su cuarto álbum, «By the Way» (2002). Mientras estaba escribiendo «By the Way», Frusciante compuso también la mayoría de las canciones presentes en su siguiente álbum en solitario, «Shadows Collide with People» (2004).

John grabó otro disco en solitario titulado «The Will to Death» el mismo año. Es en estos años donde John vuelve a coger toda la fuerza que tuvo en sus dedos y a demostrar de nuevo a todos y a él mismo, el gran guitarrista que es. También colaboró con Josh Klinghoffer y Joe Lally en un proyecto llamado «Ataxia», que lanzaron su primer álbum «Automatic Writing».
En un período de 6 meses ya había editado seis discos, que son: «The Will to Death» (ya mencionado), «Automatic Writing» (también mencionado, con Ataxia), «DC EP», «Inside of Emptiness», «A Sphere in the Heart of Silence» y «Curtains».

A comienzos del 2005, Frusciante volvió al estudio para grabar con su banda, RHCP, el disco «Stadium Arcadium», en el que usa una amplia gama de sonidos con su guitarra y llega incluso a usar un sintetizador y un melotrón (instrumento musical electro-mecánico polifónico que apareció a mediados de los años 1960).

Después de muchas colaboraciones con otras bandas, en 2007, con Ataxia editó su segundo y último álbum de estudio, «Automatic Writing II».

Hace unos días, el 20 de enero de 2009 lanzó su nuevo disco en solitario, «The Empyrean». Según Frusciante, no promocionará en concierto este disco, ya que prefiere centrarse en su música y en su creatividad en lugar de presentársela a la gente.

ESTILO MUSICAL Y TÉCNICA

Su estilo ha ido evolucionando a lo largo de su carrera musical. Presenta influencias de Jimi Hendrix, Eddie Van Halen, diversos grupos de punk underground, músicos de new wave y más que citaré después.
Frusciante utiliza una variedad vocal en sus álbumes en solitario que van desde los chillidos de los discos «Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt» y «Smile from the Streets You Hold» hasta estilos más convencionales presentes en el resto de las grabaciones del guitarrista. También, con RHCP hace falsete en la mayoría de los coros.

Su técnica destaca más por la emotividad de sus melodías que por su virtuosismo. Prefiere centrarse en sus capacidades melódicas, y transmitir su propio estilo, que él mismo denomina como «sucio». Según él, es bueno «maltratar» a la guitarra, probar multitud de efectos en los solos, etc.

INFLUENCIAS

A parte de Hillel Slovak y Jimi Hendrix, se inspira mediante la música de Greg Ginn, Pat Smear, Robert Johnson o Joe Strummer. También entre sus influencias destacan formaciones como Led Zeppelin, Beefheart, The Smiths, The Velvet Underground, Kraftwerk, Neu!, The Cure, Pink Floyd…

 

fuente :Guitarrista info

Un día como hoy, 04 de marzo

Nacimientos

• 1525: Giovanni Pierluigi da Palestrina, compositor italiano.
• 1678: Antonio Vivaldi, compositor italiano.
• 1904: Joseph Schmidt tenor rumano.
• 1925: Paul Mauriat, director de orquesta francés.
• 1929: Bernard Haitink, director de orquesta y músico neerlandés.
• 1929: Josep Maria Mestres Quadreny, compositor español.
• 1932: Miriam Makeba, cantante sudafricana (f. 2008).
• 1934: Barbara McNair, actriz y cantante estadounidense.
• 1937: Barney Wilen, músico de jazz y saxofonista francés.
• 1943: Lucio Dalla, cantautor italiano. (f. 2012)
• 1947: Jan Garbarek, saxofonista noruego.
• 1948: Chris Squire, bajista y vocalista británico de Yes.
• 1951: Chris Rea, cantante y compositor británico.
• 1952: Umberto Tozzi, cantante italiano.
• 1953: Emilio Estefan, músico cubano.
• 1962: Friðrik Erlingsson, músico y escritor islandés.
• 1963: Jason Newsted, bajista estadounidense de Metallica.
• 1966: Luis Roberto Guzmán, actor y cantante puertorriqueño.
• 1966: Grand Puba, rapero estadounidense.
• 1967: Evan Dando, músico estadounidense de The Lemonheads.
• 1972: Ivy Queen, cantautora puertorriqueña.
• 1972: Nocturno Culto, músico de black metal noruego de Darkthrone.
• 1974: ICS Vortex, vocalista noruego de Arcturus.
• 1990: Andrea Bowen, actriz y cantante estadounidense.

Fallecimientos

• 1925: Moritz Moszkowski, compositor y pianista polaco.
• 1926: Pedro Morales Pino, músico y pintor colombiano
• 1960: Leonard Warren, barítono estadounidense (n. 1911).
• 1986: Richard Manuel, músico canadiense (The Band).
• 1993: Miguel de Molina, cantante español de copla (n. 1908).
• 2004: John McGeoch, músico escocés (Magazine, Siouxsie & the Banshees, Visage).
• 2004: Claude Nougaro, cantante francés.

Nace 

Antonio Vivaldi

Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia.

Estudió junto a su padre, Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), que fue violinista en la catedral de San Marcos.

En 1703, se ordenó sacerdote y es llamado «il prete rosso» (el cura pelirrojo). Parece ser que no siempre puede cumplir con sus obligaciones debido a su mala salud. Se sabe que sufría complicaciones respiratorias, posiblemente asma o angina. Fue acusado de abandonar el oficio de la Misa por atender a su inspiración.

 

 

 

 

Comenzó a enseñar en un conservatorio de niñas huérfanas, el Ospedale della Pietá, donde permaneció hasta 1740 como profesor mientras componía conciertos y oratorios para los conciertos semanales.

Autor de más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha triumphans(1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Johann Sebastian Bach, estudió su obra mientra se formaba. Sus conciertos fueron un modelo a seguir en toda Europa, influyendo en todos sus contemporáneos.

 

 

 

 

 

 

 

Más de 300 de sus conciertos están escritos para solista (220 para violín y otros para fagot, violonchelo, oboe y flauta). Además escribió concerti grossi, 25 para dos violines y 32 para tres o más instrumentos y algunos son concerti de ripieno (para orquesta sin solistas).

Estableció una de las características básicas del concierto de los siglos siguientes: su uso para lucimiento del virtuoso. Fue el primer compositor que utilizó de forma coherente el ritornello. Éste se repetía en diferentes tonalidades y era interpretado por toda la orquesta. Alternaba con episodios interpretados por el solista, a menudo de carácter virtuosista. Sus conciertos para violín opus 8, Las cuatro estaciones, son uno de los primeros ejemplos de música programática.

Durante su vida fue más reconocido como violinista que como compositor, siendo también acusado de repetitivo y rutinario. Desde 1713 fue compositor y empresario de óperas en Venecia, visitando además otras ciudades para supervisar las representaciones de sus óperas.

Hacia 1740 entró al servicio de la corte del emperador Carlos VI en Viena, donde Antonio Vivaldi murió el 28 de julio de 1741. En su funeral, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el compositor Joseph Haydn.

 

 

 

 

 

 

 

Óperas

La costanza trionfante degl’amori e degl’odii
Arsilda, regina di Ponto
L’incoronazione di Dario
Tieteberga
Artabono Re de’ Parti
Armida al campo d’Egitto
Scanderbeg
Teuzzone
Tito Manlio
La Candace o siano Li veri amici
Gli inganni per vendetta
La verità in cimento
La Silvia
Ercole su’l Termodonte
Giustino
Cunegonda
La Fede tradita e vendicata
Dorilla in Tempe
Ipermestra
Farnace
Siroe Re di Persia
Orlando (furioso)
Rosilena ed Oronta
L’Atenaide
Argippo
Semiramide
La fida Ninfa
Doriclea
Motezuma
L’Olimpiade
L’Adelaide
Il Tamerlano
La Griselda
Ginevra principessa di Scozia
Catone in Utica
L’oracolo in Messenia
Rosmira (fedele)
Feraspe

Música instrumental

Opus 1, 12 Sonatas para 2 violines y bajo continuo
Opus 2, 12 Sonatas para violín y bajo continuo
Opus 3, L’estro armonico, 12 conciertos para diversas combinaciones. Los más conocidos son el n.º 6 para violín en la menor, el n.º 8 para 2 violines en la menor, y el n.º 10 para 4 violines en si menor
Opus 4, La stravaganza, 12 conciertos para violín
Opus 5, (segunda parte del Opus 2), 4 sonatas para violín y 2 sonatas para 2 violines y bajo continuo
Opus 6, 6 conciertos para violín
Opus 7, 2 conciertos para oboe y 10 conciertos para violín
Opus 8, Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, 12 conciertos para violín (los primeros 4, en Mi mayor, Sol menor, Fa mayor, y Fa menor son mundialmente conocidos como Las cuatro estaciones, el quinto en Mi bemol mayor como La Tempestad del Mar, el sexto en Do mayor como El Placer y el décimo en Sí bemol mayor como La Cacería)
Opus 9, La cetra, 12 conciertos (once para violín y uno para 2 violines)
Opus 10, 6 conciertos para flauta
Opus 11, 5 conciertos para violín, 1 concierto para oboe (el segundo en Mi menor, RV 277 es conocido como «El favorito»)
Opus 12, 5 conciertos para violín y 1 sin solos
Opus 13, Il pastor fido, 6 sonatas para musette, viola, flauta, oboe o violín, y bajo continuo
Opus 14, 6 Sonatas para cello y bajo continuo

Música vocal

Cantatas

Alla caccia, alla caccia
All’ombra di sospetto
All’ombra d’un bel faggio
All’or che lo sguard
Amor hai vinto
Aure voi piu non siete
Candida Lylia
Care selve amici prati
Cessate omnai cessate
Che giova il sospirar
Del suo natio rigore
Elvira, Elvira anima mea
Era la notte
Filli di gioia
Fonti di pianto piangete
Geme l’onda che parte
Il povero mio cor
Indarno cerca la tortorella
Ingrata lidia hai vinto
La farfalletta s’aggira
La Gloria e Himeneo
Lundi dal vago
Nel partir da te mio caro
O mie porpore piu belle
Par che tardo
Perche son molli
Perfidissimo cor!
Piango, gemo, sospiro
Pianti, sospiri
Prendea con mandi latte
Qual in pioggia dorata
Qual per ignoto
Scherza di fronda
Seben vivono senz’alma
Si levi dal pensier
Si si luce adorate
Sorge vermiglia in ciel
T’intendo si mio cor
Tra l’erbe, i zeffiri
Vengo a voi luci adorate
Cantata

Serenatas

Le gare del dovere
Le gare della giustitia e della pace
Mio cor povero cor
Il Mopso
Questa Eurilla gentil
La Sena festeggiante
L’unione della Pace e di Marte
Andromeda Liberata

Motetes

Canta in prato
Carae rosae respirate
Clarae stellae, scintillate
In furore giustissimae irae
In turbato mare
Invicti bellate
Longe mala umbrae terrores
Nulla in mundo pax
O qui coeli terraeque
Sum in medio tempestatum
Vestro principi divino
Vos aurae per montes

Música sacra

Missa Sacrum
Kyrie
Gloria
Credo
Domine ad adiuvandum me festina
Dixit Dominus
Dixit Dominus di Praga
Confitebor tibi Domine
Beatus vir
Laudate pueri Dominum
In exitu Israel
Credidi propter quod
Laudate Dominum
Laetatus sum
Nisi Dominus
Lauda Jerusalem
Magnificat
Deus tuorum militum
Gaude Mater Ecclesia
Laudate Dominum omnes gentes
Regina coeli
Salve Regina
Sanctorum meritis
Stabat Mater
Te Deum
Ascende laeta
Canta in prato
Cur sagittas
Filiae mestae
Jubilate o amaeni
Longe mala umbrae terrores
Non in pratis
Ostro picta

Oratorios

 

Un día como hoy,  22 de febrero

Nacimientos

• 1817: Niels Wilhelm Gade, compositor danés (m. 1890).
• 1863: Pedro Morales Pino, músico y pintor colombiano (m. 1926).
• 1950: Lenny Kuhr, cantante holandesa.
• 1950: Genesis P-Orridge, artista, músico y escritor británico.
• 1961: Akira Takasaki, guitarrista japonés (Loudness).
• 1968: Bradley Nowell, músico estadounidense (Sublime) (m. 1996).
• 1971: Lea Salonga, cantante y actriz filipina.
• 1973: Daniel Löble, batería suizo (Helloween).
• 1974: James Blunt, cantante británico.
• 1986: Matias Exequiel Cancemi, cantante y actor argentino.

Fallecimientos

• 1727: Francesco Gasparini, compositor italiano (n. 1661).
• 1903: Hugo Wolf, compositor austriaco (n. 1860).
• 1942: Vera Timanova, pianista rusa (n. 1855).
• 1961: Nick LaRocca, músico estadounidense de jazz (n. 1889).
• 1976: Florence Ballard, cantante estadounidense (The Supremes) (n. 1943).
• 1983: Sir Adrian Boult, director de orquesta y músico inglés (n. 1889).
• 1992: Sudirman Arshad, cantante malayo (n.1954).
• 2012: Billy Strange, cantautor norteamericano colaborador de Elvis Presley y Nancy Sinatra (n. 1930).

Nace

James Blunt

Nació un 22 de Febrero de 1974 en Inglaterra.
Aunque por su estilo de música resulta difícil de creer, James era un auténtico estratega militar debido a su temprano ingreso en el ejército británico, como mandaba su tradición familiar.

 

Con algo menos de 27 años estaba dirigiendo batallones de más de 25.000 hombres en la guerra de Bosnia, eso sí, llevando dentro de su tanque su guitarra atada, ya que su auténtica pasión siempre ha sido la música y tenía grabadas varias maquetas experimentales que componía y grababa en su propia casa, convirtiéndose en el rebelde de una familia de larga tradición militar y sin ningún artista entre ellos.

Tras la vuelta del campo de batalla James decidió que lo que quería hacer realmente era cantar y se armo con algunas de sus maquetas y se lanzó a buscarse un nombre dentro de la industria musical.

En el año 2003 conoció a Linda Perry (ex vocalista del grupo 4 Non Blondes y actual compositora de Christina Aguilera y Pink) y esta le ofreció un contrato para poder grabar un disco en Los Ángeles bajo el pequeño sello independiente, Custard Records, de su propiedad.

Tras aceptar la oferta, empezó la grabación del que sería su exitoso primer trabajo “Back to Bedlam”, que vería la luz un a

ño después, en 2004.

En sus canciones se notan sus influencias de Jim Morrison, vocalista de The Doors, Jimmy Hendrix y el sonido de los años 70 que combinado con la tecnología musical actual han dado el resultado exacto que Blunt buscaba para su debut.

Un día como hoy, 19 de febrero

Nacimientos

• 1743: Luigi Boccherini, compositor italiano (m. 1805).
• 1841: Felipe Pedrell, iniciador del renacimiento musical hispano (m. 1922).
• 1865: Ferdinand Löwe, director de orquesta austriaco (m. 1925).
• 1936: Paloma O’Shea, pianista española.
• 1940: Smokey Robinson, músico estadounidense.
• 1948: Tony Iommi, guitarrista inglés (Black Sabbath).
• 1957: Falco, músico austriaco.
• 1963: Seal, cantante británico.
• 1963: Tom Angelripper, bajista y vocalista de la banda alemana Sodom.
• 1964: Doug Aldrich, músico estadounidense (Whitesnake).
• 1967: Sven Erik Kristiansen (aka Maniac) vocalista noruego de black metal.
• 1971: Gil Shaham, violinista de origen israelí.
• 1977: Dani Martín, actor y cantante español (El Canto del Loco).
• 1977: Ola Salo, cantante sueco (The Ark).
• 1978: Immortal Technique, rapero estadounidense.
• 1979: Mariana Ochoa, cantante y actriz mexicana (La Onda Vaselina, OV7).
• 1979: Vitas, cantante ruso.
• 1981: Mary Beth Patterson, mejor conocida como «Beth Ditto», vocalista de The Gossip.
• 1983: Mika Nakashima, cantante japonesa.
• 1985: Haylie Duff, actriz y cantante estadounidense.
• 1986: Maria Mena, cantante noruega.
• 1993: Victoria Justice, actriz, modelo y cantante estadounidense.

Fallecimientos

• 1605: Orazio Vecchi, compositor italiano (n. 1550).
• 1927: Robert Fuchs, compositor austriaco (n. 1847).
• 1963: Benny Moré, músico cubano (n. 1919).
• 1973: Joseph Szígeti, violinista húngaro (n. 1892).
• 1975: Luigi Dallapiccola, compositor y pianista italiano (n. 1904).
• 1980: Bon Scott, vocalista del grupo AC/DC (n. 1946).
• 2001: Charles Trenet, cantante francés (n. 1913).

 

Nace

Luigi Boccherini

Nace

Tony Iommi

Un día como hoy, 16 de febrero

Nacimientos

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  1774: Pierre Rode, compositor y violinista francés (f. 1830).

• 1847: Philipp Scharwenka, compositor polaco (f. 1917).
• 1907: Fernando Previtali, director de orquesta y músico italiano.
• 1916: Bill Doggett, organista de jazz y pianista estadounidense (f. 1996).
• 1925: Carlos Paredes, guitarrista portugués (f. 2004).
• 1932: Otis Blackwell, cantante y compositor estadounidense (f. 2002).
• 1935: Sonny Bono, actor, cantautor y político estadounidense (f. 1998).
• 1938: John Corigliano, compositor estadounidense.
• 1947: Juan Camacho, cantante español (f. 1982).
• 1950: Kazuki Tomokawa, cantante japonés.
• 1956: James Ingram, cantante estadounidense.
• 1958: Ice-T, cantante de rap y actor estadunidense.
• 1960: Pete Willis, músico inglés (Def Leppard).
• 1961: Andy Taylor, guitarrista inglés (Duran Duran).
• 1962: John Balance, músico inglés de Psychic TV (f. 2004).
• 1965: Dave Lombardo, baterista cubano de heavy metal (Slayer).
• 1965: Jesús Adrián Romero, cantante de música cristiana mexicano.
• 1975: Nanase Aikawa, cantante japonesa.
• 1976: Tooru ‘Kyō’ Nishimura, cantante japonés.
• 1982: Lupe Fiasco, rapero estadounidense.

Fallecimientos

• 1829: François-Joseph Gossec, músico francés (n. 1734).
• 1928: Eddie Foy, cantante y bailarín estadounidense (n. 1856).
• 1967: Smiley Burnette, actor, cantante y compositor estadounidense (n. 1911).
• 1985: Alí Primera, cantante, músico y compositor venezolano (n. 1942).
• 1996: Brownie McGhee, cantante estadounidense (n. 1915).
• 2004: Doris Troy, cantante estadounidense (The Sweet Inspirations) (n. 1937).

 

Nace Otis Blackwell

Nueva York (Estados Unidos). Cantante, compositor y pianista de blues, R&B y rock and roll. Fue autor de canciones del primigenio rock and roll como ‘Fever’ (Little Willie John), ‘Don’t be cruel’ (Elvis Presley), ‘All shook up’ (Elvis Presley), ‘Gret balls of fire’ (Jerry Lee Lewis). Murió en 2002.

 

Nace Andy Taylor (Duran Duran)

Un día como hoy, 13 de febrero

 

Nacimientos

• 1746: Giuseppe Cambini, compositor y violinista italiano (f. 1825).
• 1778: Fernando Sor, compositor español (f. 1839).
• 1870: Leopold Godowsky, pianista y compositor estadounidense de origen polaco (f. 1938).
• 1873: Fiódor Chaliapin, cantante de ópera ruso (f. 1938).
• 1920: Eileen Farrell, soprano estadounidense (f. 2002).
• 1950: Peter Gabriel, cantante británico (Genesis).
• 1956: Peter Hook, bajista de las bandas Joy Division y New Order.
• 1966: Jeff Waters, músico canadiense (Annihilator).
• 1969: Pedro Suárez-Vértiz, cantante peruano de rock.
• 1972: Ely Guerra, cantautora y productora musical mexicana.
• 1973: Miguel Poveda, cantaor de flamenco español.
• 1974: Robbie Williams, cantante británico.
• 1978: María Rodríguez, cantante de rap española.

Fallecimientos

• 1741: Johann Joseph Fux, compositor austriaco (n. 1660).
• 1883: Richard Wagner, compositor alemán (n. 1813).
• 1930: Conrad Ansorge, pianista, compositor y profesor alemán (n. 1862).
• 1968: Ildebrando Pizzetti, compositor y musicólogo italiano (n. 1880).
• 1976: Lily Pons, cantante de ópera (soprano ligera) estadounidense de origen francés (n. 1898).
• 1996: Rosamel Araya, cantante chileno de boleros (n. 1936).
• 1999: Carles Sabater, cantante, compositor y actor español (n. 1962).
• 2002: Waylon Jennings, cantante de country estadounidense (n. 1937).

Nace  Fernando Sor

Compositor y guitarrista español, es fundamentalmente conocido por sus trabajos para guitarra, aunque su obra abarcó casi todos los campos, sobre todo el ballet y la ópera.

 

Realizó sus primeros estudios musicales en la Escolanía de Montserrat, y luego siguió la carrera militar en Barcelona. Estrenó su primera ópera, Telémaco en la isla de Calipso, en 1797, pero a continuación la música pasó a un segundo plano para él hasta 1808, en que cobró cierta fama como compositor de himnos durante la Guerra de la Independencia. Sumado a la administración de José I, abandonó España tras su derrota (1813) y, dedicado profesionalmente a la guitarra, cosechó importantes éxitos en Francia y en el Reino Unido. Compuso alrededor de 150 piezas para su instrumento (sonatas, divertimentos, fantasías…), introdujo como novedad la intercalación de punteos sobre los acordes (aunque el descubridor de esa técnica fue Moretti) y prácticamente hasta su muerte fue considerado el mejor guitarrista de su tiempo, siendo admirado por Mehul y Cherubini. En 1830 publicó su Método para guitarra, que durante muchos años fue el principal libro de texto para este instrumento.

 

Nace

Peter Gabriel

Peter Brian Gabriel nació el 13 de Febrero de 1950 en Surrey, Inglaterra.

Peter fundó el grupo Genesis en 1967 con sus compañeros de escuela Tony Banks, Anthony Phillips, Mike Rutherford, y Chris Stewart. Con ellos lanzó una serie de discos, y logró convertir a la banda en un grupo de culto.

Peter Gabriel abandona la agrupación en 1975 por motivos personales, y dos años más tarde lanza su primer álbum, titulado como “Peter Gabriel”, al igual que sus cuatro primeros discos, ya que Peter rehusaba a etiquetarlos con un nombre específico. Sin embargo las carátulas de los álbumes varían. Este disco fue producido por Bob Ezrin, y el primer single que se extrajo de este material fue «Solsbury Hill«, una pieza autobiográfica, que expresa sus sentimientos al dejar Genesis.

Un año más tarde lanza su segunda producción también bajo el título de “Peter Gabriel”. Este disco estuvo producido por el guitarrista Robert Fripp (de King Crimson). Este LP se considera más oscuro y experimental que el anterior, pero no logró establecer ningún hit.

En 1980 aparece el tercer “Peter Gabriel”, que contó con la colaboración de Steve Lillywhite (quien también produjo los primeros discos de U2). Se destacan de este material, los sencillos «Games Without Frontiers» y «Biko«. A partir de este momento nace el interés de Peter Gabriel por el género “world music” y en especial por la percusión. Phil Collins tocó la batería en varias canciones del disco.

Dos años después sale a la venta su cuarto y último álbum homónimo. Este disco, se renombró en Estados Unidos bajo el título de “Security” por la discográfica Geffen Records. Este álbum logró venderse bastante bien gracias al sencillo «Shock the Monkey«.

Peter Gabriel hizo una serie de giras promocionando cada uno de los LPs, construyendo en cada show un tratamiento dramático y teatral (los cuales ya se habían iniciado en la época de Genesis). Es así como en 1983, aparece en el mercado una recopilación de todas aquellas presentaciones que había llevado a cabo Gabriel. Este disco se tituló “Plays Live”.

En 1985 Peter Gabriel crea la banda sonora de la película “Birdy” de Alan Parker. Un año más tarde regresa a los estudios para dar vida al álbum “So”. Con este disco aparece su conocidísima canción «Sledgehammer«, que logró entrar al puesto número 1 en las listas de éxito de Estados Unidos. Además, con «Sledgehammer» grabó un video musical bastante original en colaboración con el director Stephen R. Johnson, con el que logró ganar una serie premios, como el “MTV Music Video Awards” en 1987, entre otros. Este video musical se convirtió en un modelo a seguir que revolucionó la industria de los videoclips. El siguiente video que se produjo de esta álbum fue «Big Time» y se trataba de imágenes de animación mezclada con efectos especiales.

1989 trajo el lanzamiento de “Passion”, la banda sonora de la película de Martin Scorsese “La última tentación de Cristo”. Este disco es considerado por muchos como el punto más alto en su trabajo con el género “world music”. Gracias a este LP, Peter Gabriel recibió su primer premio Grammy, en la categoría a “Mejor Presentación New Age”. También logró una nominación al Globo de Oro como “Mejor Banda Sonora”.

Ya en la década de los noventa, aparece “Shaking the Tree”, y dos años más tarde, “Us”. En este último disco, las canciones de Peter Gabriel hablan sobre sus problemas personales tales como el fracaso de su primer matrimonio y la distancia que existía en la relación con su primera hija. En este disco se pueden encontrar temas como «Digging in the Dirt«, «Come Talk To Me» (con coros de Sinéad O’Connor), «Blood of Eden«, «Steam«, entre otros. “So” logró alcanzar la segunda posición entre los discos más vendidos, tanto en Europa como en Estados Unidos. Peter Gabriel ganó gracias a este material 2 premios Grammy en 1992, y 1993: “Mejor Video Musical” por los temas «Digging in the Dirt» y «Steam» respectivamente.

Por otro lado, también en 1992, aparece un disco titulado “Revisited”.

En 1994, edita lo que fue su tour mundial que tuvo gran acogida por parte del público; y salió en conjunto un CD con un DVD titulado “Secret World Live”. Con el DVD de “Secret World Live” logra obtener otro premio Grammy como “Mejor Concierto”.

Después de alejarse durante 6 años de las grabaciones, en el 2000 sale a la luz “OVO” (soundtrack para el show “Millennium Dome” en Londres). Posteriormente “Long Walk Home” (2002), sale al mercado. Se tratade una producción para la banda sonora de la película australiana “Rabbit-Proof Fence”. Este material recibió una nominación al Globo de Oro.

 

 

 

 

A fines de ese mismo año, presenta “Up”, un disco mucho menos comercial que los últimos que había lanzado al mercado. En el 2003 muestra su nueva producción denominada “Hit”.

En el 2005, se presenta en el concierto “Eden Project Live 8”, y poco tiempo después aparece un DVD del espectáculo.
En Octubre de ese mismo año sale a la venta un nuevo DVD doble titulado “Peter Gabriel Live & Unwrapped”. Meses más tarde, otro DVD hace su aparición, esta vez un concierto titulado “PoV”.

En el 2006, Peter Gabriel tocó la canción Imagine de John Lennon en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno en Italia.

 

 

 

Muere Richard Wagner

Nació el 22 de mayo de 1813 en Leipzig.

Su padre adoptivo Ludwig Geyer, actor y pintor, fue su primer instructor. Su hermana mayor Rosalie también era actriz y su otra hermana, Klara, cantante.

En 1829 asistió a una representación de Fidelio, quedando deslumbrado ante las dotes de la soprano Wihelmine Schröder-Devrient (Leonora). Decidió dedicarse a la música ese mismo día.

No destacó como estudiante de piano y violín. Durante seis meses estudió con Theodor Weinlig, cantor de Santo Tomás de Leipzig.

Mostró su interés también por la literatura, sobre todo clásica, por lo que descubría en la ópera su ideal, puesto que así podría dedicarse a los dos géneros conjuntamente.

Fue uno de los más importantes músicos del siglo XIX. Destacado compositor, director de orquesta y teórico musical. Su carrera profesional comenzó a los veinte años, cuando fue contratado como director de coro de Würzburg. Compuso sus primeras operas para teatros de poca categoría, Las hadas (Die Feen), en Magdeburgo (1834), (La donna serpente) y La prohibición de amar (Das Liebesverbot), estrenada en Magdeburgo (1836).

El 24 de noviembre de 1836 contrae matrimonio con la actriz Minna Planer. Sus deudasacumuladas mientras trabajó en los teatros de Königsberg, Dresde y Riga, le obligaron a huir del país; París fue su destino y durante la travesía hacia Londres (camino de París) una serie de terribles tempestades le inspiró una nueva opera: El holandés errante (Der fliegende Höllander). Permaneció un breve tiempo en la cárcel por deudor, puesto que sus deudas se acumulaban rápidamente y los ingresos escaseaban. Finalmente fue la ciudad de Dresde la que, gracias a la ayuda de Meyerbeer, aceptó el estreno de Rienzi el 20 de Octubre de 1842 con gran éxito. Wagner fue desde entonces un compositor considerado en su patria.

 

 

 

 

 

 

 

El Teatro Real de Dresde aceptó El holandés errante en 1842-1843. Por otro lado, la influencia de Weber aumenta su interés por el mundo germánico, sobre todo por el mítico y legendario, tan importante en la tradición cultural alemana. Desarrolló la idea de la «obra de arte total» (Gesamtkunstwerk), síntesis de todas las artes, en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera mitad de su tetralogía El anillo del nibelungo.

Participó en el conato de revolución de 1848 en Alemania, a causa de lo cual tuvo que huir a París y después a Zurich. En 1852 conoció al rico Otto Wesendock y a su esposa Mathilde, quienes pusieron a disposición del matrimonio Wagner el Asylum, una pequeña casa de campo en Wesendock cerca de Zurich, estancia que inspiró al compositor algunas de sus mejores obras. La relación entre Wagner y Mathilde pronto se convirtió en amor imposible. Su romance quedó plasmado en la apasionada obra Tristán e Isolda (1857-1859), uno de los dramas musicales wagnerianos más largos y difíciles de representar.

Cuando el compositor se había retirado a Mariafeld (cerca de Zurich, mayo de 1864) huyendo de sus acreedores se le presentó el secretario del gabinete de Luis II para indicarle que el rey, su más ardiente admirador, se sentiría halagado si aceptase ser su invitado. Rápidamente fueron pagadas las numerosas deudas contraídas y se instaló en una casa cercana a la residencia de verano del rey en Berg. Para él compuso La marcha del Homenaje.

 

 

 

 

 

 

 

El 1 de Junio de 1865 se estrenó Tristán e Isolda en Munich, mientras comenzaba su autobiografía Mi vida (Mein Leben). Se supo que había iniciado relaciones con Cosima Listz (hija de Franz Liszt) y fueron aprovechadas para una intriga cortesana que obligó a Luis II a pedirle que se alejase un tiempo de Munich. Se trasladó a Suiza y, tras la muerte de su esposa Minna en Dresde (1866), se instaló con Cosima y con sus cuatro hijas en la hermosa villa de Tribschen a orillas del Lago Lucerna.

Pudo trabajar en sus óperas sin preocuparse de sus gastos y en 1867 terminaba Los maestros cantores de Nuremberg (Die Meistersinger von Nürnberg); obra concebida como ópera cómica, pero que en realidad es una aproximación a las costumbres de la época de los Cantores Gremiales (Meistersingers) alemanes. En Triebschen recibía las visitas de Friedrich Nietzsche. A lo largo de 1869 terminó Sigfrido casi por entero; las últimas páginas las acabaría en 1871. El 22 de septiembre de 1869 presentó El oro del Rin en Munich, mientras iniciaba la composición de El ocaso de los dioses.

Tras largos años de convivir con Wagner, Cósima se divorcia de Hans von Bülow y se casan en 1870; para su cumpleaños, le compuso El idilio de Sigfrido. Por ésta época viajó sucesivamente a Alemania para preparar el camino de su Fesrspielhaus en Bayreuth y para la fundación de la Sociedad Wagner.

 

 

 

 

 

 

 

 

El día de su quincuagésimo noveno cumpleaños puso la primera piedra del Teatro de Bayreuth, y al año siguiente realizó una gira de conciertos por Alemania para recaudar fondos, y finalmente, y gracias a la generosa ayuda de Luis II, se pudo terminar. Ese mismo año (1874) construyó su casa Wahnfried de Bayreuth, a la que se trasladó. En ella terminó El ocaso de los dioses, dando fin a la Tetralogía, que fue estrenada formando tres ciclos completos en Bayreuth (1876).

Después del festival se trasladó con su familia a Londres donde dirigió una serie de conciertos para captar fondos que cubriesen las pérdidas de Bayreuth. Poco después se le presentaron sus primeros problemas de corazón por lo que se trasladó a Bad Ems (1877) para una cura de salud.

En 1882 terminó su última ópera en Palermo, Parsifal. Sufrió un primer ataque al corazón en Berlín (1881) y el segundo en Bayreuth, donde ya repuesto estrenó el 26 de julio de 1882 Parsifal, dando 16 funciones en las que el tercer acto de cada una de ellas fue dirigida por el propio compositor.

Se trasladó a Venecia para recuperar su salud ya muy deteriorada. El 13 de febrero de 1883 moría en dicha ciudad. El día 18 fue enterrado en el jardín de Wahnfried, en Bayreuth, donde después se enterró también a su esposa.

Un día como hoy, 06 de febrero

Nacimientos

• 1865: Evan Gorga, tenor italiano (f. 1957).
• 1895: María Teresa Vera, cantante, compositora y guitarrista cubana (m. 1965).
• 1903: Claudio Arrau, pianista chileno. (m. 1991)
• 1945: Bob Marley, músico de reggae jamaicano. (m. 1981)
• 1950: Natalie Cole, cantante estadounidense.
• 1959: Ken Nelson, productor musical británico.
• 1962: Divina Gloria, actriz y cantante argentina.
• 1962: Axl Rose, cantante estadounidense de Guns N’ Roses.
• 1966: Rick Astley, cantante británico.
• 1967: Izumi Sakai, cantante japonesa de Zard (m. 2007)
• 1968: Akira Yamaoka, compositor japonés.
• 1975: Tomoko Kawase, cantante japonesa.
• 1979: Dan Bălan, cantante y compositor moldavo de O-Zone.
• 1981: Jens Lekman, músico sueco.
• 1986: Yunho Lider del grupo pop TVXQ y actor surcoreano.

Fallecimientos

• 1991: Juan Záizar, cantante y compositor mexicano de música vernácula (n. 1933).
• 1998: Falco, músico austriaco. (n. 1957)
• 1998: Carl Wilson, músico estadounidense de The Beach Boys (n. 1946).
• 2007: Frankie Laine, cantante estadounidense. (n. 1913)
• 2010: John Dankworth, compositor, clarinetista y saxofonista de jazz británico (n. 1927).
• 2011: Gary Moore, músico, compositor y guitarrista británico de Thin Lizzy (n. 1952).

 

Nace

Claudio Arrau

(Claudio Arrau León; Chillán, 1903 – Mürzzuschlag, Austria, 1991) Pianista chileno considerado uno de los más prodigiosos intérpretes de todos los tiempos. El repertorio de Arrau, muy vasto, abarcaba desde Bach hasta los autores contemporáneos, pasando por Mozart, Beethoven, Liszt, Schubert, Chopin o Debussy. Arrau no fue sólo uno de los más destacados pianistas del siglo XX (cuyo magisterio ha quedado conservado en sus numerosas grabaciones discográficas) sino también uno de los últimos continuadores de una tradición interpretativa que hunde sus raíces en Franz Liszt: aquella que considera el virtuosismo técnico únicamente como un medio para servir a la música, y no como un fin en sí mismo.

Claudio Arrau (c. 1941)

Hijo de Carlos Arrau y Lucrecia León, fue su madre, aficionada al piano, quien lo introdujo en el mundo de la música. A los cinco años, el precoz Claudio ofreció su primer concierto en Santiago de Chile en el Palacio de la Moneda, donde interpretó obras de Mozart, Beethoven y Chopin frente al presidente de la República, Pedro Montt, y otras autoridades.

A los siete años, en 1910, recibió una beca del gobierno de Chile para estudiar música en Alemania, país donde residió durante once años; en Berlín tuvo como maestro a Martin Krause, uno de los últimos discípulos de Liszt. En sus años de formación ofreció recitales en diversas ciudades de Alemania, Reino Unido y Escandinavia. Antes de cumplir los veinte años había sido galardonado en dos oportunidades con el premio Liszt, y más tarde obtuvo el Grand Prix International des Artistes. Contrajo matrimonio con la cantante Ruth Schneider, con quien tuvo tres hijos.

Tras su retorno a Chile, en 1921, Arrau visitó Estados Unidos en 1924 y en ese país ofreció conciertos con las orquestas sinfónicas de Boston y Chicago. Ese mismo año regresó a Berlín, donde le fue ofrecido un cargo de profesor en el conservatorio local, pero prefirió continuar con sus giras y recitales. Su figura se hizo legendaria entre el público de Alemania y Austria debido a su conocimiento y dominio de las obras de los principales compositores de estos países, en particular de Ludwig van Beethoven.

En 1935 ofreció una serie de doce recitales en la capital alemana en los que interpretó el conjunto de piezas para teclado de Johann Sebastian Bach, haciendo lo mismo al año siguiente con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart. Dos años más tarde, en una gira por Chile, Argentina y México, sus conciertos incluyeron las sonatas y conciertos para piano de Beethoven.

Arrau ya era un intérprete de fama mundial a fines de la década de 1930. El endurecimiento del régimen nazi lo llevó a abandonar Alemania y en 1941 se trasladó a Estados Unidos, fijando su residencia permanente en Nueva York, una ciudad que Arrau consideraba su hogar, aunque pasó gran parte de su vida viajando por el mundo, con una vitalidad asombrosa que le permitió realizar giras y recitales hasta después de cumplir ochenta años. A partir de 1941, en efecto, Arrau prosiguió su carrera en los escenarios cosechando éxitos y honores por todo el mundo.

Además de uno de los grandes pianistas del siglo, Arrau fue un sistemático estudioso de la literatura pianística del Clasicismo, el Romanticismo y el Impresionismo, de la que nos dejó grabaciones con frecuencia integrales (así de la música pianística de Chopin o Beethoven) que constituyen auténticos hitos de la interpretación. Fue también destacado intérprete de Bach desde su juventud, aunque un estudio detallado de la obra de Bach lo llevó a negarse a interpretarla en piano por considerar que el complicado contrapunto de cantor de Leipzig no quedaba suficientemente bien retratado en el sonido brillante y lleno de armónicos del piano moderno. Por esta razón impidió que se publicaran sus grabaciones, por demás magistrales, de El Clave Bien Temperado y los Ejercicios para Clave, que se dieron a conocer póstumamente.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Sorprende tal rigor (el intérprete señaló que interpretaría de nuevo a Bach el día que supiese tocar el clave) en época tan temprana, cuando apenas comenzaba a desarrollarse de nuevo la técnica clavecinística, mirada poco menos que como un capricho de purista por intérpretes y público. Es una muestra, sin duda, del cuidado con que Arrau afrontaba la música que iba a interpretar. No nos encontramos, sin embargo, con interpretaciones retóricas e historicistas; muy al contrario, Arrau se caracterizó siempre por lo poco ostentoso de su interpretación y por la hondura del sentimiento que transmite, para el que se vale en ocasiones de tiempos muy lentos que no disminuyen la expresividad y que muestran su maestría técnica.

 

 

 

 

 

 

 

Como parte de sus estudios musicológicos merece destacarse su edición de las Sonatas para piano de Beethoven, realizada para la editorial Peters. En 1967 creó los Fondos Claudio Arrau para ayudar a la formación de jóvenes músicos. De entre los honores alcanzados, es digna de mención la Medalla Hans von Bülow que le concediera en 1978 la Filarmónica de Berlín. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Arte de Chile. Sus restos descansan en su patria natal, en la ciudad de Chillán.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nace

Nace Bob Marley

 

 

 

 

 

 

Nace

Rick Astley

 

Rick nacía el 6 de Febrero de 1966 en Cheshire (Inglaterra) y ya desde jovencito demostró su interés por la música, con 4 añitos ya formaba parte del coro de su iglesia; lo tenía claro y mientras actuaba como miembro de una banda llamada “FBI”, fue descubierto a mediados de los 80 por Pete Waterman.

En 1987 grabó con su peculiar voz su primer single “Never gonna give you up” que llego a liderar las listas de toda Europa, incluyendo nuestro país y también llegando a los mas alto en Australia y Estados Unidos, con un total de mas de 15 millones de copias vendidas.

El éxito se mantuvo gracias a canciones como ”Together Forever”,muy parecida a su primer éxito y que también llegaría al numero 1.

Llego después su segundo álbum “Hold Me in your Arms” con una gira por mas de 15 países, pero con claras pistas ya de que su carrera empezaba a decaer.

Harto de que le llamasen marioneta decidió dejar al trío de productores y emprender una carrera mucho mas seria y con un estilo mas personal, colaborando con nombres como Mark King, el mismísimo Elton John o Lisa Stansfield…

Siguió publicando discos y en 2005 grabaría “Portrait” con versiones de clásicos de Frank Sinatra, Elvis Presley o Dean Martin

Pero nunca llego a ser lo mismo, no cabe duda y no sabemos si a pesar de el o no, de que para muchos Rick Astley siempre será el responsable de que ellas quisiesen moverse en las pistas de baile de los 80 con ellos.

 

 

 

 

Muere

Gary Moore

Nació el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del Norte.

Aficionado a la guitarra con no más de siete años, mientras acudía al salón de baile que regentaba su padre, no era mayor de edad cuando comenzó su carrera profesional al entrar a formar parte deSkid Row, grupo en el que el guitarrista conoció a Phil Lynott, futuro líder y hacedor de Thin Lizzy, agrupación de la que formó parte reemplazando al guitarrista Eric Bell.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Grabó tres discos con la banda y dejó su huella en el tema Still in Love with you, una de las baladas más emotivas de la banda.

En 1973 hizo su debut como solista con «Grinding Stone«.

Fue músico de sesión durante algunos años y se unió al proyecto de fusión Colosseum II en 1975. En 1977 reaparece en Thin Lizzy y graban «Black Rose«.

Durante una gira por los EEUU en 1979, decidió abandonarla nuevamente y crea G-Force con los que lanza «Parisienne Walkaways» del disco «Back in the Streets«. Con «After the War» incluyó notablemente ritmos y melodías de origen celta, después aparece «Still got the Blues«, donde combina el blues tradicional con toques de hard rock y metal. Consiguió un éxito masivo tanto en ventas como en opiniones de la crítica. Con el «After Hours» consolida su reputación como bluesman al compartir piezas con B.B: King y Albert Collins. En 1994 grabó con Jack Bruce y Ginger Baker (ex miembros de Cream) en un proyecto paralelo llamado BBM.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Gary Moore fue hallado muerto en la habitación de un hotel de Estepona, Málaga, Costa del Sol, en España, el 6 de febrero de 2011.

 

 

 

 

 

 

 

 

Un día como hoy, 30 de enero

Nacimientos

• 1505: Thomas Tallis, compositor inglés (m. 1585).
• 1697: Johann Joachim Quantz, compositor y flautista alemán (m. 1773).
• 1911: Roy Eldridge, músico estadounidense (m. 1989).
• 1942: Marty Balin, músico estadounidense.
• 1947: Steve Marriott, músico británico (The Small Faces) (m. 1991).
• 1951: Phil Collins, músico inglés (Genesis).
• 1959: Mark Eitzel, cantante estadounidense.
• 1968: Trevor Dunn, músico estadounidense (Mr. Bungle, Fantômas).
• 1971: Erik Rubín,  actor y cantante mexicano (Timbiriche).
• 1975: Yumi Yoshimura, cantante japonesa (Puffy AmiYumi).
• 1990: Eiza González, actriz y cantante mexicana.

Fallecimientos

• 1806: Vicente Martín Soler, compositor valenciano (n. 1754).
• 1963: Francis Poulenc, compositor francés (n. 1899).
• 1980: Professor Longhair, músico estadounidense (n. 1918).
• 1982: Lightnin’ Hopkins, músico estadounidense (n. 1912).
• 2011: John Barry, compositor de música de cine británico (n. 1933).

Nace Phil Collins

30 de enero de 1951 en Chiswick, Londres.

Hijo de Winifred M. Strange, agente teatral, y de Greville Philip Austin Collins, agente de seguros.

Cuando tenía cinco años le regalaron un tambor de juguete para Navidad. Practicó tocando mientras escuchaba música en la televisión y la radio, y aunque nunca aprendió a leer y escribir partituras; ideó un sistema de aprendizaje. Siendo un adolescente, aprendió los rudimentos básicos de la batería bajo tutela de Lloyd Ryan y más tarde con Frank King. Tuvo la fuerte influencia del baterista de The Beatles Ringo Starr.

Mientras asistía a la Chiswick County School for Boys, formó una banda llamada The Real Thing y más tarde se unió a The Freehold. Con este último grupo, escribió su primera canción titulada «Lying Crying Dying«. Su formación profesional como actor comenzó a la edad de 14, cuando entró en la Barbara Speake Stage School, escuela independiente en Acton, Londres, que había sido establecida por su madre. Comenzó una carrera como actor infantil teniendo su primer papel importante como Artful Dodger en la producción de Oliver! Trabajó como extra en la película de The Beatles A Hard Day’s Night (1964), apareciendo junto a otros cientos de adolescentes gritando durante una secuencia de conciertos apareciendo fugazmente en un primer plano. Participó en Chitty Chitty Bang Bang (1968) pero las escenas en las que aparecía fueron cortadas.

Cursó estudios de arte y formó parte de varios grupos tocando la batería, su primer grupo serio fue Flaming Youth, hasta que entró en Genesis, que puso un anuncio gracias al cual contactaron con el joven de 20 años que se convertiría en su nuevo batería.

Más tarde, cuando Peter Gabriel se retira del grupo, pasa a ser también vocalista. El primer trabajo de Genesis con Phil Collins fue ‘A Trick Of The Tail‘.

Su carrera en solitario comienza con el álbum ‘Face Value‘, que contenía su primer gran hit In the air tonight, en el que mezcla temas de rock sinfónico. En sus discos posteriores se acerca a un rock mucho más comercial logrando varios superventas, entre ellos ‘But Seriously…‘.

También colaboró en varias películas, como ‘Buster‘ y en la película de Disney ‘Tarzán‘, en el que interpreta el tema principal en varios idiomas.

Se casó con la canadiense Andrea Bertorelli en 1975. Se conocieron siendo estudiantes en una clase de teatro en Londres. Tuvieron un hijo, Simon Collins, quien más tarde también se convirtió en vocalista y baterista de la banda Sound of Contact. Collins también adoptó a la hija de Bertorelli, Joely, una actriz canadiense. Conoció a su segunda esposa, Jill Tavelman, en 1980. Estuvieron casados de 1984 a 1996. Tuvieron una hija, Lily Collins, nacida en 1989. Contrajo matrimonio con Orianne Cevey en 1999. Fueron padres de dos hijos, Nicholas y Matthew. Se divorciaron el 17 de agosto de 2008. Residente en Suiza, también tiene domicilio en la ciudad de Nueva York y en Dersingham, Norfolk.

Un día como hoy, 29 de enero

Nacimientos

• 1711: Giuseppe Bonno, compositor austríaco (f. 1788).
• 1782: Daniel-François Auber, músico francés (f. 1871).
• 1862: Frederick Delius, compositor británico (f. 1934).
• 1876: Havergal Brian, compositor británico (f. 1972).
• 1924: Luigi Nono, compositor italiano de música contemporánea (f. 1990).
• 1926: Roberto Goyeneche, cantante de tango argentino (f. 1994).
• 1933: Sacha Distel, guitarrista y cantante francés (f. 2004).
• 1936: James Jamerson, bajista estadounidense de Motown Records (f. 1983).
• 1942: Claudine Longet, cantante francesa.
• 1952: Tommy Ramone, baterista húngaro de Ramones.
• 1953: Teresa Teng, cantante taiwanesa (f. 1995).
• 1969: Hyde, músico, actor, cantante y compositor japonés de la banda L’Arc~en~Ciel.
• 1981: Álex Ubago, cantautor español.
• 1981: Jonny Lang, músico estadounidense.
• 1982: Adam Lambert, actor y cantante estadounidense.

Fallecimientos

• 1962: Fritz Kreisler, violinista estadounidense de origen austriaco (n. 1875).
• 1992: Willie Dixon, músico estadounidense de blues (n. 1915).
• 2009: John Martyn, músico inglés (n. 1948).
• 2012: Camilla Williams, soprano estadounidense. (n. 1919).

Nace James Jamerson

 

James Jamerson es uno de los bajistas más influyentes en la historia de la música moderna. Aqui te contamos un poco mas sobre su vida, su equipamiento y set-up.

Biografia

James Lee Jamerson nació el día 28 de Enero de 1936, fue el bajista de la mayoría de los hits de la discográfica Motown Records por allá en los 60’s y 70’s, en el año2000, James entro al Rock & Roll Hall of Fame, como el gran bajista de la Mowton.

Hubo una serie de gigantes en el mundo del bajo a través de los pocos años que tiene este instrumento, pero una de las cosas que muchos de ellos tienen en común es un profundo respeto por una de las primeras figuras del bajo eléctrico moderno: James Jamerson. Uno de los nombres más reconocidos en la escena, el rol de Jamerson en la expansión del rol del bajo en la música moderna es una leyenda. Mientras muchos bajistas innovadores y con mas técnica han aparecido a lo largo de la trayectoria del instrumento, el trabajo pionero de Jamerson sin embargo, le ha ganado un lugar en la lista de instrumentos verdaderamente pioneros.

Entre los bajistas que cuentan a Jamerson como una influencia están Rick Danko, Jack Bruce, John Entwistle,Jason Newsted, Jaco Pastorius, John Patitucci, John Paul Jones, Mike Watt, Geddy Lee, Victor Wooten, Paul McCartney y muchos, muchos más.

El estilo de Jamerson fue una salida distinta del típico rol del bajo en años anteriores, que en gran medida está basado en el uso de la tónica y quintas, y de una rítmica bastante simple. Jamerson construyo sobre esta base, e incorporo más líneas melódicas, a veces casi sirviendo a un rol complementario de la voz líder. El también tendía a tocar mas partes sincopadas, y era conocido por improvisar muchas de sus líneas. Fueron muchas de estas características las cuales formaron el “sonido MOTOWN”.

Antes de dejar su marca en el bajo eléctrico, Jamerson tocaba el contrabajo en un número de Hits. Su instrumento principal era entonces un German double Bass, comprado cuando él era un adolescente, que utilizo para propulsar éxitos como Mary Wells’ «My Guy» yMartha and the Vandellas’ «(Love is Like a) Heat Wave».

Era utilizando el bajo eléctrico que Jamerson haría un impacto mas grande, cuando el utilizo un  Fender P-Bass 1962para potenciar muchos de los éxitos de “MOTOWN” por el cual el alcanzaría renombre. El bajo era en realidad un segundo P-Bass, después de que si primero fuera robado. Este segundo bajo fue llamado “La máquina del Funk”, y diseñado con un espectacular acabado soleado, un pickguard de caparazón de tortuga, y terminaciones cromadas.Desafortunadamente, este bajo fue también robado justo antes de la muerte de Jamerson en 1983, y se encuentra desaparecido desde entonces, lo cual sumado al robo del bajo 1954 Fender Jazz Bass de Jaco nos hace pensar en una conspiración maléfica o en extraterrestres ladrones de los patrimonios de la humanidad!!!

Para lograr su tono característico suave y lleno, Jamerson uso cuerdas La Bella L-760M flatwound (.052-.110) exclusivamente, y se dijo que él nunca cambio las cuerdas. Esto junto con el ya oscuro sonido de las cuerdasFlatwound y su instalación de una pieza de espuma abajo del puente cubierta para amortiguar un poco las cuerdas lo llevo a su distintivo tono duro y compacto. Para la amplificación en los clubs, Jamerson usaba un Ampeg B-15. En lugares más grandes, Jamerson se conectaba a un amplificador Naugahyde Kustom equipado con dos altavoces de 15”. En el estudio, Jamerson simplemente se conectaba a la mesa de mezcla.

Jamerson expandio el rol de el bajo en la música popular, que hasta ese momento por mucho tiempo consistió de tocar Tónicas, Quintas y simples patrones repetitivos, en contraste lo que Jamerson hacia era mas melódico, mas sincopado, y mas improvizacional que todo lo que se había escuchado antes. su manera de tocar era considerada una parte integral del sonido «Motown». el trascendió de ser la «linea de bajo» para crear un dueto con el cantante. entre la lista de bajistas Prominentes que incluyen a James Jamerson como su mayor influencia están grandes como: James Brown’s Bernard Odum, Pino Palladino, Alan Gorrie, Rick Danko, Anthony Jackson, Jack Bruce, John Entwistle, Bernard Edwards, Jason Newsted, Jaco Pastorius, John Patitucci, John Paul Jones, Robert DeLeo, Mike Watt, Billy Sheehan, Geddy Lee, Victor Wooten, Paul McCartney, Mike Mills, Suzi Quatro, Matt Noveskey, Tommy Shannon y Matt Rubano.

Jamerson murió por complicaciones de cirrosis hepática, pulmonía y deficiencia cardiaca en agosto 2 de 1983 en los Angeles. Tenia 47 años y se dice que estaba en quiebra, amargado por su falta de reconocimiento sobre su increible trabajo como bajista, y profundamente deprimido por la muerte de su amigo y dupla musical, el baterista Willam Benny Benhamin.

Un día como hoy, 28 de enero

 

• 1722: Johann Ernst Bach, organista alemán (f. 1777).
• 1791: Ferdinand Hérold, compositor francés (f. 1833).
• 1868: Julián Aguirre, compositor argentino (f. 1924).
• 1875: Julián Carrillo, compositor, director de orquesta, violinista y científico mexicano (m. 1965).
• 1887: Arthur Rubinstein, pianista estadounidense de origen polaco (f. 1982).
• 1894: Fidela Campiña Ontiveros, cantante de ópera española (f. 1983).
• 1930: Luis de Pablo, compositor español.
• 1937: Ken Hill, compositor británico.
• 1943: Dick Taylor, músico británico de la banda The Rolling Stones.
• 1944: John Tavener, compositor británico.
• 1945: Robert Wyatt, músico británico.
• 1946: Carlos Cano, cantautor español (f. 2000).
• 1960: Pato Banton, cantante británico.
• 1963: Dan Spitz, guitarrista estadounidense de la banda Anthrax.
• 1968: DJ Muggs, músico estadounidense de la banda Cypress Hill.
• 1968: Sarah McLachlan, cantante y compositora canadiense.
• 1968: Rakim, rapero estadounidense.
• 1971: Anthony Hamilton, cantautor estadounidense.
• 1977: Joey Fatone, actor y cantante estadounidense de la banda ‘N Sync.
• 1980: Nick Carter, cantante estadounidense de la banda Backstreet Boys.
• 1998: Ariel Winter, actriz y cantante estadounidense.

Fallecimientos

• 1599: Cristofano Malvezzi, compositor italiano (n. 1547).
• 1935: Mijaíl Ipolítov-Ivánov, compositor ruso (n. 1859).
• 1947: Reynaldo Hahn, compositor francés (n. 1875).
• 1983: Billy Fury, cantante británico (n. 1940).
• 2005: Jim Capaldi, músico y cantautor inglés (n. 1944).
• 2007: Karel Svoboda, compositor checo (n. 1938).
• 2009: Billy Powell, músico estadounidense (n. 1952).

 

 NaceJulián Carrillo Trujillo

(28 de enero de 1875 – 9 de septiembre de 1965), fue un compositor, director de orquesta, violinistay científico mexicano dentro de la corriente modernista internacional, considerado por varios especialistas como uno de los más importantes compositores del país y un importante pionero del microtonalismo.

Realizó investigaciones sobre el microtonalismo desde fines del siglo XIX y desarrolló la teoría del Sonido 13, primer intento por formalizar el estudio sistemático del microtonalismo. Fue director del Conservatorio Nacional de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional de México, y fundó la Orquesta Sinfónica Beethoven y la Orquesta del Sonido 13, con sede en Nueva York. Diseñó y construyó pianos y arpas microtonales para interpretar sus composiciones, en un esfuerzo que reunía conocimientos de acústica, resistencia de materiales y teoría musical.

¿Qué pasaría si te dijera que la escala musical no es realmente de 7 notas? 

El modelo musical que utilizamos en Occidente se llama escala diatónica, es el más conocido y se considera la más natural. Compuesta de 8 sonidos –que en conjunto se llaman octava–, esta escala es mejor representada con el patrón que muestran las teclas blancas del piano. Bajo el sistema moderno, la escala diatónica está compuesta por 2 tipos de intervalos: el tono y el semitono; cuantitativamente, tiene 5 tonos y2 semitonos.

Sin embargo, aunque esta escala es la más popular, existen muchas otras –simplemente es cuestión de lógica saber que los sonidos del mundo no pueden ser clasificados en sólo 7 notas–. De hecho, en países como India y varios de Medio Oriente y Oriente lejano, las escalas musicales son bastante diferentes. Es aquí donde parte la teoría de Julián Carrillo sobre los microtonos y escalas tonales alternativas.

¿Quién fue Julián Carrillo?

Julián Carrillo es uno de los músicos más importantes de nuestro país. Fue director del Conservatorio Nacional de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional de México, también fundó la Orquesta Sinfónica Beethoven y la Orquesta del Sonido 13 con sede en Nueva York. Este músico fue reconocido en países de Europa y Estados Unidos, sitios en donde realizó varias giras. Incluso en su momento, Porfirio Díaz reconoció su talento y decidió becarlo para que estudiara en el Real Conservatorio de Leipzig y como reconocimiento a su desempeño le regaló un violín Amati en nombre de la nación.

Bajo su batuta, la Orquesta Sinfónica alcanza un nivel de excelencia, al grado de ser considerada mejor que la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Este éxito permite que la orquesta sea capaz de sostenerse con sus propios recursos. En su repertorio, se incluían composiciones de todas las épocas musicales: desde el barroco hasta el atonalismo y el serialismo. 

¿Qué es el tono 13?

El 13 de julio de 1895, Carrillo inició su trabajo sobre la música microtonal. Al estar en clase de acústica, a Carrillo le fue mostrada la supuesta Ley de Divisiones de Cuerdas, la cual sostiene que si se divide en 2 segmentos una cuerda, cada uno sonará como la octava; si en tres, la quinta; y así sucesivamente. Ese mismo día, Carrillo realizó en su departamento un experimento: utilizando el filo de una navaja presionó la cuerda de su violín en el punto exacto entre las notas sol y la, el resultado es que  obtuvo dieciséis tonos nítidamente diferentes.

Inicialmente, llamó a este estudio Sonido 13, que es el intervalo de un dieciseisavo de tono. Más tarde utilizó el término para denominar así a su sistema microtonal en su totalidad. Este músico logró encontrar ¡4,640 sonidos diferentes en una octava!

Carrillo no se hizo esperar y organizó una Sinfónica alrededor del Sonido 13, en donde todos los instrumentos estaban afinados microtonalmente. En 1934, publica la Revolución musical del Sonido 13, no obstante, su trabajo no ha tenido el suficiente apoyo a lo largo del planeta –incluso en las escuelas de música–.

La única ambición de Julián Carrillo era la de revolucionar la música: transformarla en un –como diría Borges– Aleph de sonidos infinitos con los que el ser humano pudiera expresarse.

 

 

 

 

 

 

 

 

 Nace Arthur Rubinstein

(1886-1982) Pianista polaco, nacido en Lódz y fallecido en Ginebra. Hijo de un matrimonio de industriales y el último de siete hermanos, mostró de niño un precoz talento musical. A los ocho años ingresó en el Conservatorio de Varsovia, donde estudió con el profesor Roziycki. El famosísimo violinista Joseph Joachim, que se había casado con una de sus hermanas, le presentó a Brahms y éste, cautivado por el talento del muchacho, le hizo ir a Berlín a continuar sus estudios con Heinrich Barth, y más tarde con R. Breithaupt, M. Bruch, R. Hahn y Paderewski.

Fue en Berlín también donde inició su carrera de gran virtuoso del piano acompañando a su cuñado Joachim en el Concierto en la de Mozart. En España, donde apareció por vez primera en 1916, demostró su gran conocimiento de la música de Albéniz y Falla.

El temperamento romántico de Rubinstein le permitió interpretar de forma magistral a Brahms, Schumann y Beethoven, pero fue en Chopin donde alcanzó una rica y detallada expresión, un rigor insuperable y la más cálida de las lecturas pianísticas. En el repertorio de Rubinstein no faltaban tampoco los compositores modernos como Ravel, Stravinski, Villa-Lobos y Poulenc. En 1916 el propio rey Alfonso XIII le había proporcionado un pasaporte español para que pudiera viajar libremente en sus recitales en plena I Guerra Mundial, y en 1946, terminada la segunda gran contienda, tomó la nacionalidad estadounidense.

 

Nace Luis de Pablo

(Luis de Pablo Costales; Bilbao, 1930) Compositor español. La figura de este compositor es sin duda la más destacada de la vanguardia musical española. Miembro de la llamada Generación de 1951, aquella que, a partir de ese año, trató de abrir el raquítico y conservador mundo musical español a las corrientes que en Europa renovaron el panorama de la segunda mitad del siglo XX.

A los ocho años comenzó los estudios musicales; también muy tempranamente, con sólo trece años, a componer. La dedicación a la música quedó arrumbada temporalmente por la muerte del padre, que lo obligó a asumir las responsabilidades de la familia, a cursar derecho en la Universidad Complutense de Madrid, en donde se licenció en 1952, y al ejercicio de la profesión, como abogado de la compañía Iberia hasta 1958.

Pero ya en 1954 la BBC de Londres le estrenó Coral eucarístico, y su Quinteto para cuerda y clarinete fue premiado en el concurso Samuel Ros. En 1958 formó el grupo Nueva Música con Ramón Barce y al siguiente asistió a los cursos de verano de Darmstadt, punto de encuentro de la vanguardia europea de la época (Maderna, Boulez, Ligeti, Nono, Stockhausen…), marcada en ese tiempo por el serialismo.

Sus Invenciones (1955-1960) testimonian ya la incorporación de la técnica serialista, y se entrega a una labor divulgadora que, de forma paralela, le ocupará los años siguientes: conferenciante, traductor de la biografía de Schönberg, organizador de los conciertos Tiempo y Música, presidente de las Juventudes Musicales entre 1960 y 1963… Se proyecta internacionalmente con Radial (1960), en el I Festival de Palermo, y en los Festivales de Darmstadt con Libro para el pianista (1961) y Polar (1962), dirigida esta obra por el mítico Bruno Maderna.

 

En la evolución de esos años reemplaza, o compatibiliza, el serialismo con la aleatoriedad, siguiendo la tendencia común de la vanguardia, que en su caso tiene fecha clave en 1965, con la creación del Grupo Alea, el primer estudio de música electroacústica español. Profesor del Conservatorio de Madrid desde 1971, la organización en 1972 de los Encuentros de Pamplona determinaría su exilio temporal: acusado por el régimen de hacerle el juego a la izquierda, y por ETA, que secuestrará a uno de los mecenas del encuentro el industrial Juan Huarte, de apuntalar la dictadura franquista.

Antes de regresar a España, aún con vida el dictador, dará clases en las universidades de Buffalo, Ottawa y Montreal. En los últimos años muestra el interés por las músicas étnicas no europeas, que usa como fuente de inspiración harmónica y melódica. En su catálogo de 2001 figuran más de 130 obras, entre ellas Imaginario II (1967), Zurezko olerkia (1975) y las óperas Kiu (1982), El viajero indiscreto (1988), La madre invita a comer (1992) y La señorita Julia(2000). Las dificultades encontradas para el estreno de esta última hablan de la persistencia de algunas de las condiciones que en 1951 movilizaron a los músicos más inquietos de su generación.

 

 

 

 

 

 

 Nace Dan Spitz

(28 de enero de 1963 en el condado de Rockland, Nueva York) es un guitarrista estadounidense, reconocido por su participación con la banda de thrash metal Anthrax desde 1983 hasta 1995 y de 2005 a 2007. Es hermano del ex-bajista de Black Sabbath, Dave Spitz. 

 

 

 

 

Un día como hoy, 27 de enero

 

Nacimientos

• 1756: Wolfgang Amadeus Mozart, compositor austríaco (f. 1791).
• 1806: Juan Crisóstomo de Arriaga, compositor español (f. 1826).
• 1823: Édouard Lalo, violinista y compositor francés (f. 1892).
• 1885: Jerome David Kern, compositor estadounidense (f. 1945).
• 1885: Eduard Künneke, compositor alemán (f. 1953)
• 1887: Francesco Merli, tenor italiano (f. 1976).
• 1895: Joseph Rosenstock, director de orquesta polaco (f. 1985)
• 1895: Harry Ruby, compositor estadounidense (f. 1974)
• 1908: Oran Page, músico estadounidense (f. 1954)
• 1918: Elmore James, guitarrista de blues estadounidense (f. 1963).
• 1919: Ross Bagdasarian, músico estadounidense (f. 1972)
• 1920: Helmut Zacharias, violonista alemán (f. 2002)
• 1930: Bobby Blue Bland, cantante estadounidense.
• 1935: Juan Pablo Izquierdo, músico, director de orquesta chileno, Premio Nacional de Artes Musicales de Chile.
• 1937: John Ogdon, pianista y compositor británico (f. 1989).
• 1944: Nick Mason, batería británico de Pink Floyd.
• 1947: Björn Afzelius, cantante sueco (f. 1999)
• 1948: Valeri Brainin, musicólogo, gerente de música y poeta ruso-alemán.
• 1948: Jean-Philippe Collard, pianista francés.
• 1951: Brian Downey, batería irlandés (Thin Lizzy)
• 1957: Janick Gers, guitarrista británico de Iron Maiden.
• 1961: Gillian Gilbert, músico británico de New Order.
• 1961: Willie Revillame, actor y cantante filipino.
• 1968: Mike Patton, vocalista estadounidense de Faith No More.
• 1968: Tricky, músico británico.
• 1970: Emmanuel Pahud, flautista suizo.
• 1971: Lil’ Jon, rapero y productor estadounidense.
• 1972: Bibi Gaytán, actriz y cantante mexicana.
• 1972: Mark Owen, cantautor británico.
• 1973: Edith Márquez, cantante mexicana.
• 1975: Leonel García, cantante, músico y compositor mexicano (Sin Bandera).
• 1987: Katy Rose, cantante estadounidense.

Fallecimientos

• 1629: Hieronymus Praetorius, compositor alemán (n. 1560).
• 1731: Bartolomeo Cristofori, constructor e inventor de instrumentos musicales italiano (n. 1655).
• 1901: Giuseppe Verdi, compositor italiano (n. 1813).
• 1901: Regino Martínez Basso, violinista español (n. 1845).
• 1922: Luigi Denza, compositor italiano (n. 1846).
• 1956: Erich Kleiber, director de orquesta austriaco (n. 1890).
• 1972: Mahalia Jackson, cantante estadounidense (n. 1911).
• 1992: Clara Solovera, cantante chilena (n. 1909)
• 2000: Friedrich Gulda, pianista austriaco (n. 1930).
• 2006: Gene McFadden, cantante estadounidense (n. 1948).

 

 NaceJoannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart

Compositor austríaco nacido en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decidió educarlo y, simultáneamente, exhibirlo (conjuntamente con la hermana grande Nannerl –Maria Anna–) como fuente de ingresos. A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Aún hoy en día se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.
El año 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas. Primeramente a Munich y a Viena y, en 1763 los Mozart emprendieron un largo viaje de tres años y medio que supuso para el pequeño Wolfgang valiosas experiencias: conoció la cèlebre orquesta y el estilo de Mannheim, la música francesa en París, y el estilo galante de J.Ch. Bach en Londres. Durante este periodo escribió sonatas, tanto para piano como para violín (1763) y una sinfonía (K.16, 1764).
Ya de regreso a Salzburgo, continuó sus primeras composiciones, entre les cuales encontramos la primera parte de un oratorio, Die Schuldigkeit des ersten Gebots (La obligación del Primer Mandamiento), la ópera cómica La finta semplice, y Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). El año 1769, con 13 años, era nombrado Konzertmeister del arzobispado de su ciudad.
Después de unos cuantos años en casa, padre e hijo marcharon a Italia (1769-71). En Milán, Mozart conoció al compositor G.B. Sammartini; en Roma, el Papa lo condecoró con la distinción de Caballero de la Espuela de Oro y en Bolonia contactó con el padre Martini y realizó con éxito los exámenes de acceso a la prestigiosa Accademia Filarmonica. El año 1770 le encargaron escribir la que es su primera gran ópera, Mitridate, re di Ponto (1770), escrita en Milán. Con esta obra, su reputación como músico se hizo aún más patente.
Mozart volvió a Salzburgo en 1771. De los años inmediatamente posteriores datan los primeros cuartetos para cuerda, las sinfonías K.183, 199 y 200 (1773), el concierto para fagot K.191 (1774), las óperas La finta giardiniera e Il re pastore (1775), diversos conciertos para piano, la serie de concirtos para violín y las primeras sonatas para piano (1774-75).
En 1777 Mozart marchó hacia Munich con su madre, Anna Maria. A la edad de veintiún años Mozart buscaba por las corte europeas un lugar mejor remunerado y más satisfactorio que el que tenía en Salzburgo bajo las órdenes del arzobispo Colloredo, pero sus deseos no se cumplieron. Llegó a Mannheim, capital musical de Europa por aquella época, con la idea de conseguir un puesto en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Posteriormente Leopold envió a su esposa e hijo a París, donde éste estrenó la sinfonia K.297 y el ballet «Les petits riens». La muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber -después del segundo encuentro de Mozart con la familia- y el menosprecio de los aristócratas para los que trabajaba, hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y el retorno a Salzburgo en 1779 fueran un periodo muy difícil en su vida.
Durante los años siguientes compuso misas, las sinfonías K.318, 319 y 338 y la ópera Idomeneo, re di Creta (Munich, 1781), influída por Gluck pero con un sello ya totalmente propio.
El año 1781, Mozart rompe sus relaciones laborales con el príncipe-arzobispo de Salzburgo y decide trasladarse definitivamente a Viena. Allí compone el singspiel Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), encargada en 1782 por el emperador José II.
Este mismo año se casa con Constanze Weber, hermana pequeña de Aloysia; juntos vivieron frecuentemente perseguidos por las deudas hasta la muerte de Mozart.
De esta época data su amistad con F.J. Haydn a quien le dedicó seis cuartetos (1782-85); estrenó también la sinfonía Haffner (K.385, 1785) y otras obras, de expresividad muy superior a la de la música de su tiempo. La llegada de Lorenzo da Ponte a Viena le proporcionó un libretista de excepción para tres de sus mejores óperas: Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790). Muerto ése año Gluck, el emperador José II concedió el cargo de kapellmeister a Mozart, pero redujo el salario, hecho que impidió que saliese del círculo vicioso de deudas. Estas crisis se reflejaron en obres como en el quinteto de cuerda K.516, en las tres últimas sinfonías (K.543, 550 i 551, Júpiter, del 1788), los últimos conciertos para piano, etc., contribuciones ingentes a estos géneros. Los años finales Mozart escribió sus últimas óperas, Die Zauberflöte (La flauta mágica) y La Clemenza di Tito, (1791) -escrita con motivo de la coronación del nuevo emperador Leopold II-. Precisamente mientras trabajaba en La flauta mágica, con libreto de Emmanuel Schikaneder, el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. El Réquiem en Re menor K.626, inacabado por la muerte de Mozart -el 5 de diciembre de 1791- fue su última composición, acabada por su discípulo F.X. Süssmayr.

 

Firma de Mozart (1790).

Mozart se ha considerado el compositor más destacado de la historia de la música occidental y su influencia fue profundísima, tanto en el mundo germánico com en el latíno; su extensa producción incluye casi todos los géneros (desde el lied y las danzas alemanas hasta los conciertos para instrumento, las sinfonías y las óperas), y en cualquiera de ellos podemos encontrar obras maestras que nos hacen recordar la apasionada opinión de Goethe al referirse al compositor: «¿Cómo, si no, podría manifestarse la Divinidad, a no ser por la evidencia de los milagros que se producen en algunos hombres, que no hacen sino asombrarnos y desconcertarnos?».

 

Nace Juan Pablo Izquierdo

Santiago el 21 de julio de 1935.

Inició sus estudios de composición en el Conservatorio de la Universidad de Chile y tuvo como maestros a Juan Orrego-Salas, Carlos Botto y Juan Adolfo Allende.

Luego se trasladó a Alemania, donde fue alumno de Hermann Scherchen.

En 1960 y compartiendo con Ricardo Kistler, Armando Carvajal y Agustín Cullell, dirigió el cuarto concierto de una Temporada de Primavera de la Orquesta Sinfónica de Chile que se realizó en el Teatro Hollywood. Desde ese momento, y hasta 1966, continuó dirigiendo a esta agrupación y también fue invitado a la Orquesta Filarmónica (más adelante fue asistente del Director Juan Matteucci).

En 1966 ganó el Primer Premio del Concurso Internacional para Directores de Orquesta Dimitri Mitropoulos, en Nueva York y fue nombrado Director Asistente de Leonard Bernstein junto a la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

Entre 1990 y 2008 se radicó en Estados Unidos, como Director de Estudios Orquestales en la Carnegie Mellon University School of Music, en Pittsburgh, Pennsylvania

Juan Pablo Izquierdo ha sido Director Titular de la Orquesta Gulbenkian de Lisboa, Titular de la Orquesta Filarmónica de Chile y de la Orquesta de Cámara de Chile. En el Medio Oriente Izquierdo ha dirigido la Orquesta Sinfónica de Jerusalén y la Orquesta de Cámara de Israel. Entre 1974 y 1985 fue director del festival Testimonium Israel en Jerusalén y Tel-Aviv.

En 1976 recibió el Premio de Música otorgado por el Ministerio de Cultura de Israel.

En 2009 fue distinguido con el Premio Presidente de la República.

Sobre el Premio Nacional

Los miembros del jurado que eligieron a Juan Pablo Izquierdo fueron el Ministro de Educación, Harald Beyer; la ganadora del Premio 2010, Carmen Luisa Letelier; el miembro de la Academia Chilena de Bellas Artes Luis Orlandini; el Rector de la Universidad de Chile, Víctor Pérez Vera, y el Rector de la Universidad de La Serena,Nibaldo Avilés.

En la ocasión se destacó «el aporte de Juan Pablo Izquierdo al desarrollo musical nacional en el ámbito del repertorio orquestal y su estímuloa músicos de las nuevas generaciones en Chile y el extranjero».

Nace Nick Mason

 

icholas Berkeley Mason, más conocido como «Nick Mason» nació el 27 de enero del año 1944 en Birmingham, Inglaterra), y es el baterista del que es probablemente el grupo más importante en la historia del rock psicodélico y progresivo, Pink Floyd.

Cuando Nick Mason estudiaba en la «Regent Street Polytechnic», formó junto con Roger Waters, Bob Klose y Richard Wright en 1964 la banda Sigma 6, que posteriormente tras la ida de Klose y la llegada de Syd Barrett se convirtió en Pink Floyd. Desde entonces ha permanecido hasta la fecha en el grupo y aunque es quien tiene menos créditos en la composición de las canciones de Pink Floyd, curiosamente es el único miembro que ha aparecido en todos los discos del grupo.

Ha trabajado también a través de su compañía Ten Tenths, como baterista y productor con músicos como Steve Hillage y Robert Wyatt, baterista con Michael Mantler y productor con The Damned. Mason gusta de coleccionar automóviles clásicos, una afición heredada de su padre, e incluso ha competido como piloto de carreras en grandes torneos y junto a pilotos como Eliseo Salazar. Como fanático de Ferrari, posee diez automoviles de esta marca, y es común que las compañías de automóviles le ofrezcan modelos limitados de lujo que solo son construidos para contados clientes habituales.

En 1985 Roger Waters inició un juicio contra David Gilmour por los derechos del nombre Pink Floyd. Nick Mason permaneció con Gilmour durante todo ese tiempo hasta que en 1986 ambos ganaron los derechos sobre el nombre de la banda y su repertorio.

En julio del 2005 Mason junto con Gilmour, Richard Wright y, por primera vez en 24 años, Roger Waters, tocó nuevamente como Pink Floyd cuatro canciones en el concierto masivo Live 8 en Londres. Tras del reencuentro, Mason quedó en muy buenos términos con Roger Waters e incluso tocó la batería en las dos últimas noches de la gira de Waters en 2002 para la canción de Pink Floyd «Set the Controls for the Heart of the Sun». En el 2006 Mason y Rick Wright participaron con David Gilmour durante su presentación en el Albert Royal Hall en Londres siendo la última presentación del Pink Floyd post-Waters (aunque en realidad fue un show de David Gilmour & Cía). Esa misma formación participó en un tema en el concierto tributo a Syd Barrett. Ese mismo año colaboró nuevamente con Waters en algunos de los primeros conciertos de su gira The Dark Side of the Moon Tour.

 

 

Nace Mike Patton

 

Michael Allan Patton (más conocido como Mike Patton) nació el 27 de enero de 1968, en Eureka, California. Es el vocalista estable de Faith No More y fue de Mr. Bungle. En la actualidad, además de iniciar y ser parte de varios proyectos musicales, es el vocalista de Tomahawk y Fantômas. Este músico es capaz de interpretar diversos estilos musicales como el Pop, Rock, Heavy Metal, Funk, Trip Hop, Jazz, etc. Todos con distintivos tonos y estilos vocales.

La carrera musical de Mike Patton comenzó en 1985, cuando formó el grupo Mr. Bungle, junto a Trevor Dunn (bajista), Trey Spruance (guitarrista) y Jed Watts (baterista). En enero de 1989, Patton recibe una invitación de los integrantes de Faith No More para formar parte de su grupo, dado que habían tenido problemas con su vocalista anterior, Chuck Mosely. Patton acepta, pero con la condición de poder seguir tocando junto a Mr. Bungle. En 1990, Faith No More se lanza a la fama con el single Epic. Ocho años después, por problemas internos, la banda se separa. Algunos de sus álbumes son: The Real Thing (1989), Angel Dust (1992), King For A Day…Fool For A Lifetime (1995) y Album Of The Year (1997).

Junto a Mr. Bungle, se desarrolla una historia paralela. El éxito de Patton junto a Faith No More les permite firmar un contrato con la compañía disquera de Warner Bros. En 1991, lanzan su primer álbum, homónimo. El trabajo junto a Mr. Bungle se hace muy esporádico dada la copada agenda de Patton junto a Faith No More. Lanzaran dos álbumes más antes de separarse: Disco Volante (1995) y California (1999).

En 1998, luego del quiebre de Faith No More, Patton comenzará a concretar un nuevo proyecto llamado Fantômas. A él se unirán el bajista Trevor Dunn (ex Mr. Bungle), el guitarrista Buzz Osborne (de The Melvins) y el baterista Dave Lombardo (de Slayer). En 1999, junto a Greck Werckman, fundará un compañía disquera llamada “Ipecac Recordings”, la cual será inaugurada con el lanzamiento del primer disco de Fantômas, titulado homónimamente (se le suele llamar “Amenaza Al Mundo” debido a la imagen que aparece en la carátula, pero oficialmente fue titulado con el nombre del grupo). Los siguientes discos que Fantômas ha lanzado son: Director’s Cut (2001), Delirium Cordia (2004) y Suspended Animation (2005).

En el año 2001, Patton será convocado por el guitarrista Duane Denison (ex The Jesus Lizard) para formar el grupo Tomahawk. Llegarán también el baterista John Stanier (ex Helmet y actualmente tocando también con Battles) y el bajista Kevin Rutmanis (de The Melvins). El siguiente año, lanzarán su disco homónimo bajo la compañía discográfica de Patton. En el 2003, lanzan su segundo disco, titulado Mit Gas.

En el año 2006 Patton materializa el largamente esperado proyecto Peeping Tom. Con el nuevo trabajo, Patton da un nuevo giro a su carrera artística creando el producto más comercial desde Album of the Year (Faith No More), donde prima la fusión de géneros musicales. Con Peeping Tom Patton logra reenfocar su nuevo trabajo hacia la cultura pop, componiendo temas para colaborar específicamente en su ejecución con artistas como Norah Jones, Massive Attack, Rhazel o Bebel Gilberto.

A lo largo de su carrera, Patton ha colaborado con músicos y grupos como: Sepultura, Dillinger Escape Plan, John Zorn, The Melvins, Lovage y Bjork entre otros.

En 2007 Patton regresó con varios proyectos novedosos; uno de ellos es Mondo Cane, música clásica jazzera de italia de los años 50’s. inciativa que se concreta en Bolognia, Italia, junto a Eyving kang con el disco virginal co-ordinates. También participó en la película Soy Leyenda interpretando las voces de los infectados. También ha participado vocalmente en algunos videojuegos como «The Darkness», «The Portal», «Bionic Commando» y «Left 4 Dead».

En el 2008, Patton se adentra por primera vez en la composición de la banda sonora de una película «A perfect place».

En Febrero de 2009, Faith No More anuncia su regreso, programando conciertos en Europa. Según su sitio oficial, la formación sería la misma con la que se separaron (1997-1998).

 

 

Un día como hoy, 26 de enero

Nacimientos

• 1905: María von Trapp, cantante austriaca (m. 1987).
• 1908: Stéphane Grappelli, violinista francés de jazz (m. 1997).
• 1913: Jimmy Van Heusen, compositor estadounidense de canciones (m. 1990).
• 1924: Alice Babs, cantante y actriz sueca.
• 1932: Coxsone Dodd, productor jamaicano de música reggae (m. 2004).
• 1945: Jacqueline du Pré, violonchelista británica (m. 1987).
• 1947: Michel Sardou, cantante francés.
• 1953: Lucinda Williams, cantante y compositora estadounidense.
• 1954: Miguel Mateos, cantautor y tecladista argentino.
• 1955: Eddie Van Halen, guitarrista de la banda Van Halen.
• 1955: Lucía Méndez, actriz, cantante y empresaria mexicana-estadounidense.
• 1956: Imelda Papin, cantante filipina.
• 1958: Anita Baker, cantante estadounidense.
• 1961: Tom Keifer, músico estadounidense (Cinderella).
• 1963: Andrew Ridgeley, músico británico (Wham!).
• 1981: Gustavo Dudamel, director de orquesta y músico venezolano.
• 1983: Gilberto Bibi Marín, guitarrista mexicano (Reik).
• 1986: Matt Heafy, vocalista y guitarrista de Trivium.
• 1986: Patricio Sardelli, guitarrista argentino, líder del grupo Airbag.
• 1986: Hero Jaejoong, actor surcoreano, cantante de la banda TVXQ.
• 1988: Mia Rose, cantautora británico-portuguesa.

Fallecimientos

• 1795: Johann Christoph Friedrich Bach, compositor alemán (n. 1732).
• 1947: Grace Moore, soprano y actriz estadounidense (n. 1898).
• 1974: Julius Patzak, tenor austriaco (n. 1898).
• 1985: Kenny Clarke, baterista estadounidense de jazz (n. 1914).
• 1998: Shinichi Suzuki, profesor japonés de violín (n. 1898).

 

 

Nace Stephane Grappelli

Stephane Grappelli nació en París el 26 de septiembre de 1908. Huérfano de madre desde los 3 años, comenzó sus primeros contactos con la música en la escuela de la famosa bailarina Isadora Duncan, hasta que la Primera Guerra Mundial le hizo pasar cuatro años de penurias y pobreza, lo que él llamó su etapa “dickensiana”.

A los 10 años su padre lo rescató del orfanato y comenzó su formación musical con el violín, estudió solfeo y acudiendo a conciertos de música clásica; Debussy y Ravel, etc.

Sus primeras actuaciones públicas fueron en la calle, recorriendo los patios de Paris para recibir el dinero que se arrojaba a los músicos desde las ventanas. A los 12 años se matriculó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de Paris, donde durante sólo tres años recibió su única formación “seria”.

A los 15 años su padre marchó a Estrasburgo y Stephane se quedó solo en Paris, viviendo de lo que ganaba en la calle. Cierto día le ofrecieron sustituir a un violinista segundo en una de las orquestas que por entonces amenizaban las películas mudas. Así estuvo tocando durante un año, durante el cual descubrió el jazz. Más tarde comenzó a participar en actuaciones de todo tipo: escuelas de baile, hoteles de lujo, etc.

En la década de los años 20 comenzó a tocar  más el piano ya que era el tipo de trabajo que más abundaba. Conoció la música de grandes del jazz del momento como Louis Armstrong, Joe Venuti y Eddie Lang. Cuando llegó la época de la Depresión, se encontraba tocando el piano con una banda jazz llamada Gregor and his Gregorians. Y fue el líder de este grupo el que le convenció para que retornara al violín.

El momento decisivo

 

El encuentro que revolucionó la música de jazz sucedió así:

En 1931, Django Reinhardt se acercó a Grappelli en el Montparnasse jazz-and-tango club Le Croix du Sud, y le dijo que andaba buscando un violinista que tocara “hot” para una nueva banda que estaba formando. Grappelli rehusó en un principio a esta proposición aludiendo al “aspecto siniestro” como “de gangster sacado de una película americana” de Django, con “la piel color café con leche y el pelo grasiento y negro como el carbón”.

Como se ve, en un principio ambos personajes parecían opuestos: un vividor de origen gitano, aires chulescos y una genialidad musical endiablada con un perpetuo cigarrillo colgando de sus labios frente a un bohemio pero más comedido Grappelli. A pesar de esa primera mala impresión de nuestro violinista, coincidieron de forma informal un par de veces y tocaron algunos temas, dándose cuenta de la gran afinidad que tenían improvisando jazz.

Así que se unieron oficialmente en 1934 y, junto a varios colaboradores, fundaron el mítico Hot Club de Francia, una extravagante (para la época) formación de tres guitarras, bajo y violín. El genio gitano de los solos de guitarra de Django y el delicioso swing de Grappelli se fundieron durante cinco años y se materializaron en unas cuantas grabaciones inmortales que definieron en gran medida el jazz de principios de la primera mitad del siglo XX.

La Segunda Guerra Mundial acabó con la formación, y dejó a Grappelli desorientado. Tocó en restaurantes, luchó contra enfermedades, acudió a programas de radio, realizó una gira, formó cuartetos y quintetos, apareció en programas de televisión de variedades. Cuando terminó la guerra, se centró en tocar en salas de baile y cabarets, que le proporcionaron un sustento más o menos constante.

Olvido y resurgimiento

Pero en aquel entonces, el “gypsy jazz” de Grappelli ya no estaba de moda. Durante los años 50 y buena parte de los 60 fue casi olvidado. Tuvo un breve resurgimiento a la muerte de Reinhardt, en 1953, por la moda que siempre valora a quien ha desaparecido, y también participó en grabaciones con uno de sus ídolos, el violinista Stuff Smith, quien tocaba en una banda junto a Oscar Peterson.

Desde entonces Grappelli ha participado en infinidad de “cumbres violinísticas”. En 1963 grabó una sesión con el violinista danés Svend Asmussen y con Duke Ellington. En 1966, con el joven por aquel entonces Jean-Luc Ponty más de nuevo Asmussen y Stuff Smith.

Pero fue a partir de 1969 cuando fue encumbrado al lugar de honor que aun hoy conserva. Se volvieron a escuchar sus viejos temas y grabó con numerosos músicos, colocando muchos temas en las listas internacionales de jazz. Entre sus colaboraciones destacó la de Yehudi Menuhin, quien dijo de él:

“Es un hombre al que envidio casi tanto como quiero, puede tocar cualquier tema para expresar cualquier matiz, nostalgia, brillantez, agresividad, desprecio, con un velocidad y la precisión que producen incredulidad. “

Es curioso ver en este vídeo al gran maestro Menuhin, como observa a Grappelli, intentando improvisar con esfuerzo, mientras el francés toca con una despreocupación absoluta

Grappelli se convirtió a través de Menuhin en maestro y mentor de Nigel Kennedy. Parecía que el gran Grappelli seguía buscando un compañero musical con el que alcanzar las cotas musicales que vislumbró con Django. Alguien que le pinchara para tocar “hot” que lo llevara fuera de su deliciosa pero ya establecida y quizás estancada forma de tocar. Con sus eternas camisas hawaianas grabó con el violinista indio Submaraniam, con Didier Lockwood, el francés Jean Luc Ponty, el cellista Yo-Yo Ma, los pianistas Oscar Peterson, y Michel Petrucciani, y muchos más.

Seguramente tantos compañeros de viaje son consecuencia de la clásica promiscuidad musical de los músicos de jazz. Pero a mí me da por pensar que tal vez buscaba otro Django en cada colaboración.

Murió el 1 de diciembre de 1997.

El último álbum publicado de Grappelli se llama Djangology, un tributo a su mejor compañero musical, el que lo llevó a explorar sus límites como nadie nunca más volvió a hacerlo y al que tal vez añoró hasta el final.

En sus últimos días, el bueno de Grappelli aún estaba en plena forma, aunque obviamente ya sin el fuego de su época de juventud, y tocando de un modo menos punzante.

 

https://www.youtube.com/watch?v=QAaOI0cAjhc

 

Nace

Jacqueline du Pré

 

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=OPhkZW_jwc0

 

 

Nace Miguel Mateos

El músico argentino de nombre Miguel Angel Mateos naca en el barrio de Pueyrredón, en la provincia de Buenos Aires, Argentina el día de 26 de enero de 1953.
El joven se comienza a involucrar con la música en el año 1963, cuando su madre le comienza a enseñar  tocar el piano, con quien crea una relación importante, y luego a los 12 años de edad Miguel decide formar un grupo de rock que se llamaría «Cristal».
Este grupo ya en el año 1969, llega a la final de un concurso organizado por la revista «Pinap», pero a pesar de tanto esfuerzo no consiguen ganar, pero a pesar de la tristeza queda registrado como un buen antecedente para el compositor.
Al llegar el año 1973, Miguel decide entrar a estudiar en el «Conservatorio Municipal Manuel de Falla», y allí mismo decide especializarse en guitarra, piano, canto y composición, sin dejar ninguna de sus pasiones afuera.
«ZAS» nace en el año 1979, es un grupo musical que ha presentado una buena formación con Miguel Mateos en guitarra, teclados y voz; Alejandro Mateos en batería; Jorge Infusino en bajo y Omar Moretti primero y luego Tito Infusino en guitarra. Y cuando todo estaba en marcha Zas se echaría al ruedo.
Desde las primeras presentaciones del grupo, se logra percibir que Miguel era el más talentoso como compositor y que mostraba como actitudes de lider.
Y motivado por esa imagen, Miguel en el mes de noviembrE parte hacia Estados Unidos para mostrar unas cintas de temas suyos, y tras conocer a un importante productor logra establecer contacto con «Quenn».
Así es como en 1981, Zas es el grupo soporte en los 3 mega-recitales de «Queen» en el Estadio de Velez, en febrero. A pesar de varias críticas por llegar allí sin escala, Zas presentaba shows muy profesionales que le valdrán alguno que otro reconocimiento.

Al año siguiente, Zas edita su disco debut bajo la etiqueta «Sazam», propiedad del productor Oscar López, y que lleva como título simplemente «Zas». Este presenta una mezcla de pop y rock muy cuidada y meticulosamente arreglada, el cual es presentado en el Auditorio de Buenos Aires, ante escasa cantidad de público.
Y al poco tiempo llega el segundo disco llamado «Mandando todo a Singapur» el cual es producido por Miguel Mateos y por Oscar López.
Al llegar 1983, se intenta consolidar su nueva formación, pero no puede hacerlo, pese al buen resultado logrado, Pablo Guyot abandona la banda apenas termina de grabar «Huevos», disco que se convertiría en uno de los mejores disco del año y su repercusión, mínima en números pero interesante en difusión, haría que la banda creciera unos cuantos escalones.
Al año siguiente, con nueva formación de Zas, se incorporan Raúl Chevalier en bajo y a Eduardo «El Chino» Sanz en guitarra , y con ellos los Mateos entran a estudio para registrar el tercer álbum de Zas, el que se edita en mayo bajo el título «Tengo que parar». Este disco obtuvo una resonante repercusión en las radios que multiplicó la popularidad del grupo, y así es como llegan al Estadio Obras
En el año 1985, sale a la luz el quinto integrante en la banda, Julio Lala en teclados, y así es como «Tengo que parar» se revela como un disco sumamente exitoso y Zas prometía dar sorpresas.
Su álbum siguiente llamado «Rockas Vivas», sale a la venta con una demanda formidable que lo convierten en disco de platino, y que llegaría a vender más de 500.000 discos solo en Argentina, convirtiéndose en el disco más vendido del rock argentino de todos los tiempos.
En el año 1986 llega la grabación de un maxi-simple llamado «Mensajes», el cual contiene sólo 2 canciones, y con este disco recibe un año de pocas presentaciones en la Argentina y de proyección al exterior del país, con una nuevamente renovación en la banda, a la cual ingresan Cachorro López en bajo y Carlos «El Negro» García López en guitarra. Ellos continuan presentándose en Chile y Perú, Miguel termina en New York la grabación de un álbum doble a editarse a fin de ese año, el cual se llamaría «Solos en América». Este disco es co-producido con Kim Bullard y mezclado por Brian Malouf, ha sido presentado en una gira por Latinoamérica de donde comenzó el excepcional éxito que tendría Mateos a nivel continental.

En el año que continua, comienza una increíble gira en Argentina, en el mes de julio realizan dos presentaciones en el Estadio Obras, en las cuales Carlos García López abandona la banda para incorporarse a la banda de Charly García y es reemplazado por Ulises Butrón .
Y con la nueva formación se graba y posteriormente se edita «Atado a un sentimiento», disco con el que termina de consolidarse en el mercado latino de Estados Unidos y Centroamérica, y del cual sobresalen solos como «Atado a un sentimiento»,»Y, sin pensar» y «No me dejes caer».
Es en 1988, que cirran su gira por la Argentina en un multitudinario concierto para más de 70.000 personas en Mar del Plata y en marzo emprenden una nueva Latinoamericana en México, tocando en las más importantes lugares. Pero para cerrar este año Miguel Mateos decide finalmente a pesar de varios intentos abocarse de lleno a su carrera solista.
Así es como al año siguiente, se radica en Los Angeles y desde allí planea todos sus pasos, atento al éxito que lo acompaña en México. Comienza con su exitosa presentación en «The Palace», de la ciudad de Los Angeles, y ese oncierto ha sido auspiciado por MTV Internacional, el cual ha sido fundamental para la creación de MTV Latino.
Sin poder parar, en enero y febrero del año siguiente, Mateos se anima a una gira que abarca doce ciudades de USA, lo cual le brinda interesantes posibilidades.
Entre sus actos seguidos, si bien han surgido en cantidad, se distinguen pocos; como ha sucedido en 1991, al ser invitado a participar en el festival de la Canción de Viña del Mar, y luego se presenta en el Teatro Operay en varias ciudades de América. Así es como Mateos con premio en mano continúa presentándose en toda América, de manera que edita «Kryptonita» , un disco que es vuelta al sonido pop de «Huevos», aunque aggiornado y cuenta con la colaboración de su hermano Alejandro y la participación de importantes músicos: como parte de las cuerdas de la orquesta Filarmónica de Los Angeles, dirigida por el maestro Jorge Calandrelli.
Al llegar el año 1993,  Miguel Mateos edita «Coctel», su segundo disco en vivo y último para BMG, el cual muestra una compilación de temas en vivo de los últimos tiempos, con cuatro temas nuevos como «Beso francés».
Y en 1994, con banda nueva sorpresivamente llega el nuevo álbum solista de Mateos en Buenos Aires, llamado «Pisanlov», y es el que profundiza en el sonido pop-rock que había rescatado en Kryptonita.
Al llegar el año 1998, después de varios trabajos y presentaciones de su último trabajo,  Mateos firma contrato con el sello Universal, con quien luego de varias ideas y vueltas edita «Bar imperio» que en los primeros días se convierte en disco de oro. Seguido el año, continua presentando el último proyecto con la gira por Argentina, y en el mes de septiembre llega el video «Bar imperio» es nominado por la cadena MTV como «Video de la gente».

En el tan ansiado 2000, Miguel ya cuenta con más de 20 años de carrera, más de 3.000.000 de discos vendidos y más de 1.300 conciertos realizados, y como no podía faltar en este año inaugura su propio sello independiente «La Cabula». Su primer trabajo en esta discográfica se llama «Salir vivo», es un disco doble en vivo, con 25 canciones donde 7 son inéditas y resto conocidas.

https://www.youtube.com/watch?v=kjZ7aeEkung

 

Nace Eddie Van Halen

Uno de los guitarristas más prodigiosos de todos los tiempos sin duda Eddie Van Halen es una leyenda viviente de la música; nació el 26 de enero de 1955 en Amsterdan, Holanda con el nombre de Edward Lodewijk Van Halen. En el año 1967 se muda con su hermano Alex y sus padres a California, Estados Unidos en donde comienzan a recibir clases de música impulsados por su padreJan Van Halen quien también fue músico.

Eddie y su hermano Alex siguieron clases de piano, durante muchos años ambos daban recitales de piano pero a medida que crecían se dieron cuenta de su verdadera inclinación musical, Alex comenzó a aprender a tocar la guitarra mientras que Eddie se hacía diestro en la batería, por esas casualidades de la vida en ausencia de Eddie, Alex practicaba con la batería de su hermano y pronto se dio cuenta que su talnto estaba en la percusión lo cual no fue problema para Eddie quien tomó la guitarra e hizo lo mismo que su hermano.

Durante su etapa de estudiante no solo tocaban en reuniones familiares sino que tuvieron oportunidad de tocar en bandas como invitados para conciertos locales, para el año 1972 conocen a David Lee Roth quien en ese entonces era integrante de la banda “The Red Balls Jet“, conversaron y acordaron en formar una nueva banda a la que pronto se integraría el compañero de estudios de los hermanos Van Halen el bajista Michael Anthony así nació la banda de nombre “Mamooth”, pero pronto se darían cuenta que ya existía una banda con ese nombre así que optaron por nombrarse “Van Halen” en 1976.

El orate bajista de la banda reina del maquillaje “Kiss”  Gene Simmons pudo escuchar la música de Van Halen en un club y sin pensarlo mucho les ayudó en la grabación de unos demos los cuales llegaron pronto a la casa discográfica “Warner” con quienes grabaron su primer Álbum de nombre “Van Halen”, rápidamente captaron la atención del público sobre todo el femenino y no solo por sus canciones, David Lee Roth hacía todo un espectáculo con la energía que derrochaba en el escenario, los conocedores de música centraron su atención en Eddie Van Halen y su talento en la guitarra siendo considerado posteriormente como un innovador en cuanto a técnicas para tocar la guitarra eléctrica. La constancia y el talento de Eddie lo colocó en un nivel mucho más alto en cuanto a habilidad para tocar este instrumento, siempre se destacó por la pasión que le ponía a cada acorde así como la capacidad de improvisar en el escenario.

Eddie Van Halen tuvo influencias de míticos guitarristas como Jimi Hendrix, Jimmy Page de Led Zeppellin y Brian May guitarrista de Queen, en el año 1984 colaboró con Michael Jackson en su álbum “Thriller” específicamente en la canción “Beat It” la cual lleva un espléndido solo de guitarra con el sello inconfundible de Van Halen, sin embargo esto causó conflictos internos en la banda llevando a David Lee Roth a lanzar su propio disco en solitario sin decir nada al resto de la banda, luego terminaría dejando la banda. Eddie comenzó la búsqueda de un nuevo vocalista para la banda lo cual fue sabido por todos incluso por el mecánico que le hacía unos arreglos al lujoso Lamborghini de Eddie, el mecánico puso en contacto con otro conocido guitarrista y cantante Sammy Hagar quien pasó la audición sorprendiendo gratamente a Eddie pues además de tener una excelente voz para el canto también tocaba muy bien la guitarra, para el año 1988 tuvieron varios éxitos con canciones como “When It’s Love”, “Finish what Ya Started”, “Cabo Wabo” entre otros.

Durante una década el grupo tuvo una destacable discografía con Eddie Van Halen y Sammy Hagar a la cabeza, culminada esta etapa Sammy Hagar es separado del grupo por razones aún no esclarecidas siendo sustituído por el ex vocalista de “Extreme” Gary Cherone. Con Gary integrado a la banda lanzan el álbum “Van Halen 3″ en 1998 retomando el clásico estilo de la banda en sus inicios, a pesar de la buena interpretación de la banda en el escenario los fanáticos fueron disminuyendo en número tanto en conciertos como en venta de discos. Al año siguiente Gary Cherone fue separado de la banda pero a diferencia de los casos anteriores esta vez el vocalista se fue quedando en buenos términos con Eddie y el resto del grupo.

La salud de Eddie Van Halen fue deteriorándose, en el 2002 comienza su tratamiento para combatir el cáncer de garganta que le fue detectado, siempre fue fumador pero dejó el tabaco durante su tratamiento y prometiendo no volver a fumar, pues rompe su promesa cuando logra superar su batalla contra el cáncer pues continuó con su adicción al tabaco. En el 2004 Van Halen anuncia su gira dentro de Estados Unidos reuniéndose con Sammy Hagar con quien lanzan el álbum “Best of Both Worlds”.

Eddy Van Halen tiene gustos especiales por guitarras de marcas Fender, Gibson y Kramer aunque también es conocido por “tunear” sus guitarras. Estuvo casado con Valerie Bertinelli con quien tuvo un hijo al que llamó Wolfgang Van Halen lo hizo en honor a Wolfgang Amadeus Mozart, se separó de Valerie en el 2002 según ella por romper su promesa de dejar el cigarro el cual casi le causa la muerte con un cáncer a la garganta.

 

Un día como hoy, 25 de enero

Nacimientos

• 1868: Juventino Rosas, compositor mexicano (f. 1894).
• 1886: Wilhelm Furtwängler, director de orquesta y compositor alemán (f. 1954).
• 1912: Lucho Bermúdez, compositor e intérprete colombiano (f. 1994).
• 1912: Federico Heinlein, músico y periodista chileno (f. 1999).
• 1913: Witold Lutosławski, compositor polaco (f. 1994).
• 1917: Federico Sopeña, musicólogo español (f. 1991).
• 1927: Antonio Carlos Jobim, compositor brasileño (f. 1994).
• 1938: Etta James, cantante estadounidense.
• 1963: Marcello Giordani, tenor italiano.
• 1981: Toše Proeski, cantante macedonio.
• 1981: Alicia Keys, cantante estadounidense.
• 1982: Shō Sakurai , actor y cantante japonés.
• 1982: Noemi, cantante italiana.

Fallecimientos

• 1996: Jonathan Larson, compositor del musical «Rent» (n. 1960).
• 1999: Robert Shaw, director de orquesta estadounidense (Orquesta Sinfónica de Atlanta) (n. 1916).

Nace Federico Heinlein

Federico Heinlein Funcke nació el 25 de enero de 1912 en la ciudad alemana de Berlín. Su infanciatranscurrió entre Alemania y Argentina, país en el cual terminó la educación escolar y comenzó sus estudios de música, que prosiguió en su natal Alemania. Entre la poesía y la música, sus dos grandes pasiones, se decidió por la última.

Al comenzar la Segunda Guerra Mundial, a fines de los años treinta, Heinlein regresó a Buenos Aires. Casado, en 1933, con una mujer argentina con quien tuvo una hija, trabajó como pianista acompañante en el Teatro Colón de esa ciudad. Ahí conoció a los directores de orquesta Fritz Busch y Erich Kleiber, de quienes fue asistente y traductor entre 1935 y 1940. Cuando Kleiber vino a Chile junto a su familia en 1940 a dirigir la naciente orquesta sinfónica, Heinlein, ya separado, se vino con los Kleiber a Chile a la edad de 28 años. Junto con Fritz Busch, las señoras Cora Bindhoff, una de las principales gestoras de la educación musical del país, y Elisa Bindhoff, esposa de André Breton, lo convencieron de que había mucho por hacer en la música chilena.

A su llegada a Chile, conoció a Inés Santander, quien lo acompañó hasta sus últimos días. Vivió más de diez años en Viña del Mar dando clases de piano y oficiando como pianista acompañante.

En 1952 llegó a Santiago, donde inició su carrera docente. Desde su llegada a la capital comenzó a hacer crítica musical en periódicos y diversos medios especializados, labor que lo llevó a formar parte del Círculo de Críticos de Arte desde 1957.

A partir de 1950 se hizo conocida su obra musical como compositor, que hasta entonces había permanecido en reserva. Se sucedieron muchos estrenos y encargos por parte de diversas instituciones, trabajos que dieron forma a un catálogo que rodea las cincuenta obras. Fue miembro de la Asociación Nacional de Compositores (ANC) desde 1952, en representación de la cual viajó a diversos países.

En 1960 le fue otorgada la nacionalidad chilena. Recibió, entre otros, el Premio Nacional de Música en 1986, año en el que coincidieron varios homenajes para el compositor. Otro reconocimiento que se le entregó fue la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral, en 1985.

Desde 1989, a sus 77 años, y reemplazando a Domingo Santa Cruz a su muerte, fue miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes, institución que él llamaba «el Senado de la Cultura» («Federico Heinlein: los medios de comunicación deberían favorecer auge de la crítica de arte». El Mercurio, 27 de abril de 1989, C12).

Falleció el 24 de marzo de 1999 en Santiago.

 

https://www.youtube.com/watch?v=SJ0SJSHqP4U

 

 

 

Nace

Witold Lutowlaski

 

25 de enero de 1913 enVarsovia.

Cursó estudios de piano, composición y matemáticas. Recibió lecciones de piano y violín de Smidowicz y Kmitowa. Alumno de Lefeld y de Maliszewski.

En la II Guerra Mundial escapó de un campo de concentración y trabajó como pianista en cafés.

 

En sus primeras obras, como el Concierto para orquesta (1954), aparecen las influencias del compositor húngaro Béla Bartok sobre el uso de temas folclóricos. Su Musique funèbre (1958) está dedicada a la memoria de este compositor.

Tras el dictamen negativo recibido por su primera sinfonía, bajo la excusa de que «la disonancia es el enemigo del pueblo», pasa por un periodo de experimentación con fuertes referencias bartókianas.

En el año 1961 conoció al compositor estadounidense John Cage. Inicia la inclusión en sus composiciones secciones ad libitum, es decir, la partitura de cada instrumento es independiente de la de los demás en cuanto a la coordinación rítmica de los instrumentos. Desde entonces éste ha sido uno de los elementos característicos de sus obras. La mayoría de sus obras subsiguientes son orquestales, totalmente cromáticas, elegantemente orquestadas a la manera de Debussy y Ravel, y desarrolladas a partir de la oposición entre texturas aleatorias y métricas. Este grupo de composiciones incluye sus Segunda (1967), Tercera (1983) y Cuarta (1993) sinfonías, el Concierto para violonchelo (1970), el Concierto para oboe y arpa (1980) y puestas en escena de poemas franceses con coros (Tres poemas de Henri Michaux; 1963), tenor (Paroles tissées; 1965) y barítono (Les espaces du sommeil; 1975). Durante este periodo también manifestó actividad internacional como profesor y director de su propia música.

En 1985 fue galardonado en España con el Premio Reina Sofía de composición. También recibió el Premio de la Unión de Compositores Polacos en 1959 y 1973, tres primeros premios de la UNESCO(1959, 1964, 1968) y el Premio del Ministerio de Cultura y de las Artes de Polonia y los premios Koussevitalci, Ravel y Sibelius. Fue miembro de la Real Academia Sueca de Música y doctor honoris causa del Instituto de Música de Cleveland y de las Universidades de Chicago y Varsovia.

Witold Lutoslawski falleció en Varsovia el 7 de febrero de 1994.

 

 

Nace  Antonio  Carlos Jobim

 

Nació el 25 de enero de 1927 en el barrio de Tijuca de Rio de Janeiro.

De muy joven se traslada con su familia a Ipanema, entonces una playa deshabitada de Rio.

Tenía 3 años cuando los padres se separaron. Él y su hermana Helena permanecieron con su madre, que al poco tiempo contrajo segundas nupcias con quien Jobim recordó como «El único padre que conocí».

Siendo casi un niño ya tocaba el piano en los bares. A mediados de los años 50´ del siglo pasado participa en el movimiento de la bossa nova, que comienza a surgir en la ciudad de Rio, junto con músicos como João Gilberto, Menescal, Carlos Lyra y Johnny Alf entre otros.

El movimiento se desarrolla principalmente en los clubes de la playa de Copacabana entre jóvenes músicos fascinados por el Jazz y que consiguen encontrar una fórmula intermedia entre la samba brasileña y los ritmos y melodías afro-americanas.

En el exterior comienza a ser conocida a partir de un festival en el teatro Carnegie Hall en Nueva York, en 1962, con la presencia de sus principales exponentes.

En el año 1956 conoce a Vinicius de Moraes y con su colaboración consigue el éxito con «Orfeu da Conceiçao«. La historia es llevada a la gran pantalla con el título de Orfeu negro. Para esta versión cinematográfica compuso canciones como «A Felicidade«.

Autor de «Garota de Ipanema«, popular en todo el mundo, bossa nova compuesta en 1962, con letra de Vinícius de Moraes y a la que primero se tituló «Menina que passa». El 19 de marzo de 1963 se grabó para Verve por el saxofonista Stan Getz y João Gilberto, con Jobim al piano, y en 1967, Frank Sinatra hace un disco con Tom Jobim.

Antonio Carlos Jobim falleció el 8 de diciembre de 1994 en el Hospital Monte Sinai de Nueva York.

 

https://www.youtube.com/watch?v=uadORQdlb9k

 

Nace  Alicia Keys

 

 

Hoy cumple 37 años la actriz, cantante, compositora y productora norteamericana de soul y R&B Alicia Keys, nacida en Manhattan (New York), considerada la actual reina del Rhythm & Blues. Ha recibido hasta la fecha 15 Grammys y ha vendido más de 30 millones de copias de los cinco álbumes que ha grabado desde su debut  ‘Songs in A Minor’ en 2001.

Hija de un auxiliar de vuelo afroamericano y una cantante de musicales de ascendencia italo-irlandesa, se crió tras la separación de sus padres en el barrio neoyorquino de Hell’s Kitchen, donde entró pronto en contacto con la música de Marvin Gaye, Donny Hathaway, Lauryn Hill y Stevie Wonder. Con cinco años tomó clases de ballet y piano, en el que interpretaba sólo piezas de compositores clásicos como Mozart, Beethoven y su favorito, Chopin. A los dieciséis años concluyó prematuramente sus estudios. A pesar de obtener plaza en la Universidad, prefirió dedicarse  profesionalmente a la música y firma con Columbia Records, sello con el que graba su primera grabación profesional ‘Dah dee dah (Sexy thing)’, que se incluyó en la banda sonora del film ‘Men in Black’ (1997).

Alicia graba la maqueta de un álbum, que es rechazado por lo que rompe su relación con la discográfica y se marcha al nuevo sello de Clive Davis, J Records, en el que graba su álbum debut, ‘Songs in A Minor’(2001), componiendo, arreglando y produciendo la mayoría de los temas del álbum. Contrariamente a lo que sugiere el título, el disco sólo contiene una canción en tono de La menor, ‘Jane Doe’. El álbum fue un éxito –Rolling Stone lo nombró segundo mejor álbum del año- consiguiendo 5 premios Grammy vendiendo hasta la fecha más de 12 millones de copias. El single ‘Fallin’ permaneció seis semanas en el nº1 del Hot100 de Billboard.

Su segundo álbum ‘The Diary Of Alicia Keys’(2003) no le fue a la zaga, vendiendo ocho millones de copias y ganando cuatro premios Grammy. Contenía éxitos como ‘You don’t know my name’, ‘If I ain’t got you’ y ‘Diary’. En 2005 publicó un ‘MTV Unplugged’y a continuación, tras aparecer como artista invitada en diversas series de TV como el Show de Bill Cosby y ‘Embrujadas’, hace su incursión en el cine realizando un papel coprotagonista en el fim ‘Smokin’ Aces’ junto a Ben Affleck y Andy García al que siguió otro papel en ‘Diario de una niñera’ (2007).

Ese mismo año aparece ‘No one’, el primer single de su nuevo álbum ‘As I Am’, que de nuevo triunfa en las listas, aunque empiezan a llegarle críticas por su falta de imaginación y sus letras inmaduras, tachándola de artista sobrevalorada. El video superó en YouTube los 40 millones de visitas en tan sólo tres meses y actualmente ha superado los 175 millones.

En 2008, grabó la canción ‘Another way to die’ a dúo junto con Jack White para la película ‘Quantum of Solace’ de la saga de James Bond. Este trabajo se vio envuelto en polémica porque fue elegido a costa de descartar una canción de Amy Winehouse, quien anunció que publicaría su canción para demostrar que era superior a la elegida. Volvió a encarnar un papel en el cine en ‘La vida secreta de las abejas’ junto a Queen Latifah, Jennifer Hudson y Dakota Fanning.

El año 2009 publicó ‘The Element of Freedom’ (2009) el primero de sus álbumes que no alcanzó el nº1 en USA. Sin embargo en el Reino Unido, sí lo logró.  En noviembre de 2012 apareció su quinto álbum, ‘Girl on Fire’, publicado bajo el sello RCA y merecedor de un Grammy en la categoría de R&B contemporáneo. Volvió al nº1 en el Billboard 200 pero es su álbum peor vendido hasta la fecha. En 2013 grabó un dueto con la cantante italiana Giorgiainterpretando ‘I will pray’ (Pregherò) y en septiembre de 2014 Alicia publicó en su página de Facebook un nuevo tema llamado ‘We are here’, al que siguió en 2015 ’28 thousand days’, adelantos de su nuevo álbum ‘Here’ publicado en 2016. Ese año participó como coach en  la undécima edición del programa de talentos ‘The Voice’.

Un día como hoy, 22 de enero

Nacimientos

• 1900: Ernst Busch, cantante y actor alemán (f. 1980).
• 1901: Hans Erich Apostel, compositor clásico austriaco (f. 1972).
• 1916: Henri Dutilleux, compositor francés.
• 1931: Sam Cooke, músico estadounidense (f. 1964).
• 1945: Eduardo Alquinta, cantante y guitarrista chileno, de Los Jaivas (f. 2003).
• 1946: Malcolm McLaren, músico, mánager y productor británico.
• 1949: Steve Perry, músico estadounidense (Journey).
• 1960: Michael Hutchence, cantante australiano (INXS) (f. 1997).
• 1961: Daniel Johnston, músico, cantautor y artista estadounidense.
• 1965: Steven Adler, baterista estadounidense (Guns N’Roses).
• 1968: Hiroshi Morie, Heath, músico japonés (X Japan).
• 1972: Romi Paku, seiyu japonesa.
• 1977: Mario Domm, cantante y fisicoculturista mexicano.
• 1978: Abel Zavala, cantautor mexicano de música cristiana.
• 1980: Ben Moody, guitarrista estadounidense (Evanescence).
• 1987:Andres Julian Chaves, músico argentino.

Fallecimientos

• 1997: Cornelio Reyna, compositor, cantante y actor mexicano (n. 1940).
• 2000: Carlo Cossutta, tenor ítalo-argentino (n. 1932).
• 2002: Peter Bardens, teclista británico (n. 1944).
• 2005: Consuelo Velázquez, compositora mexicana (“Bésame mucho”) (n. 1924).
• 2012: Rita Gorr, mezzosoprano belga (n. 1926).

Nance

Steve Perry

Perry es uno de los cantantes que cautiva con su gran voz , voz que llevo al exito y recordamos cuando era vocalista del mejor grupo de rock melodico de todos los tiempos «Journey»
Comúnmente desacreditados por los aficionados más serios a la música, los rockeros de Journey fueron uno de los tantos fenómenos comerciales de finales de los setenta e inicio de los ochenta, cuando vendieron más de 40 millones de copias y más de 50 en la actualidad.

Journey vio su origen en 1973 en la ciudad de San Francisco cuando el ex manejador de Santana formó el Golden gate Rhythm Section. La formación inicial incluyó a los ex integrantes de la banda de Carlos Santana, Neal Schon (guitarra) y Gregg Rolie (teclado y voz), acompañados por Ross Valory (bajo), George Tickner (guitarrista) y Aynsley Dumbar (batería). La historia de la banda se extiende por un período de más de 30 años y 18 discos.

Tickner fue reemplazado en 1975 por Steve Perry, dado que el primero decidió estudiar medicina en la Universidad de Stanford.

El nombre Journey fue adoptado para un concurso de bandas de una radio de San Francisco. Originalmente Journey tocaba música más instrumental hacia el lado del jazz-rock. Sin embargo, debido a la falta de éxito comercial de los álbumes “Journey” (1975), “Look Into The Future” (1976) y Next (1977), hizo que Herbert le pidiera a los músicos que se concentraran más en el lado suave del rock y el pop.

El escarabajo, icono que usa Journey para identificarse, está inspirado en el arte y religión egipcios por ser símbolo de autocreación, renacer, renovación, transformación y regeneración. El escarabajo ha evolucionado gráficamente en todos sus discos hasta convertirse en el sello distintivo.

El primer disco que salió bajo el nuevo estilo fue “Infinity” en 1978 que se convirtió en su primer disco de platino empujado por el sencillo “Wheel in the Sky”. Al mismo tiempo empezó el “hábito” de Journey de llenar estadios. El nuevo estilo no le sentó bien al baterista Dumbar que se marchó para Jefferson Starship. En su lugar llegó Steve Smith.

En 1979 la banda sacó “Evolution” y en 1980 “Departure” que se convirtieron en éxitos instantáneos y que fueron seguidos por el doble álbum en vivo “Capured” que llegó al número nueve de las listas. Este último disco sorprendió a los críticos por el estilo rockero de las interpretaciones. Rolie se retiró de la banda y fue sustituído por el también tecladista Jonathan Cain que había tocado con los Babys.

Este fue un punto de inflexión para Journey pues con la entrada de Cain y el uso de colaboradores en sus composiciones, el grupo logró en 1981 su mayor éxito hasta la hoy: “Escape”. El disco fue número uno en la lista de los álbumes más vendidos y colocó más de nueve millones de copias apoyado en tres sencillos que estuvieron entre las diez más calientes: «Who’s Crying Now,» «Don’t Stop Believin'» y «Open Arms.» Dos años después vendría Frontiers que vendió 6 millones de copias, estuvo en la casilla número dos de ventas por nueve semanas y produjo dos éxitos: «Separate Ways (Worlds Apart)» y la balada «Faithfully». A estos éxitos descomunales le siguió una gira a estadios llenos. Entonces el grupo decide descansar un tiempo y darle espacio a Steve Perry que quería lanzar un disco en solitario: “Street Talk”.

Journey volvió a grabar en 1985. En ese momento aparecieron las tensiones entre Steve Perry, Valory y Smith. Justo antes del lanzamiento de “Raised On Radio”, que generó un nuevo éxito: “Be Good To Yourself”, Valory y Smith fueron despedidos por Perry y los sustituyeron con el bajista Randy Jackson y el baterista Larrie Londin.

El disco fue doble platino, pero no fue lo que la banda esperaba. La ruptura fue inevitable y en 1987 Journey se separó.

10 años después, en 1996, Perry, Schon, Smith, Cain y Valory se reunieron para sacar el disco “Trial By Fire” que entró a las listas en el número 3. Aunque fue un éxito entre una audiencia de mediana edad, los jóvenes ignoraron el disco. Un año después Deen Castronovo reemplazó a Smith y Steve Augeri entró en lugar de Steve Perry que enfrentaba problemas de salud.

La primera grabación de Augeri con Journey fue “Remember Me” para la banda de sonido de la película “Armageddon” que llegó a ser triple platino.

Su decimoctavo disco fue “Arrival” en 2001 que vino acompañado de una gira por 56 ciudades del mundo. Ese mismo año Columbia Records sacó un disco de grandes éxitos que logró vender ocho millones de copias, mostrando la magnitud de la base de admiradores de Journey.

Durante 2002 Journey se dedicó a ir de gira por Estados Unidos promoviendo el material del que sería su próximo álbum “Red 13”.

 

https://www.youtube.com/watch?v=i5pUOVC50Y8

Nace Michael Hutchence (INXS)

https://www.youtube.com/watch?v=PTULqzrhBWA

Un día como hoy, 19 de enero

Nacimientos

• 1832: Salvador Giner Vidal, compositor español (f. 1911).
• 1909: Hans Hotter, barítono alemán (f. 2003).
• 1917: John Raitt, cantante y actor estadounidense (f. 2005).
• 1926: José Alfredo Jiménez, cantautor mexicano (f. 1973).
• 1939: Phil Everly, músico estadounidense (The Everly Brothers).
• 1943: Janis Joplin, cantante estadounidense (f. 1970).
• 1946: Dolly Parton, cantante, actriz y compositora de música country estadounidense.
• 1947: Rod Evans, músico británico (Deep Purple).
• 1949: Robert Palmer, cantante británico (f. 2003).
• 1955: Tony Mansfield, productor discográfico y músico inglés.
• 1955: Simon Rattle, director de orquesta y músico inglés.
• 1963: Caron Wheeler, cantante británica (Soul II Soul).
• 1966: Lena Philipsson, cantante sueca.
• 1968: Whitfield Crane, músico estadounidense (Ugly Kid Joe).
• 1973: Antero Manninen, violonchelista finlandés (Apocalyptica).
• 1982: Angela Chang, actriz y cantante taiwanesa.
• 1983: Hikaru Utada, cantante japonesa.
• 1985: Rika Ishikawa, cantante japonesa (Morning Musume).

Fallecimientos

• 1833: Louis Joseph Ferdinand Herold, compositor francés (n. 1791).
• 1982: Elis Regina, cantante brasileña (n. 1945).
• 1988: Evgeny Mravinsky, director de orquesta y músico soviético (n. 1903).
• 1995: Patricia Teherán, cantante colombiana (n. 1970).
• 1998: Carl Perkins, músico estadounidense (n. 1932).
• 2003: Remo Lauricella, violinista británico (n. 1912).
• 2006: Wilson Pickett, cantante estadounidense de soul (n. 1941).
• 2007: Denny Doherty, músico canadiense (The Mamas & the Papas) (n. 1940).

 

Nace

Janis Joplin

 

(Port Arthur, 1943 – Los Ángeles, 1970) Cantante estadounidense de rock y blues. Estudió en la Universidad de Austin, donde hizo sus primeras incursiones en el mundillo musical universitario.

Atraída por el nuevo estilo de vida que trajo la recién iniciada revolución hippie, se estableció en 1963 en San Francisco. Allí fue la vocalista de Big Brother & The Holding Company, formación que cobraría popularidad en 1967 a raíz de su actuación en el mítico Festival Internacional de Música Pop de Monterrey. Joplin creó luego su propio grupo, la Kozmic Blues Band, que posteriormente se llamaría The Full Tilt Boogie Band.

En 1969 lanzó I got Dem Ol´Kozmic Blues Again Mama, su primer disco en solitario. El álbum fue un gran éxito de ventas y reportó a Joplin una inmensa popularidad. Tuvo sin embargo problemas derivados de su dificultad para asimilar y manejar su condición de estrella; su vida privada era anárquica, y pública y notoria su adicción a las drogas.

Joplin falleció en 1970 en una habitación de un hotel de Hollywood, como consecuencia de una sobredosis de heroína. En el momento de su muerte estaba grabando el larga duración Pearl, que se editaría póstumamente en 1971. El álbum y el single que de él se extrajo, Me and Bobby McGee, alcanzaron el número uno en las listas. Su discográfica editaría todavía, un año después, Janis Joplin in Concert.

Con su voz desgarrada, extraordinariamente dotada para transmitir emociones, y su energía desbordante, Janis Joplin fue una apóstol del movimiento hippie. Su desacuerdo con la sociedad de consumo fue uno de sus ejes de acción. Rebelde por sistema y contemporánea de Joan Baez, con quien compartía las mismas ideas y propósitos, mostró, sin embargo, unos estilos y aptitudes radicalmente distintos. Como en el caso de Kurt Cobain o Jimi Hendrix, los excesos de una vida apasionada y su prematuro fallecimiento contribuyeron a forjar su leyenda: nueve años de carrera le bastaron para convertirse en un mito de la historia del rock.

 

 

Un día como hoy, 18 de enero

Nacimientos

• 1835: Tsézar Antónovich Kiuí, César Cuí, compositor y militar ruso, miembro del Grupo de los Cinco (m. 1918).
• 1841: Emmanuel Chabrier, compositor francés (m. 1894).
• 1940: Iva Zanicchi, presentadora de TV y cantante italiana.
• 1941: David Ruffin, músico y cantante de soul norteamericano (The Temptations) (m. 1991).
• 1945: José Luis Perales, cantautor y compositor español.
• 1956: Christoph Prégardien, tenor alemán.
• 1969: Jim O’Rourke, músico estadounidense (Sonic Youth y Wilco).
• 1971: Jonathan Davis, vocalista estadounidense (KoЯn).
• 1971: Iván Wyszogrod, compositor de música para cine argentino.
• 1974: Gustavo Kupinski, músico argentino (Los Piojos y Las Pelotas) (f. 2011).
• 1979: Jay Chou, músico y cantante taiwanés.
• 1982: Joanna Newsom, cantautora estadounidense.
• 1982: Quinn Allman, guitarrista estadounidense (The Used).
• 1984: Maarja Kivi, cantante estonia.

Fallecimientos

• 1747: Antonio de Literes, compositor español (n. 1673).
• 1976: Frederick Hollander, compositor de música de cine alemán (n. 1896).
• 1986: Edmundo Rivero, cantante de tangos y guitarrista argentino (n. 1911).
• 2009: Enrique Dumas, cantante de tango argentino (n. 1935).
• 2016: Glenn Frey:  músico estadounidense, solista y compositor (The Eagles) (n. 1948).

Nace

Jonathan Davis

https://www.youtube.com/watch?v=SGK00Q7xx-s

 

Muere

Glenn Frey

Pasó su infancia en Royal Oak, Míchigan. Como dijo, «Yo crecí corriendo en Detroit. Fui a la escuela con los hijos e hijas de trabajadores de la fábrica de automóviles». Glenn se involucró en el deporte, incluyendo un período en el equipo de lucha libre. Además de ser un deportista, su mente aguda lo llevó a una clase para jóvenes con talento en la escuela. Saliente, enérgico, y apuesto, era popular con los muchachos y tenía talento con las chicas. Había tomado clases de piano y estaba aprendiendo de manera autodidacta a tocar la guitarra, inspirado por un concierto de The Beatles.

Frey fue uno de los compositores de algunos de los grandes éxitos del grupo estadounidense en la década del 70 como «Hotel California» y «Life in the Fast Lane».

Según informó la banda en su sitio web, el músico murió por complicaciones de artritis reumatoide, colitis ulcerosa aguda y neumonía.

 

https://www.youtube.com/watch?v=S9MeTn1i72g

Un día como hoy, 11 de enero

 

Nacimientos

• 1715: Jacques Duphly, compositor francés (f. 1789).
• 1876: Ermanno Wolf-Ferrari, compositor italo-alemán (f. 1948).
• 1926: Morton Feldman, compositor estadounidense.
• 1928: Ruth Brown, cantante estadounidense (f. 2006).
• 1946: George Duke, pianista estadounidense.
• 1959: Blixa Bargeld, cantante alemán (Einstürzende Neubauten).
• 1959: Per Gessle, compositor y cantante sueco (Roxette).
• 1965: Rob Zombie, músico, director de cine y escritor estadounidense.
• 1968: Heather Mills, activista inglesa y ex esposa de Paul McCartney.
• 1970: Raekwon, rapero estadounidense (Wu-Tang Clan).
• 1970: Zack de la Rocha, músico estadounidense (Rage Against the Machine).
• 1973: Hande Yener, cantante turca.
• 1974: Melanie Chisholm, cantante británica (Spice Girls).
• 1975: Jason Freese, músico estadounidense (Green Day).
• 1980: Amerie, cantautora estadounidense.
• 1987: Naya Rivera, actriz y cantante estadounidense
• 1991: Pixie Lott, cantautora y actriz británica.
• 1993: Aika Mitsui, cantante e idol japonesa (Morning Musume).
• 1993: Zayn Malik, integrante de la banda británica One Direction.

Fallecimientos

• 1674: Giacomo Carissimi, compositor italiano (n. 1605).
• 2003: Maurice Gibb, bajista y tecladista británico (Bee Gees) (n. 1949).
• 2007: Alice Coltrane, pianista de jazz estadounidense (n. 1937).
• 2008: Gabriel Manelli, bajista argentino de Babasónicos (n. 1969).
• 2009: Alejandro Sokol, músico argentino (Sumo y Las Pelotas) (n. 1960).
• 2010: Fina de Calderón, escritora, poetisa y compositora española (n. 1927).

 

Nace Zack De La Rocha

Zack nació el 12 de enero de 1970. Su madre obtuvo su licenciatura en Antropología, y vivía en «Irvine», un suburbio de Los Ángeles. Su padre Beto de la Rocha, era un artista, miembro del grupo político «Los Four», que pintaba a campesinos mexicanos, y enseñaba la historia Chicana. Sus padres se separaron cuando él tenía apenas un año. En 1983 su padre sufrió un ataque nervioso debido al excesivo uso de ideas religiosas. Él tomaba la Biblia para todo en su vida. Él y Zack (obligado) despedazaban todas las pinturas, que tanto le gustaba a Zack. Cuando Zack lo visitaba los fines de semana en Lincoln Heights, en L.A., era forzado a estar por tres días sentado en un cuarto con las cortinas y la puerta cerradas. Comía el viernes y no lo volvía a hacer hasta que regresaba con su madre el lunes. Después de un tiempo se quedó a vivir permanentemente con su madre en Irvine, quizá la ciudad con más gente «blanca» del sur de California. Esto trajo un shock cultural para el pequeño Zack. Debido a que dejó de visitar a su padre, perdió el sentido sobre la comunidad chicana y pensó que él era la excepción de la regla, porque los chicanos vivían «solamente» para trabajar o vender fresas.

Es conocido por ser el vocalista y compositor de la banda de rap metal y metal alternativo Rage Against the Machine.

Muere Maurice Gibb

Un día como hoy, 9 de enero

Nacimientos

• 1820: Pavel Křížkovský, compositor checo.
• 1839: John Knowles Paine, compositor estadounidense (f. 1906).
• 1844: Julián Gayarre, tenor español (f. 1890).
• 1897: Luis Gianneo, compositor y pianista argentino (f. 1968).
• 1914: Kenny Clarke, baterista de jazz estadounidense (f. 1985).
• 1928: Domenico Modugno, cantante y actor italiano (f. 1994).
• 1941: Joan Baez, cantante estadounidense.
• 1944: Jimmy Page, guitarrista británico (Led Zeppelin).
• 1950: David Johansen, músico y cantante estadounidense.
• 1950: Rio Reiser, cantante alemán (f. 1996).
• 1957: Phil Lewis, vocalista estadounidense (L.A. Guns).
• 1963: Eric Erlandson, músico estadounidense (Hole).
• 1967: Steven Harwell, músico estadounidense (Smash Mouth).
• 1967: Dave Matthews, cantante sudafricano (Dave Matthews Band).
• 1970: Lara Fabian, cantante belga.
• 1970: Alex Staropoli, teclista y compositor italiano (Rhapsody of Fire).
• 1970: Tonino Carotone, cantautor español (Tijuana in Blue y Kojón Prieto y los Huajolotes).
• 1971: Angie Martínez, rapera estadounidense.
• 1971: MF DOOM, rapero y productor estadounidense.
• 1973: Sean Paul, cantante jamaiquino.
• 1978: Mike Pelino, guitarrista estadounidense (Green Day).
• 1978: A. J. McLean, cantante estadounidense (Backstreet Boys).
• 1987: Paolo Nutini, cantautor británico.
• 1988: Carlos Peña, cantante y compositor guatemalteco.

Fallecimientos

• 1939: Johann Strauss III, director de orquesta austriaco (n. 1866).
• 1950: Manuel Corona, guitarrista y compositor cubano (n. 1880).
• 1971: Giannis Christou, compositor griego (n. 1926).
• 1981: José Ardévol, compositor cubano (n. 1911).
• 1981: Kazimierz Serocki, compositor polaco (n. 1922).
• 2012: Ruth Fernández, cantante puertorriqueña (n. 1919).

 

Nace

Jimmy  Page

 

Un día como hoy, 8 de enero

Nacimientos

• 1830: Hans Guido von Bülow, director de orquesta, compositor y pianista alemán (f. 1894).
• 1905: Giacinto Scelsi, compositor italiano (f. 1988).
• 1931: Bill Graham, promotor musical estadounidense (f. 1991).
• 1935: Elvis Presley, cantante de rock estadounidense (f. 1977).
• 1937: Shirley Bassey, cantante británica.
• 1946: Robby Krieger, guitarrista estadounidense de The Doors.
• 1947: David Bowie, cantante, compositor y actor británico.
• 1959: Paul Hester, músico australiano de Crowded House.
• 1967: R. Kelly, cantante estadounidense.
• 1973: Sean Paul, cantante jamaicano.
• 1976: Jenny Lewis, actriz y cantante estadounidense de Rilo Kiley.
• 1979: David Civera, cantante español.
• 1983: Felipe Colombo, actor y cantante mexicano.
• 1991: Asuka Hinoi, cantante pop japonesa.

Fallecimientos

• 1713: Arcangelo Corelli, compositor y violinista italiano (n. 1653).
• 1948: Richard Tauber, tenor austriaco (n. 1891).
• 1991: Steve Clark, guitarrista británico de Def Leppard (n. 1960).
• 2012: Bill Muntz, Músico estadounidense de jazz.

Nace

Elvis Presley

Nace

David Bowie

Un día como hoy, 7 de enero

Nacimientos

• 1895: Clara Haskil, pianista suiza de origen rumano (f. 1960).
• 1899: Francis Poulenc, compositor y pianista francés (f. 1963).
• 1907: Nicanor Zabaleta, músico español (f. 1993).
• 1912: Günter Wand, director de orquesta alemán (f. 2002).
• 1915: Chano Pozo, músico cubano.
• 1922: Jean-Pierre Rampal, flautista francés (f. 2000).
• 1948: Kenny Loggins, cantautor estadounidense (Loggins and Messina).
• 1950: Juan Gabriel, cantautor mexicano.
• 1952: Valeria Lynch, cantante y actriz argentina.
• 1959: Kathy Valentine, músico americana (The Go-Go’s).
• 1963: Clint Mansell, músico y compositor inglés (Pop Will Eat Itself).
• 1978: Janine Jansen, violinista neerlandesa.

Fallecimientos

• 1964: Cyril Davies, músico inglés de blues.
• 1967: Carl Schuricht, director de orquesta alemán (n. 1880).
• 1977: Erroll Garner, pianista estadounidense de jazz (n. 1921).
• 1980: Larry Williams, cantautor estadounidense (n. 1935).
• 2002: Jon Lee, músico británico de Feeder (n. 1968).

Muere

Errol Garner

Sin lugar a dudas Erroll Garner fue un pianista notable y destacado dentro de la escena del jazz. Nació en Pittsburgh el 15 de Junio de 1921, dentro de una familia de músicos, pero no aprendió a leer música, tocaba de oído. Sus manos eran asombrosas, se dice que abarcaban una decimotercera, algo increíble dada su baja estatura. Podía escribir perfectamente con ambas manos, y esta condición también la evidenciaba en el teclado. Podía tocar distintos ritmos simultáneamente con ambas manos. No es posible clasificarlo en algunas de las corrientes del jazz. Realizó más de mil grabaciones para setenta sellos distintos. Uno de sus conciertos fue presenciado por el músico Igor Stravinski, quien quedó impresionado por la increíble técnica y riqueza rítmica de este músico que no tenía estudios formales de música. Su composición más conocida es la famosa balada «Misty», su álbum “Concierto junto al Mar”, es el más vendido de los discos de piano en toda la historia del jazz y aparece en el libro “Los cien mejores discos de jazz”. Garner falleció de un cáncer al pulmón, el 7 de Enero de 1977,a la edad de 56 años, en Los Angeles, California.

Un día como hoy, 6 de enero

Nacimientos

• 1702: José de Nebra, compositor español.
• 1803: Henri Herz, compositor y pianista austriaco (f. 1888).
• 1838: Max Bruch, director de orquesta y compositor alemán.
• 1872: Alexander Scriabin, compositor y pianista ruso.
• 1937: Paolo Conte, cantautor italiano.
• 1937: Doris Troy, cantante estadounidense (The Sweet Inspirations).
• 1938: Adriano Celentano, cantante y actor italiano.
• 1940: Van McCoy, músico y compositor estadounidense.
• 1946: Syd Barrett, músico inglés y miembro fundador de la banda Pink Floyd (f. 2006).
• 1953: Malcolm Young, guitarrista de AC/DC.
• 1954: Diego Arnedo, bajista argentino (Divididos).
• 1964: Yuri, cantante mexicana.
• 1966: Sharon Cuneta, actriz y cantante filipina.
• 1966: Andrew Wood, cantante estadounidense (Mother Love Bone).
• 1972: Nek, cantante italiano.
• 1981: Mike Jones, rapero estadounidense.
• 1986: Alex Turner, músico inglés (Arctic Monkeys).

Fallecimientos

• 1831: Rodolphe Kreutzer, violinista y compositor francés.
• 1925: Ferdinand Löwe, director de orquesta austriaco.
• 1976: Óscar Esplá, compositor español.
• 1993: Dizzy Gillespie, trompetista estadounidense (n. 1917).
• 1999: Michel Petrucciani, pianista francés de jazz (n. 1962).
• 2006: Lou Rawls, cantante estadounidense (n. 1933).
• 2007: Peter Kleinow, guitarrista estadounidense de música country (n. 1934).

• Nace Syd Barrett, primer vocalista de Pink Floyd

  

  El 6 de enero de 1946 nació en Cambridge uno de los muchos héroes que el rock y la psicodelia fueron dejando por el camino. Hablamos de Syd Barrett, el primer vocalista y uno de los guitarristas del grupo británico Pink Floyd.

  Eran los tiempos en que había que probarlo todo y el grupo británico, fiel a si mismo y, puesto que habían tomado el nombre de una variedad de LSD, no se quedaba atrás. Eran los tiempos de la psicodelis de los grandes conciertos en los que, muchas veces, músicos y público compartían durante horas sus viajes “en ácido”.

  Syd quería ser pintor y aportó a los conciertos del grupo y quién sabe si al mismo rock la combinación de diapositivas y efectos visuales. Pero Syd, que fue definitivo a la hora de marcar la personalidad de Pink Floyd, tardaba cada vez más en regresar de sus psicodelias. Así que, poco a poco,fue desapareciendo hasta quedar definitivamente alejado del grupo y de la propia realidad.

  Sus compañeros de grupo han mantenido vivo Pink Floyd hasta convertirlo, dicen, en una mueca de lo que fue. Sin embargo, como en todos los movimientos pendulares, siempre hay un punto de equilibrio que en el caso de Pink Floyd fue el álbum “Whish you where here”.

  Cuentan que algunos temas del álbum tienen mucho que ver con la ausencia de Barrett, en tratamiento psiquiatrico por entonces y refugiado en casa de su madre en Cambridge. Lo cierto es que Syd asistió a algunas de las sesiones de grabación del álbum, aunque sus compañeros lo recuerdan como una sombra silenciosa e irreconocible en los estudios.

  • Nace Malcolm Young (AC/DC)

    

    El miembro fundador de AC/DC, compositor  de la banda y guitarrista de rock duro, nació en Glasgow (Escocia). Es el hermano de Angus Young, guitarrista principal del grupo australiano. En septiembre de 2014 se vio obligado a abandonar sus filas tras serle diagnosticada una demencia.

     

    Nace

    

    Max Bruch

    (Colonia, 1838 – Berlín, 1920) Compositor alemán. Aunque cultivó todos los géneros, su fama descansa hoy sobre una única obra: el romántico y mendelssohniano Concierto para violín y orquesta núm. 1, página preferida de todos los intérpretes de este instrumento. Compuesto en 1867, su autor intentó infructuosamente repetir el éxito de esta partitura durante todo el resto de su carrera. Sin llegar a su altura, disfruta de cierta celebridad otra obra violinística concertante: la Fantasía escocesa.

    Estudió en su Colonia natal con Hiller y Reinecke, entre 1857 y 1858, y después, con Hauptmann y Rietz. Entre 1862 y 1880 fue director de orquesta y de coros en Mannheim, Coblenza, Sonderschausen, Berlín y Breslau. Durante los siguientes tres años dirigió la Philharmonic Society de Liverpool y, en 1891, se hizo cargo de la dirección de la Meisterschule de la Akad. der Künste de Berlín.

    En sus primeros años ya se mostró poco amigo de las formas modernas y partidario de Brahms. En esta línea se sitúan obras como Scherz (ópera en forma de singspiel), Lind und Rache (1858), Trío con piano en do menor (1858) y Concierto de violín en sol menor (1868). Además, compuso tres óperas, tres sinfonías, numerosos coros (sobre textos de Homero y Schiller), piezas para piano y música de cámara. Las obras de su madurez son de escaso interés, destacando tan sólo Kol nidrei (1881), sobre melodías hebreas para violonchelo y orquesta, y Concierto para violín en re menor (1878).

    Nace

    Alexander Scriabin

    

    (Alexandr o Aleksandr Nikoláievich Skriabin; Moscú, 1872 – 1915) Compositor y pianista ruso. Aleksandr Skriabin fue el único hijo de la pareja formada por una pianista y un abogado. Debido al fallecimiento de su madre cuando él contaba un año de edad y a los viajes que realizaba su padre, fue criado por su tío Lyubov y su abuela. Comenzó a estudiar piano a los once años con Georgy Konyus y más tarde con Zverev en el Conservatorio de Moscú. Adquirió también conocimientos de teoría musical con Taneyev y otras disciplinas musicales con Antón Arensky y Vasili Safonov.

    A partir de 1885 empezó a componer música y a escribir poesía y en 1892 finalizó sus estudios en el conservatorio. Muy pronto mostró sus dotes como intérprete y enseguida pasó a formar parte de la gran hornada de pianistas rusos de la época, entre los que figuraban Lhevinne y el también alumno de Zverev, Rachmaninov. En sus recitales como solista, Alexander Scriabin interpretaba sus propias obras y composiciones de Bach, Mendelssohn, Schumann, Liszt y Chopin. Al practicar obras de Balakirev y Liszt sufrió una lesión en la mano derecha, lo que le llevó a componer sus piezas Op. 9, en las que la mano izquierda tiene un papel primordial.

    En la década de los años 90 publicó en Moscú sus primeras obras (Op. 1, 2, 3, 5 y 7) hasta que en 1894 conoció en San Petersburgo al editor Belyayev, quien se haría cargo de publicar sus obras hasta 1903. Además de editor, Belyayev se convirtió en mecenas de Scriabin y le organizó varias giras como pianista: la primera por Alemania, Suiza, Italia y Bélgica en 1895 y la segunda al año siguiente por París, Bruselas, Berlín, Amsterdam y Roma. Mientras tanto, Alexander Scriabin continuó escribiendo obras como su Segunda Sonata o muchos de los Preludios. En 1897 compuso su Concierto para Piano Op. 20 y al año siguiente se casó con la pianista Vera Ivanova.

    Scriabin fue también profesor del Conservatorio moscovita de 1898 a 1903, y por aquel entonces desarrolló su interés por la música orquestal, lo que le llevó a componer Reverie en 1898 y su Primera Sinfonía al año siguiente. Su interés por la filosofía y el misticismo se despertó hacia 1902 y cristalizó al entrar en contacto en 1905 con el movimiento de la teosofía y con las teorías de Nietzsche sobre el superhombre. Estas doctrinas incidieron profundamente en la obra de Scriabin desde su Op. 30 en adelante.

    Repentinamente abandonó a su esposa Vera y a sus cuatro hijos y realizó una serie de viajes por Italia, Suiza y Bélgica junto a su joven admiradora Tatiana Schloezer. Su ya desarrollado egocentrismo creció aún más debido a la devoción que Tatiana sentía por él; Scriabin llegó a limitar su vida a su creatividad y genio, sin interesarse por ningún otro aspecto. Durante su estancia en Lausana compuso su Quinta Sonata para piano y terminó el Poema del Éxtasis para orquesta, que logró estrenar en 1908 en Nueva York.

    Por aquellas fechas entró en contacto con Serge Koussevitzky, quien decidió convertirse en su agente, como en su día hizo Belyayev. Fue Koussevitzky quien convenció a Scriabin para que regresara a Moscú en 1909 y estrenara en Rusia su Poema del Éxtasis. El gran éxito que obtuvo la obra tanto en Moscú como en San Petersburgo, con Felix Blumenfeld al frente de la orquesta, convirtió a Scriabin en uno de los compositores de vanguardia más importantes de su país.

    Muere

    Dizzy Gillespie

    

    Nació el 21 de octubre de 1917 en, Carolina del Sur.

    Hijo de un albañil y músico ocasional que le dio muy mal trato.

    El joven Gillespie se pegaba con todo el mundo: «Yo era un diablo, un diablo fuerte».

     

    Al cumplir los catorce años, comenzó a tocar el trombón, pero enseguida lo cambió por la trompeta, que ya manejaba con destreza cuando su familia se trasladó a Filadelfia en 1935. Allí obtuvo su primer contrato importante con la orquesta de Frank Fairfax.

    Su vida cambió a medida que iba transformándose de matón en su juventud a auténtico ciudadano del mundo, cuyo apoyo a causas sociales, como la integración racial.

    Se convirtió a la Fe Bahá’í, hacia la mitad de su vida. Se radica en Nueva York, donde rápidamente se dio a conocer como un joven instrumentista con un estilo característico. Tocó con las big-bandsde Cab Calloway y Earl Fatha Hines y en el año 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunos discos. Con su trompeta Curva, fabricaba sus frases vertiginosas y agudos prodigiosos inflando unos increíbles mofletes sobrenaturales.

    Fue líder de varias big-bands a mediados de los años cuarenta. Las innovaciones armónicas y rítmicas que introdujo ayudaron a transformar el lenguaje musical del jazz en una forma expresiva moderna que cautivaba a los espectadores de todo el mundo. Entre sus composiciones destacan «Salt Peanuts«, «Bebop» y «Night in Tunisia«. Su obra «Manteca» fue un trabajo pionero del jazz afro-cubano, estilo que desarrolló especialmente al final de su carrera. Desde el punto de vista melódico, el estilo del bebop o bob del que Dizzy Gillespie fue con Charlie Parker y Kenny Clarkeuno de los creadores, se caracteriza por el fraseo asimétrico, el cromatismo y las combinaciones de motivos breves, a modo de exclamación, con líneas largas y veloces. A fines de los 80, cuando ya había cumplido 70 años, creó su «Orquesta de la Nación Unida«.

    Dizzy Gillespie falleció en Englewood, Nueva Jersey, el 6 de enero 1993.

     

    Muere  Michel Petrucciani

  • 

   

   

  • Pianista y compositor francés nacido en Orange el 28 de diciembre de 1962, y fallecido en París el 9 de enero de 1999. Su vida estuvo marcada por una enfermedad ósea degenerativa que le impedía andar y que le provocó la muerte a la edad de 36 años. Ha sido considerado como uno de los pianistas europeos con mayor inventiva y originalidad. Niño prodigio y genio absoluto del piano, su huella moderna se percibe en muchos pianistas jóvenes. Su figura ha inspirado el argumento de una película, Lettre à Michel Petrucciani, del director y contrabajista Frank Cassenti.Desde muy niño se dedicó al estudio del piano clásico, al que le dedicó 8 años de intenso estudio de manera obsesiva. Tras unos primeros escarceos musicales en un grupo familiar (su padre era guitarrista; su hermano, contrabajista), su primer trabajo profesional le llegó en 1977, cuando contaba sólo 15 años, de la mano de un músico afincado en Francia: Kenny Clarke, bastión percusivo del Modern Jazz Quartet durante su primera época. En 1978 consiguió introducirse en la orquesta del francés Alain Brunet, entre cuyos músicos se encontraba también Bernard Lubat. Con esta formación realizó una gira europea que le llevó al Festival de Cliousclat, en la ciudad de Drôme, donde precisamente tocaba el trompetista norteamericano Clark Terry. Este músico, atraído por la juventud y genialidad del pianista, le contrató para que tocara en su banda, y así fue como Michel Petrucciani comenzó a introducirse en las bandas de músicos norteamericanos.En 1980, con 18 años, continuó su periplo jazzístico tocando junto a Chuck Israels en París, y más tarde formó parte del quinteto de André Jaume, Mike Zwerin, Bernard Lubat –con quien ya había coincidido antes- y su hermano Louis, que tocaba el contrabajo. Precisamente con Zwerin, su hermano Louis y Aldo Romano grabó Flash en 1981.1982 fue un año clave para la carrera de este singular pianista, justo cuando cumplió 20 años de edad. Se marchó entonces a California. En esta ciudad se asoció con un importante saxofonista muy relacionado con la vanguardia jazzística: Charles Lloyd, cuya estancia en el grupo de Ornette Coleman le situó en la avanzadilla de este estilo de música. Fueron los años de su colaboración en cuarteto con Lloyd, en cuyas filas se hallaban el batería Palle Danielsson y el batería Son Ship Theus, con quienes grabó A Night in Copenhagen, en 1983. Además, su estancia en los Estados Unidos le llevó a realizar una gira por ese país con Lloyd e, inmediatamente, a instalarse en Nueva York. En esta ciudad contactó con Lee Konitz, con quien tocó en dúo en los años 1981 y 1982. Gracias a este encuentro surgió el disco Toot Sweet, en 1982, un vinilo lleno de delicias musicales propias de los artistas que lo interpretan.En 1984, con 22 años, volvió a Francia y grabó su primer disco en solitario: 100 Hearts. En 1985 continuó sus colaboraciones internacionales. Actuó en dúo (una apuesta que le tentaba mucho a este pianista) con Ron McClure, y lideró también su propio trío, entre cuyos músicos estaban Paul Danielsson, su contrabajista habitual, y el batería Elliott Zigmund. Del mismo año es su colaboración con otros dos músicos gigantes: Jim Hall y Wayne Shorter. Con estos músicos actuó en el Festival de Montreux en julio de 1986 y grabó el disco Power of Three. De cualquier modo, al año siguiente volvería a grabar con ellos en una sesión memorable, cuyo título fue She Did It Again.A partir de aquí, la proyección de este pianista francés se hizo imparable. Siguió grabando discos en solitario –como Pianism (1987) o Music (1989)- y actuando en Europa en trío, con Andy McKee, contrabajo; y Elliott Zigmund, batería; o con el saxofonista Bob Malach, en 1988. También tuvo cierta repercusión su actuación junto a Gary Peacock y Roy Haynes. Asimismo ha tocado con otros artistas en distintos momentos de su carrera, como Freddie Hubbard, Joe Henderson, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Lenny White, Eddie Gomez, Omar Hakim, o Billy Hart. Precisamente, muchas de sus colaboraciones con algunos de estos músicos han quedado reflejadas en un volumen antológico editado por Blue Note, con el título de The Blue Note Years en 1993.El 9 de enero de 1999, tras una agravamiento de su enfermedad ósea, murió en París cuando contaba tan sólo 36 años de edad.Michel Petrucciani debe ser considerado un original pianista dentro del nuevo jazz. Su estilo, enmarcado dentro de un lírico intimismo, bebe de varias fuentes; desde el jazz -lo enigmático que hallamos en Bill Evans parece ser su mayor fuente de inspiración, sin olvidar a pianistas como Art Tatum, quien también le influyó sobremanera-; hasta el mundo clásico, especialmente el de los compositores franceses vinculados al impresionismo: Maurice Ravel y Claude Debussy. La influencia de estos últimos parece concretarse en la forma en que este genial pianista desarrolla la base de los acordes: sonoridad, expansión y percusión. Muy dotado técnicamente, sus frases suelen ser melódicas, llenas de una intensa fragilidad. Un discurso musical donde impera la melodía y una musicalidad sugerente y envolvente, cuyo estigma procede, sin duda, de la música francesa a la que antes aludía.Sus conciertos se asemejaban a grandes eventos, en los que su pequeña figura (solía ser llevado en brazos hasta el mismo taburete) -unida a interpretaciones brillantes- desprendía una emotividad entrañable. Así, solía convertirse en la estrella de los grandes festivales a los que acudía, bien solo o en dúo, bien en trío. Un pianista, en definitiva, en la estela de Bill Evans, pero que supo crear un universo propio lleno tanto de sonoridad y atmósferas cálidas c